LAS TECLAS ROMÁNTICAS. Por Esteban Bernal Carrasquilla

Transcripción

1 Más información sobre el Club de música Más información sobre la programación de la Sala de Conciertos LAS TECLAS ROMÁNTICAS Por Esteban Bernal Carrasquilla Guía de trabajo, octubre de 2017 El pianoforte o gran piano es, quizás, uno de los instrumentos que más emociones despierta entre los músicos, los melómanos y casi cualquier persona que aprecie las artes sonoras. A lo largo y ancho del mundo hay incontables salas de conciertos que tienen su gran piano y que programan constantes recitales y temporadas de pianistas para tocar como solistas o acompañados por un ensamble o una orquesta sinfónica. Este instrumento ha llegado a tener tan buena aceptación que es común encontrar pianos inclusive en casas de aficionados a la música, quienes ven en esta noble caja que suena, una oportunidad para animarse a hacer algunas melodías; esto responde a que hacerlo sonar es realmente fácil: tan solo oprimir una, dos, tres o más teclas genera el dulce y brillante sonido esperado. Quizás, la popularidad del piano responda a lo versátil que es por naturaleza. Es usado tanto en la música académica como en las músicas populares y, dentro de ambas categorías, en un sinnúmero de géneros y estilos. Es además, un instrumento atemporal en el que la música que no fue escrita para él suena tan bien, o para algunos oídos quizás mejor, que en el instrumento para el cual fue concebida (escuchar alguno de los preludios y fugas de Johann Sebastian Bach referidos, en su versión original para clavecín y luego en una versión para piano, y comparar). Además de la versatilidad mencionada, el piano ha ganado adeptos en todo el mundo debido a su especial sonido y a las posibilidades que presenta por su mecánica. Es un instrumento de cuerda percutida que posee un sonido brillante y robusto con el que se pueden hacer melodías

2 delicadas o acordes violentos. Es armónico-melódico y sobre sus teclas se pueden hacer sucesiones de notas, una a una, o hasta diez sonidos simultáneos, uno por cada dedo de las manos que oprime una tecla. Inclusive, gracias a uno de sus pedales, en él se pueden hacer hasta más de diez notas que suenan sostenidas. En términos de volumen, puede pasar de un susurro casi imperceptible a llenar por completo un espacio de sala de concierto para cientos de personas sin la necesidad de amplificación (de allí, su nombre, pues piano significa suave y forte significa fuerte). Tiene un registro muy amplio que, si se compara con la voz humana, supera las notas graves a las que puede llegar un bajo profundo y va más allá de lo que la soprano más profesional alcanzaría. Además de todo lo anterior, el repertorio que tenemos en la actualidad para el piano, recoge varios siglos de historia y avances técnicos, lo cual significa que está a nuestra disposición, una gran cantidad de música muy rica y contrastante. Cuando pensamos en el piano, normalmente asociamos este instrumento a grandes compositores europeos, especialmente de los siglos XVIII y XIX. Pensar en el piano de la música académica es recordar a viejos nombres inolvidables como Mozart y Beethoven, a quienes reconocemos como dos de los genios de Viena, del Clasicismo y de la forma; también a unos posteriores que nos evocan una idea de expresión, de revolución musical y de expansión de la técnica y la dificultad en la interpretación como Liszt o Chopin; o también otros algo más cercanos a nuestro tiempo a quienes reconocemos como grandes expositores de música nacional o música completamente salida de los esquemas como Rachmaninov, Debussy y Satie (estos últimos tres, quienes desarrollaron parte de su carrera en el siglo XX). Y dicha asociación la hacemos, pues fue en este tiempo, los siglos XVIII y XIX, que el repertorio del pianoforte y la técnica de interpretación del instrumento sobrepasaron sus límites y se fortalecieron. El piano y los tres genios vieneses del Clasicismo: Sabemos que tanto Haydn como Mozart y Beethoven tuvieron a su disposición instrumentos muy similares al gran piano de hoy en día. Si bien Haydn escribía especialmente para clavecín, un instrumento de cuerda pulsada típico del barroco que aún se mantenía vigente en el siglo XVIII, muchas de sus obras presentaban unas dificultades nada fáciles de atender o de sortear en este instrumento. En el clavecín únicamente se podían hacer hasta diez sonidos simultáneos algo que además no era común proponer, que se cortaban en el momento en que el intérprete levantaba sus dedos de las teclas, y que sonaban todos a la misma intensidad de volumen, pues las teclas no respondían a los cambios en la presión que ejercen los dedos cuando las oprimen. En cambio, en el fortepiano, un instrumento innovador en su tiempo que permitía hacer distintas dinámicas (fluctuaciones en el volumen, notas sostenidas), Haydn lograba extender su técnica y hacer de su música para instrumento de tecla, algo más elaborado. De Mozart se dice que su obra para piano solo, que también fue escrita en su mayoría para clavecín, no representa un hito en el desarrollo repertorio, lo cual no quiere decir que su música carezca de belleza y algo de complejidad. Quizás esto se deba a que Mozart encontraba gran parte de sus ingresos en la docencia como lo hacían muchos de sus contemporáneos y como lo hicieron también algunos compositores posteriores. Al trabajar en alguna corte y para la

3 aristocracia, Mozart componía obras para sus estudiantes dependiendo del nivel de ellos y, en ese sentido, su música para piano solo ha sido tomada como no muy elaborada (para contradecir esta idea, invitamos a la audición de la Sonata No. 11 en la mayor, K. 331, una serie de piezas de gran belleza que se van haciendo más complejas a medida en que avanzan). Como dato al margen, el que se considera como gran aporte de Mozart al repertorio de piano, corresponde a sus aclamados conciertos para piano y orquesta. Beethoven fue, de los tres grandes compositores vieneses del Clasicismo, aquel que extendió las fronteras del estilo clásico en diversos formatos, siendo entre ellos la música para piano solista uno de los más evidentes. Es común escuchar una opinión entre intérpretes, musicólogos y melómanos acerca del estilo de Beethoven, pues manifiestan que bien se puede tratar del último compositor clásico y el primer romántico. Su opinión parece estar fundamentada en la carga de dramatismo que tiene parte de la música de Beethoven, algo que podría bien entenderse si tenemos en cuenta que el avance de su sordera lo afectó emocionalmente hasta el punto de pensar seriamente en el suicidio. Los expertos que van en contra de esta idea, defienden que Beethoven nunca dejó de ser un compositor clásico porque siguió con fidelidad el marco estilístico de la música clásica: la forma. Un aforismo es una pauta que se establece en el arte y que se presenta como un derrotero acerca de lo que se debe o no se debe hacer, o lo que se puede o no se puede hacer. En el caso del Clasicismo, el aforismo de este estilo indica que aquello que es más importante que cualquier otro elemento de la música es la forma: los materiales de la música deben estar a merced de la forma de las piezas (el ejemplo más claro es la forma sonata, donde una pieza tiene tres partes, cada una de las cuales tiene una sub-forma). La belleza de la música del Clasicismo radica en la manera en la que lo que se presente no vaya en contra de esa idea de forma. Y en ese sentido, la música de Beethoven parece ser bastante fiel a las formas clásicas. Pero tiene además, de manera evidente, el elemento del dramatismo: la música de Beethoven es muy expresiva, característica del siguiente periodo, el Romanticismo (invitamos a la audición de dos sonatas de Beethoven y a buscar el dramatismo y la expresividad en ellas: la Sonata No. 1 en fa menor, Op. 2, y la Sonata No. 23 en fa menor, Op. 57 esta última que será interpretada por Juan Pérez Floristán en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango ). El piano en el Romanticismo Es arriesgado lanzarse a hacer una generalización que reduzca el término romanticismo a solo unas cuantas características musicales. Al igual que sucedió con los estilos previos y como ocurriría con los posteriores, el estilo romántico puede no tener un único común denominador, pues en cada país europeo y según cada tradición local y cada manera de concebir la música de un compositor en particular, se daban resultado distintos y algunas veces contrastantes. Es una verdad a medias decir que en el Romanticismo ya no había mecenazgos y que todos los músicos se presentaban a la sociedad como artistas independientes que producían su arte al margen de las necesidades de la aristocracia (inclusive hoy en día, en pleno siglo XXI hay mecenas de las artes). Es también una verdad a medias presentar la música del periodo

4 romántico como opuesta a la del periodo clásico pues, si bien en el siglo XIX pudo haber un espíritu compartido por rescatar sentimientos nacionales y por hacer música que reflejara la manera en que el compositor veía al mundo, las formas clásicas aún estaban vigentes. La belleza o el sentido estético durante el Romanticismo también podía (aunque no era obligado) depender de la forma, aunque esta ya era susceptible de transgredirse en función de que el resultado sonoro fuera más expresivo. Puede decirse entonces que hay dos ideas casi transversales a la música del Romanticismo: primero, «una consciencia adquirida de la naturaleza multiforme, intrínsecamente contradictoria, continuamente cambiante de la realidad», como lo expresa el musicólogo italiano Renatto di Benedetto en su texto Historia de la música. Esto puede interpretarse como una mayor libertad por parte del compositor para escoger las temáticas de sus creaciones. Y vemos que en el repertorio romántico hay constantes referencias al mundo natural, a otras artes (literatura, poesía, pintura, etc.), al arraigo frente a ideales nacionalistas, a las músicas tradicionales locales, a los sentimientos, a la espiritualidad. Segundo, es común, aunque no generalizado, el asunto expresivo. Los cambios económicos, sociales y culturales que venían profundizándose con el pasar de los siglos y que ofrecían como resultado la posibilidad de que un compositor fuera, hasta cierto punto independiente, significaban que su obra sería entonces reflejo de su propio entendimiento de sí mismo y del mundo que lo rodea. Las anteriores ideas nos ofrecen un marco para acercarnos a la música de los pianistas que retomará Juan Pérez Floristán para su concierto a finales de octubre. Frédéric Chopin puede bien representar un romántico sui generis, por salirse de las tendencias que caracterizaban a algunos de sus contemporáneos. Parece ser que no estaba muy convencido de la idea de la «poética musical» ni de convertirse en el gran poeta del piano; es decir, su música no necesariamente estaba inspirada o relacionada con otras artes, ni tenía pretensiones de ser un tipo superior de expresión artística. Chopin fue una figura misteriosa que presentaba una música muy íntima que parecía no enmarcarse de la manera más evidente en otro estilo, pero que es considerada como nacionalista polaca. Aunque hubo algunos compositores de renombre en Polonia anteriores a Chopin, es este considerado como el primer gran compositor que recogió y estilizó la música de su país (sus polonesas, por ejemplo, son muestra de unas danzas estilizadas y gozan de mucha admiración entre el público. Escuchar el ejemplo anunciado). Su vida fue, en términos del musicólogo Alfred Einstein, romántica, por su brevedad y por su sufrimiento, por su exilio y por su incapacidad de independizarse de las mujeres, quienes le ocasionaron grandes dolores. Y su música contiene además, nos dice el musicólogo, elegancia, dulzura, sencillez, candidez, contrapunto avanzado y fuerza. Discos recomendados: - Wanda Landowska: The well tempered Clavier, Book II. Prelude and fugue I XXIV Número topográfico LPBJ0217

5 - Joao Carlos Martins: Bach The complete keyboard Works of J.S. Bach Número topográfico CD Mitsuko Uchida: The complete piano sonatas, W.A.Mozart Sonata en La mayor K 331. Número topográfico CD Alfredo Perl: Alfredo Perl - Sonata en Fa menor Op. 57 Número topográfico KD Andras Schiff: Furelise, piano favorites Polonesa op. 53 en la bemol, Frederic Chopin Número topográfico CD6132 Lecturas recomendadas: - Theodor Adorno: Escritos musicales IV. El estilo tardío de Beethoven Número topográfico 780 A36e2 - Joseph Machlis: Introducción a la música contemporánea. Primera parte, Capítulos I, II y III Lo viejo y lo nuevo; El crepúsculo del romanticismo; La herencia clásica.. Número topográfico M12i - Alfred Einstein: La música en la época romántica. Primera parte. Capítulos I al VII. Número topográfico E45m - Renato di Benedetto: Historia de la música. El siglo XIX, primera parte. Capítulo I, El romanticismo. Capítulo III, Chopin. Capítulo VI, Rusia.. Número topográfico H47b