COMENTARIO DE UNA OBRA DE ARTE III.- El análisis formal. La Pintura El Comentario de una obra de Pintura La pintura es sin duda la más popular de las artes visuales. Por ello mismo la información referida a la pintura es extensísima en la actualidad y su conocimiento bastante generalizado. A pesar de todo, no está de más recordar cuáles son las características principales de su lenguaje. Ideas principales que habría que desarrollar. La materia pictórica La Línea El Color La Luz La composición
Volumen Perspectiva Materia Pictórica. Cuando hablamos de materia pictórica nos referimos específicamente al soporte que se utiliza para realizar la pintura (muro, lienzo, madera, papel, etc.), así como a los elementos que sirven de aglutinante a la coloración, tales como aceite, clara de huevo, agua, etc. El arte contemporáneo ha añadido además a la materia pictórica elementos que hasta hoy eran extraños al lenguaje de la pintura, tales como arena, trapos, metal, etc. Todo ello en última instancia le otorga a la pintura una determinada textura, es decir unas calidades táctiles, que en última instancia es lo que viene a determinar la materia pictórica. Así, una textura lisa, pastosa, mate, brillante, rugosa, etc. La línea. La Línea en un cuadro permite la identificación y el reconocimiento de las formas. Pero su valor expresivo tiene importancia en sí mismo, al ser un componente esencial en la transmisión de un mensaje pictórico. Según su trazo varía su expresión plástica
Así puede hablarse de trazo continuo y cerrado, con carácter descriptivo. De trazo grueso, con carácter expresivo De trazo abierto, con una intencionalidad imaginativa y poética. O trazo curvilíneo, que tiene un componente sensual. La línea finalmente, influye también en el ritmo de la obra, pudiéndose diferenciar obras estáticas o agitadas, como veremos más adelante al hablar de la composición.
El volumen. La pintura es bidimensional, pero su deseo de realismo recrea en ocasiones la ficción del volumen. La sensación de tridimensionalidad en pintura se relaciona con la perspectiva y el modelado de las imágenes. La perspectiva. Mediante la perspectiva se simula la profundidad (la tercera dimensión), siendo por ello uno de los aspectos más sobresalientes de la pintura, ya que al no ser ésta sino bidimensional, la posibilidad de imitar o simular la tridimensionalidad siempre ha sido para los artistas un reto apasionante. A lo largo de la Historia las formulaciones de perspectiva han sido muchas, dependiendo de los conocimientos técnicos y de la intencionalidad de los artistas: La perspectiva Antigua y Medieval. Es prácticamente inexistente ya que carece de sentido. El arte de la Antiguo y medieval en su gran mayoría es simbólico, y por tanto no pretende representar la realidad. La perspectiva Lineal. Es característica del primer Renacimiento. Se trata en realidad de una formulación matemática: La profundidad se crea trazando un haz de líneas que configuran una pirámide, cuyo vértice es el punto de fuga de las mismas.
La perspectiva Aérea. Es la gran aportación de Leonardo Da Vinci al campo de la experimentación científica en el mundo de la pintura. Tiene en cuenta la esfericidad de órgano visual y la existencia del aire entre los objetos y la visión del espectador. El color. La esencia misma de la pintura es el color. El color tiene valor en sí mismo por su expresión plástica, que es siempre diferente para cada uno de ellos, dando lugar a sensaciones bien distintas en cada caso. En este sentido, no es la misma sensación plástica la que nos produce un rojo fuerte, que un azul pálido. Los colores pueden dividirse por su naturaleza visual en Primarios y Secundarios. Anaranjado (amarillo + rojo) Violeta (azul + rojo) Verde (amarillo + azul) En Complementarios:
Azul <-----------> Anaranjado Rojo <-----------> Verde Amarillo <----------- > Violeta Y En Cálidos y Fríos: Cálidos serían el Amarillo / Anaranjado/ y Rojo. Fríos el Violeta/ Azul/ y Verde. Por otro lado, los colores tienen además un valor simbólico, que a veces va ligado a fundamentos psicológicos y a veces a la tradición heredada de las distintas culturas. En este sentido, el azul y el blanco pueden ser símbolos de pureza, el amarillo de divinidad, el rojo de vida o pasión, el negro de muerte, etc. La luz. La Luz en pintura no es lógicamente la luz natural que, como vimos, era aprovechada directamente en la escultura. En este caso se trata de una luz representada, ilusoria. Por ello mismo, el autor puede tratarla como quiera, utilizándola en su provecho como elemento de expresión o de composición. Así, la utilización según los casos, de una luz diáfana y homogénea, o contrastada.
La composición. La Composición determina la ordenación de todos los elementos del lenguaje pictórico en el conjunto del cuadro. Como ocurriera en la escultura predominan siempre dos tendencias más generales, las composiciones cerradas y las abiertas. Las cerradas utilizan todos sus elementos plásticos para converger hacia el centro del cuadro, subrayando así su estabilidad y anulando cualquier indicio de movimiento en la obra. Las abiertas por el contrario divergen hacia los extremos del cuadro, agitando toda la estructura compositiva y dinamizando la escena. A estas dos tendencias predominantes se añaden otras composiciones generales en la articulación del cuadro. Así las composiciones piramidales que transmiten sensación de armonía y equilibrio. Por el contrario el predominio de estructuras compositivas oblicuas, fomentan la sensación de movimiento, lo que explica su utilización en estilos como el manierismo o el barroco. Pero hay muchas más: Centrífugas, simétricas, en zig-zag, etc.