EL LUGAR DE LA VOZ Y LA IMPROVISACIÓN VOCAL EN EL CONTEXTO DEL JAZZ Y LA MÚSICA POPULAR CONTEMPORÁNEA. NICOLÁS PEÑA LEÓN.

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1 EL LUGAR DE LA VOZ Y LA IMPROVISACIÓN VOCAL EN EL CONTEXTO DEL JAZZ Y LA MÚSICA POPULAR CONTEMPORÁNEA. NICOLÁS PEÑA LEÓN. Asesor: Ricardo Uribe Pontificia Universidad Javeriana Facultad de Artes. Carrera de Estudios Musicales Énfasis en Canto Jazz. Bogotá

2 ÍNDICE. 1. Introducción Justificación Objetivos.4 4. Repertorio Descripción del Repertorio 7 6. Bibliografía y Discografía Anexos

3 Introducción A partir de las nuevas tendencias en la música es claro que el músico contemporáneo necesita complementarse para estar a la par con las exigencias del mercado. El sólo ser intérprete, compositor o arreglista es cada vez más difícil y por esto mismo es necesario buscar nuevas maneras de llamar la atención del público y obtener así reconocimiento que produzca de alguna manera una audiencia a la cual presentarle música. Es por esto que es necesario contar con más de un tipo de habilidad en la música, es decir, no sólo se debe ser intérprete sino se debe ser capaz de componer, arreglar y producir, además de interpretar varios instrumentos y/o hacerlo de una manera que nutra y asombre al público cada vez más acostumbrado a lo mismo. Por esto pienso que al estudiar y tener herramientas del Jazz se puede lograr un amplio conocimiento (siendo al mismo tiempo profundo) de la música popular contemporánea, ya que en el Jazz se encuentran muchísimos estilos y fusiones, además de un uso extenso de la teoría armónica sobre la que está basada mucha de la música popular contemporánea, lo que permite tener más herramientas que las que tendría un músico clásico o popular. El jazz proporciona una mezcla entre las habilidades musicales teóricas y un acercamiento más orgánico a la música popular ya que en el jazz hay una grandísima cantidad de estilos musicales y ritmos por los que se puede abordar más fácilmente músicas como el pop, rock etc. Además, el hecho de estudiar improvisación en este lenguaje proporciona al músico muchas herramientas para componer en tiempo real y hacer arreglos que pueden ser traducidos en una nueva forma de presentar la música. Como cantante, es mi intención mostrar un proyecto enfocado en la interpretación, composición, arreglo e improvisación en diferentes estilos de forma que se ajuste a lo que se puede esperar ver en la música popular contemporánea, teniendo como principal influencia el jazz, funk, blues, soul, swing y las baladas pop entre otros. 3

4 Es importante recalcar que la idea de este proyecto es mostrar la manera en que las herramientas adquiridas al estudiar jazz influencian y apoyan la interpretación y composición vocal de los temas que se van a trabajar: desde la improvisación y la capacidad para hacer música en tiempo real, hasta técnicas de arreglos para vientos, sección rítmica y voces entre otros. Justificación Este proyecto se fundamenta en utilizar y concretar los medios aprendidos hasta ahora en la carrera de canto jazz, para poder desempeñar un mejor papel como miembro activo de un ensamble. Del mismo modo, se pretende cambiar fundamentalmente la imagen que se tiene del cantante como un miembro inactivo en un ensamble, más allá del aspecto interpretativo de la música; mostrar cómo, sobre todas las cosas, un cantante es un músico y como tal cuenta con la capacidad de ejercer su labor como cualquier otro miembro de un ensamble y del mismo modo, alcanzar una efectiva interpretación de cada uno de los diferentes géneros a tratar. Debo decir que este trabajo pretende mostrar también el fin de un proceso largo y dedicado donde se busca aplicar lo aprendido y del mismo modo usarlo como una muestra de mis capacidades como músico profesional. Objetivos Los objetivos del proyecto son: Mostrar mi desarrollo musical a través de la composición y arreglo de piezas para diversos formatos en los estilos a tratar. Estos son formatos como dúos, tríos, cuartetos, sección de cuerdas y sección de vientos con acompañamiento de sección rítmica, además de arreglos a 4

5 capella y con el uso de loopers. Esta diversidad de formatos busca una adaptación e interpretación personal de los géneros. Decidir, basado en el estudio de los estilos a través de la carrera, cuáles son los géneros que mejor representan las músicas populares contemporáneas. Tener en cuenta los diferentes formatos que pueden ser usados para lograr la mejor interpretación/adaptación posible de éstos géneros, pensando también en los diferentes colores y/o timbres que puedan lograr un mejor resultado. Con esto en mente y concretamente en la parte de arreglo de los temas, adaptar y decidir cuáles pueden ser las técnicas más adecuadas en la elaboración de los diferentes arreglos, teniendo en cuenta herramientas como block chords, contrapunto, spread voicings y los drop chords entre otros. Adecuar el funcionamiento de las diferentes estructuras de las obras que se interpretarán, teniendo en cuenta cómo pueden alterarse, en dado caso que el arreglo lo pida, sin alterar la lógica musical que la caracteriza para lograr la sonoridad que se quiera con cada tema. Y al hablar de la voz, el objetivo es mostrar un papel diferente al que usualmente se ve, es decir, cambiar por ejemplo, a ser un instrumento acompañante o acompañar volviéndose un instrumento percutivo. De igual manera, al realizar un tema sólo, incorporar elementos, técnicas u otros aspectos necesarios para que la música no pierda fuerza ni peso armónico; lograr que el tema tenga una estructura determinada y completa a pesar de la ausencia de instrumentos acompañantes. Del mismo modo lograr encontrar los elementos necesarios para 5

6 componer o arreglar temas para una sola voz sin que un concierto con estos se vuelva algo monótono. Ya que lo más normal es que la voz sea acompañada por diversos tipos de instrumentos pero casi nunca, en la música popular contemporánea, se vea trabajando sola. También es importante decir que además de lograr estos objetivos, se busca lograr un entendimiento de la interpretación de cada estilo, teniendo en cuenta la manera en que se puede cambiar la forma de interpretar cada uno. Es decir, así como con instrumentos como guitarra y bajo existen pedaleras y distorsiones la idea del proyecto es mostrar cómo la voz puede cambiar su color mediante técnica y no sólo con artefactos electrónicos. La idea es mostrar cómo gracias al estudio del jazz no sólo hay herramientas para improvisaciones melódicas sino también para tener un mayor conocimiento y un uso extendido del instrumento que de otra manera no se encontraría en sólo uno de estos géneros. Los cantantes y músicos que servirán de ejemplo son: Bobby Mcferrin, Ella Fitzgerald, Billie Holiday, John Mayer, Chet Baker, Héctor Lavoe y Louis Armstrong, además de otros que utilizan herramientas como pedaleras y loop station como James Blake y Bernhoft entre otros. Repertorio Thinkin about your body (Bobby Mcferrin) Drum n blues. (Nicolás Peña) Don t Worry (Nicolás Peña) Baby Blues (Nicolás Peña) I ve got you under my skin (Cole Porter) Blame it on my youth (Oscar Levant y Edward Heyman) Cheek to cheek (Irving Berlin) Ain t that a kick in the head (Sammy Cahn y James Van Heusen) Wish you were here (Nicolás Peña) 6

7 Descripción del repertorio. Thinkin about your body (Bobby McFerrin) Voz solo. Las consideraciones que se tienen para la interpretación de Thinkin about your body parten de la idea de tener un tema vocal solo, compuesto por alguien más para el trabajo de grado. El objetivo con este tema es mostrar en parte las capacidades sonoras del instrumento; como el cambio de octavas en una misma línea melódica y el uso de la percusión corporal para dar acompañamiento rítmico al tema. Consiste en una especie de forma blues alterada, ya que los cambios armónicos no son los mismos y el número de compases de la forma se reduce a 8. Forma Blues Común I IV I I IV IV I I ii V I V Forma Thinkin about your body I I I I IV V I I Después de una introducción donde se muestra el movimiento melódico del bajo y una especie de acompañamiento melódico entra el tema. Este consiste en una línea melódica con letra acompañada por una línea de bajo, donde para hacerlas una sola persona están intercaladas y en el desarrollo del tema pasan de ser saltos de una octava a otra a ser saltos de dos octavas donde 7

8 se ve la capacidad sonora del instrumento con diferentes colores en las diferentes octavas. Drum n blues. (Nicolás Peña) Dúo. Bajo y Voz. Con Drum n blues la idea aproximarse a un tema vocal con una forma blues y además dar cuenta de la capacidad percutiva del instrumento. En este tema se lleva a cabo una técnica conocida como Beat Boxing que tiene como idea fundamental el imitar una batería o llevar a cabo el papel de acompañante rítmico sólo con la voz, sin embargo en este tema se unen el ritmo y la melodía en una sola línea, por lo que en realidad no es sólo una técnica o la otra sino un tema que cuenta con varios elementos. Además, este tema se ejecuta en dúo con bajo eléctrico, lo que ayuda a dar una sonoridad más cercana al estilo sobre el que esta fundamentado el tema que es el funk. A pesar de no tener sección de vientos muy característica de este estilo, se pretende mantener un groove característico por medio de un beat en la voz y una línea melódica en la voz y el bajo. Don t worry. (Nicolás Peña) Cuarteto de cuerdas: Contrabajo, Viola, Cello y Violín con Voz. Es una composición arreglada para un cuarteto de cuerdas que busca en este caso mostrar otra forma de cómo la voz interactúa con diferentes formatos, una balada lenta con armonía sencilla, pero con un arreglo que busca dejar oír texturas cálidas como las que se forman en la introducción con los pizzicatos de los violines, o texturas más parecidas a backgrounds que vienen de las líneas ligadas del contrabajo con las otras cuerdas; o también las texturas que salen a partir de la interacción entre la voz e instrumentos de cuerdas. Se busca llegar a un color cálido en el ensamble donde los pizzicatos en los violines son tan importantes como las líneas largas en el contrabajo. Tiene una idea minimalista aplicada en el acompañamiento que busca crear una textura cálida, manteniéndose en un registro medio en relación a la voz, que a su vez funciona como una melodía líder sin salirse mucho de dicha textura. 8

9 Baby Blues. (Nicolás Peña) Voz con Looper. Se muestra el uso de un tipo de pedales llamado loop station con Baby Blues. El tema está escrito para que una sola voz cree su propia armonía y acompañamiento de manera que la música sea armada en vivo. Las líneas melódicas buscan mostrar claramente la armonía del tema, además de crear un tema que vaya creciendo de forma orgánica desde la primera voz hasta cuando están todas las voces superpuestas mostrando la armonía. Además se busca introducir en el repertorio de este trabajo un uso diferente de los colores del instrumento en el mismo tema ya que se trabaja desde la percusión vocal, pasando por el color que debe tener una línea vocal de coro, hasta una improvisación con trompeta vocal, que se basa en la imitación del sonido de una trompeta por medio de la voz. Así en este tema se pueden ver muchos de los elementos que se pueden utilizar a la hora de crear un tema vocal, desde el uso de loop station, hasta la imitación de sonidos de otros instrumentos por medio de la voz. I ve got you under my skin. (Cole Porter) Piano y Voz. Por otra parte, con I ve got you under my skin se trata de mostrar un aspecto más tradicional del jazz. Ya que en el repertorio existen temas vocales solo, en dúo y con pedales, me pareció importante mostrar otros tipos de ensamble y la manera en que la voz se comporta en ellos. El objetivo de este tema es mostrar cómo la voz se comporta en un tema más tradicional con un formato en dúo, piano y voz. Se interpreta con la idea de mantener un fraseo más rítmico ya que no hay batería en el formato, sin dejar de hacer melodías interesantes que se relacionen con el acompañamiento que existe. La idea de este es que sea stride piano, que consiste básicamente en que la mano izquierda del pianista toca bajos e intervalos de 7ma en el primer y 9

10 tercer tiempo del compás mientras que toca acordes acompañantes en el segundo y cuarto tiempo, mientras que la mano derecha puede hacer la melodía principal o en este caso líneas melódicas de acompañamiento. Así, se busca en este tema dar libertad a los intérpretes en cuanto a la interpretación; teniendo en cuenta la importancia de los colores que el piano puede hacer en el acompañamiento para resaltar o contrastar las melodías que la voz va improvisando. Es un tema donde el lenguaje jazz de los instrumentistas involucrados en la ejecución de esta pieza se puede ver más claramente ya que están expuestos todo el tema por el tipo de formato. Blame it on my youth. (Oscar Levant y Edward Heyman) Piano y Voz. Con Blame it on my youth se busca mantener el mismo formato anteriormente mencionado. Sin embargo, la idea de este tema es mostrar más el rango vocal y dinámico de la voz. Ya que es una balada acompañada sólo con piano hay un constante juego de dinámicas que no están escritas sino son decididas en vivo por los dos músicos y también busca mostrar los colores de las armonías con improvisaciones melódicas a la hora de interpretar el tema. Además es un tema donde la interpretación tiene un constante cambio entre los registros de la voz, pasando de voz de pecho a falsete teniendo en cuenta las dinámicas y cambios de color que deben ser llevados a cabo en el instrumento para que las líneas melódicas no tengan cambios muy fuertes que rompan la textura que se forma entre el piano y la voz. Cheek to cheek. (Irving Berlin) Cuarteto: Batería, Contrabajo, Guitarra y Piano y dos Voces. Es un tema compuesto en 1934 con el que busco retomar la sonoridad del swing de esa época. Con un formato compuesto por batería, bajo, piano, guitarra y voz se busca tomar esa sonoridad med swing al estilo de Ella Fitzgerald y Louis Armstrong. El arreglo consiste en rearmonizaciones sencillas para no perder la sonoridad característica de la época y juntarla con un arreglo para dos voces donde hay que hacer una modulación para el 10

11 segundo tema. Se tomó como base el arreglo de este tema en el disco Ella & Louis 101 all time greats con una interpretación personal sin perder la idea del arreglo original. La idea de este tema es mostrar el fraseo característico de este estilo y el juego constante que hay entre el acompañamiento y la voz principal, además de mostrar cómo se pueden relacionar dos voces cuando son, al mismo tiempo, la melodía principal mostrar el juego entra colores, texturas, formas de acompañar y seccionamientos de la forma, siendo lo más importante de este tema en el repertorio, la relación entre una voz y la otra: la manera en que elementos como el fraseo y la improvisación melódicas enriquecen la interpretación de un tema de este estilo y la forma en que el juego con la letra de la canción por parte de los intérpretes hace que el tema tenga una vida propia y particular dependiendo de las personas que lo interpreten y el momento en que sea interpretado. Ain t that a kick in the head. (Sammy Cahn y James Van Heusen) Cuarteto: Batería, Contrabajo, Guitarra, Piano. Cuerda de vientos: Trombón, Saxo tenor, Saxo alto y Trompeta con Voz. Con este tema se busca llegar a una sonoridad parecida a la del tema anterior. Los dos se basan en el swing de los 30 s pero adaptada de una manera más moderna por la interpretación del tema. Al formato se le añade una sección de vientos que busca recrear la idea de una pequeña big band, donde no sólo existan backgrounds propios del estilo sino también se vea el juego de pregunta-respuesta que hay entre la voz principal y la sección de vientos, teniendo en cuenta que para escribir la sección se trabajan elementos como registro, ritmo y cambios armónicos para hacer que la sección suene interesante evitando que se entrometa cuando no se quiere en la melodía de la voz. Así, la idea con este tema es mostrar cómo se comporta la voz en un ensamble con vientos, la manera en que un cantante dirige sin perder la habilidad de interpretar claramente el tema al mismo tiempo y ver 11

12 también los colores que se forman con una sección de vientos apoyando la melodía de la voz. Wish you were here. (Nicolás Peña) Cuarteto: Batería, Bajo eléctrico, Guitarra y Teclado con Voces. Este es un tema propio, compuesto con una idea funk para la sección rítmica y acompañamiento y con una forma pop en cuanto a la letra y forma general del tema. Sin embargo, aquí se pueden ver varios elementos del jazz en la interpretación y arreglo del tema ya que pretende tener varios solos donde exista espacio para la improvisación. Además la idea de la interpretación es no tener todo escrito, sino dejar lugar a que los instrumentistas y la voz tengan una relación más espontánea, donde las dinámicas y cambios en las secciones sean resueltos en vivo teniendo sin embargo un arreglo pensado del tema donde hay varios cortes y anticipaciones rítmicas planeadas. Así, es un tema donde existe libertad en el acompañamiento pero también una estructura definida, que permite jugar alrededor de una estructura definida de una forma de un tema. Es en este tema donde se juntan elementos del pop, jazz y funk en momentos del acompañamiento, estructura armónica, interpretación del tema y solos en la forma. 12

13 Bibliografía. Pease, Ted and Ken Pulling Modern Jazz Voicings: Arranging for Smaill and Medium Ensembles. Boston, MA. Berklee press. Lowell, Dick and Ken Pulling Arranging for large jazz ensemble. Boston. MA. Berklee Press. Piston, Walter Orchestration. Londres: Victor Gollancz LTD Sebesky, Don The Contemporary Arranger. Nueva York. Alfred Pub Co. 13