TEMA 8 - ARTE GÓTICO

Transcripción

1 TEMA 8 - ARTE GÓTICO Los orígenes del gótico deben buscarse en la evolución misma del arte románico. Su consolidación tuvo lugar en el siglo XIII, pero su definitiva expansión fue en los dos últimos siglos de la Edad Media, coincidiendo a veces con las nuevas corrientes renacentistas. Si el Románico había sido el arte de la Europa feudal, y fue un arte rural y monástico, el Gótico va a ser un arte artesanal, burgués y urbano. Este nuevo estilo va a ser fruto de una nueva sociedad en la que destaca el desarrollo de la burguesía y de las ciudades. Una sociedad urbana y mercantil en la que se configura el nuevo estilo y donde éste se va a reflejar en los nuevos edificios: los príncipes levantan sus palacios y castillos; los gremios, sus edificios de reunión; las ciudades sus palacios públicos; los burgueses sus mansiones y la Iglesia sus catedrales, sus capillas y conventos urbanos. El nombre de Gótico con el que se conoce al estilo se debe al gran historiador del arte italiano del siglo XVI Giorgio Vasari, que lo cree de origen germánico (etimológicamente gótico procede de godo, que equivale a arte bárbaro, carente de buen gusto). El arte del medievo, en su conjunto, fue considerado gótico y bárbaro hasta que los historiadores del siglo XIX modificaron sustancialmente la interpretación del pasado medieval, incluidas sus manifestaciones artísticas. Incluso, en arquitectura, llegó a ponerse de moda (Neogótico) y algunos arquitectos y teóricos, como Viollet-Le-Duc, lo rescataron del olvido. El estilo gótico comprende, si hablamos de cronología, desde el siglo XII hasta muy entrado el siglo XVI. Dentro del arte gótico -atendiendo primordialmente a la evolución de la arquitectura- se han establecido varios períodos: 1) Gótico inicial: segunda mitad del siglo XII 2) Gótico clásico o de apogeo: siglo XIII. 3) Gótico radiante: finales del siglo XIII y siglo XIV. 4) Gótico flamígero o florido: siglo XV caracterizado por la abundancia de decoración en los edificios, que a veces, prevalece sobre los elementos estructurares. Técnicamente no aportó nada. En cuanto a su difusión geográfica, es más amplia que la del Románico, pues los cruzados lo difunden por el Oriente hasta Tierra Santa (Rodas, Chipre, etc.) y los españoles, en los últimos momentos de este estilo, hacia Nuevo Mundo. Aunque el gótico es la consecuencia lógica de la evolución del románico, desde el punto de vista estético, refleja una actitud espiritual y un gusto completamente distintos. Además el término gótico designa un estilo histórico que se dio durante una época concreta y que no presenta unos rasgos comunes, ya que cada momento y área geográfica tuvo sus propias características. CONTEXTO HISTÓRICO Y CULTURAL. El contexto histórico del arte gótico fueron los siglos finales de la Edad Media, una época de profundas transformaciones económicas, políticas y sociales. En estos siglos se desarrollaron las ciudades, que adquirieron cada vez más peso en lo artístico, en lo político y en lo económico. En las ciudades surgió una nueva clase social, la burguesía, que emergía a la vez que se iniciaba el declive feudal. En las ciudades aparecieron también nuevas instituciones culturales, las universidades, que quebraron el monopolio, aunque no el predominio, de la cultura religiosa. Fue asimismo la época en que se consolidó el poder de los reyes, fundamentado jurídicamente en la recuperación del derecho romano. El cambio en la economía fue tan profundo que está en la base de las restantes transformaciones: renació la artesanía, se desarrolló el comercio, se consolidaron los gremios, surgieron las primeras instituciones comerciales precapitalistas. También hubo importantes cambios culturales que se manifiestan sobre todo en la progresiva secularización de la cultura. El trascendentalismo románico, empieza a ser sustituido por una 1

2 religión más humana, por una mayor valoración del hombre y de la naturaleza, considerados bellos en sí mismos por reflejar la belleza divina. Otro aspecto importante fue la actitud de la Iglesia. En el siglo XII tuvo lugar la reforma cisterciense, conducida por San Bernardo de Claraval. En el siglo XIII se crearon nuevas órdenes como la de los franciscanos o las de los dominicos (órdenes mendicantes) que se instalaban ya en las ciudades y contribuyeron al cambio de mentalidad puesto que participaban intensamente en los centros universitarios y difundían la idea de la belleza como obra de Dios. No todos los siglos del Gótico fueron de progreso; en el siglo XIV se produjo una profunda crisis. Afectó a las actividades económicas, a las relaciones entre países (Guerra de los Cien Años), a la demografía (Peste Negra), a la religión (Cisma de Occidente), a las conciencias y, por supuesto, al arte. Entre las consecuencias inmediatas de la crisis hubo una exaltación de las formas de religiosidad individual y una doble manera de entender la vida: la actitud vitalista y mundana de unos se contraponía a los fatalistas, obsesionados por la muerte. En paralelo surgieron dos formas de concebir el arte, una superficial, refinada y de evasión, junto con otra caracterizada por un profundo dramatismo trascendente. ARQUITECTURA GÓTICA El arte gótico surge de una evolución del arte románico y tiene muchos elementos de continuidad, como la inspiración religiosa o las plantas de las iglesias que mantienen la cruz latina pero con una cabecera exagerada con girola y capillas, pero creará un sistema constructivo opuesto. Frente a la pesadez y predominio de la masa sobre el vano propios del Románico, en el gótico las construcciones son ligeras con predominio de los vanos gracias a un sabio empleo del equilibrio de empujes y fuerzas. Materiales: utiliza la piedra tallada en sillares regulares y ligaduras metálicas afirmadas con plomo. Los elementos constructivos de la arquitectura gótica son: a) Los elementos sustentados - El arco apuntado u ojival es el elemento más representativo del gótico, aunque ya se había usado en otros estilos como el románico final o el arte islámico. Está formado por dos segmentos de circunferencia que se cortan. El arco se utiliza en la estructura de la bóveda, en los vanos, en la separación de las naves, como elemento decorativo, etc. El arco apuntado es más seguro porque los dos segmentos de circunferencia que le forman se apoyan y apuntalan mutuamente, disminuye los empujes verticales sobre el muro y desplaza el peso hacia los laterales de forma que el muro que queda bajo el arco apenas recibe peso y proporciona mayor esbeltez al edificio permitiendo al arquitecto acercarse a la deseada verticalidad. Expresa esfuerzo y dinamismo, y tiene un gran valor decorativo. A lo largo del desarrollo del gótico, el arco apuntado adquiere diversos tipos y aparecen nuevos como el conopial, carpanel, escarzano, etc. - La bóveda de crucería es el elemento más distintivo del gótico. Esta formada por el cruce de dos arcos apuntados en diagonal (quedan visibles y reciben el nombre de nervios, que se cruzan en el centro o clave) que transmiten las cargas a cuatro puntos. Además de los nervios, la bóveda se apoya sobre dos arcos formeros y sobre dos arcos fajones o torales. Los espacios entre los nervios se rellenan con paneles de relleno (plementos o paños) que ayudándose en el esqueleto cierran la bóveda. La utilización de la bóveda de crucería tiene una serie de ventajas técnicas y estéticas: Los nervios adquieren un papel definitivo en la construcción ya que en ellos descansa la bóveda y gracias a ellos el arquitecto concentra la carga de la cubierta en cuatro puntos. Esa diferencia entre esqueleto y plementos permite que la bóveda se vuelva ligera ya que los plementos sólo constituyen relleno y pueden construirse con materiales livianos. 2

3 Al disminuir el peso de la bóveda y al concentrarse éste en cuatro puntos se atenúan los empujes de la cubierta, se pueden abrir vanos y elevar el edificio. Se adapta con flexibilidad a las más diversas plantas del edificio. A lo largo del desarrollo del gótico, la bóveda de crucería aumenta el número de nervios y se va complicando hasta llegar a la bóveda estrellada y de abanico, contribuyendo así a la decoración interior del edificio. El progresivo aumento de los nervios influirá no sólo en el aspecto del edificio sino también en los soportes interiores que sustentan esta bóveda. b) Los soportes o elementos sustentantes son los que controlan los empujes de las bóvedas. Son de dos tipos: - Interiores: los pilares fasciculados Los nervios de la bóveda se prolongan por el muro y los pilares, llevando los empujes verticales hasta el nivel del suelo. Los nervios, convertidos en finísimas columnas sobre muros y pilares, se llaman baquetones. Los pilares están formados un núcleo central al que se adosan los baquetones que recogen el peso de los diversos nervios de la bóveda. El soporte se va complicando conforme se complica también la bóveda al multiplicarse los baquetones. Estas columnas tienen en un primer momento su capitel y basa pero llega a desaparecer el capitel individualizado y se forma uno seguido a modo de cinta decorada que une el haz de baquetones. - Exteriores: arbotantes y estribos o contrafuertes. La principal aportación del gótico es la forma de solucionar el contrarresto de los empujes laterales de la bóveda que son llevados al exterior a través de los arbotantes (elemento original) y de los contrafuertes (ya utilizados en el románico). El arbotante es un arco exterior que se apoya en su parte superior en el arranque de la bóveda de crucería, va por encima de las naves laterales y transmiten el empuje de ésta a un contrafuerte exterior sobre el cual se apoya y que está situado en la nave lateral inmediata. Es un arco de descarga cuya misión es transmitir el empuje de la bóveda hacia el exterior: además, contribuye a asegurar la estabilidad de la bóveda, gracias a él se pueden construir naves altas; sus líneas ligeras contribuyen a dar el carácter ascendente y elevado a los edificios. También cumplen la misión de ser canales por donde bajan las aguas del tejado: los arbotantes están acanalados en la parte superior y expulsan el agua a través de las gárgolas. El contrafuerte es un pilar grueso que soporta el empuje de la bóveda que le transmite el arbotante. Es otro elemento utilizado en el románico pero el contrafuerte gótico adquiere mayor relieve en el conjunto de la construcción. Se corona con un pináculo. El pináculo es un pequeño pilar terminado en forma apiramidada o decorado en su parte superior. Tiene como misión técnica hincar el contrafuerte pero a la vez es un elemento decorativo de gran importancia. La profusión de contrafuertes y arbotantes con sus pináculos contribuye a la decoración exterior del edificio y a dar ese carácter ascendente inspirador del estilo gótico. c) El sistema de equilibrio Los elementos constructivos anteriores crean un nuevo sistema de equilibrio. El empuje de las bóvedas se descompone en cargas verticales y empujes laterales. Las cargas verticales se solucionan con los pilares y las laterales con los arbotantes y contrafuertes. Los nervios, pilares, contrafuertes y arbotantes constituyen un esqueleto de piedra que es el responsable de la estabilidad del edificio; el resto (plementos, muros) son básicamente cerramiento. Así, se pueden abrir amplios vanos cubiertos por vidrieras y se pueden construir a gran altura. Como consecuencia del sistema constructivo empleado y de una voluntad estética, la arquitectura gótica se caracteriza por: - El predominio del vano sobre el macizo ya que el muro no desempeña un papel sustentante, no interviene en la estabilidad del edificio y se convierte en mero 3

4 cerramiento, se pueden abrir grandes ventanales con vidrieras que tamizan la luz y colorean el espacio interior. La luz adquiere gran protagonismo en el edificio. Puesto que Dios es la luz del mundo, cuanta más luz reciban los objetos más cerca de Dios estarán. Un ejemplo de ello lo tenemos en la Saint Chapelle de París, un edificio que parece una caja de vidrio y piedra. El grado en que se prescinde del muro en el estilo gótico no se supera en Occidente hasta que se utilicen en el S. XIX el hierro y el acero como material de construcción. - Elevación y movimiento ascendente. El sistema constructivo permite que el edificio alcance gran altura pero además todos los elementos son concebidos para servir al efecto de elevación y movimiento ascendente que se percibe al entrar pero sobretodo en el exterior. En el interior: el paralelismo y la altura de los pilares, las finas columnillas o baquetones impulsan la mirada hacia arriba o la relación de la anchura y altura de las naves contribuye a dar el impulso ascendente. En el exterior: la proliferación de arbotantes conducen la vista hacia los pináculos, las torres acabadas en flechas, las agujas, la estructura de la fachada. Las ventanas y puertas se rematan con una moldura angular gablete -que sirve de cerramiento al vano. - Unión del edificio y el entorno. El edificio gótico también se diferencia del románico por sus relaciones con el espacio. Los arbotantes y flechas no parecen encerrar la masa arquitectónica como lo hacían los muros románicos- sino al contrario constituyen una unión entre edificio y entorno. Los contrafuertes se destacan de la superficie de los muros y más que dar una impresión de cerco, por su ligereza y construcción crean una unión con el espacio exterior. El edificio se prolonga por pináculos y flechas; las ventanas establecen una comunicación entre interior y exterior ya que la vidriera no puede considerarse como una separación. d) Elementos decorativos Los elementos decorativos son variados y tienden a reforzar la verticalidad. El gótico presta poca importancia a paredes y techos y mucha a los vanos: ventanales y rosetones, galerías, puertas, etc. Para cerrar y decorar un vano se levantan en su interior una o varias columnillas o baquetones, unidas en su parte superior por arcos sobre los que descansa la tracería calada que se cubre con vidrieras coloreadas. A lo largo del desarrollo del estilo gótico la tracería de los vanos pasa de más sencilla a más decorada enriqueciéndose progresivamente. Las ventanas y puertas se rematan con el gablete o ángulo apuntado que cierra el vano. Otros elementos decorativos son: pináculos, agujas, esculturas, florones, claves, gárgolas (desagües del tejado esculpidos en formas fantásticas). Tipos de edificios La arquitectura religiosa sigue siendo la predominante pero también se construirán edificios civiles como ayuntamientos, lonjas, palacios, etc. Con el resurgimiento de las ciudades, la catedral se convierte en el edificio gótico por excelencia. Está concebida para albergar a grandes masas. Se levanta en el centro de la ciudad y en torno a ella se organiza la vida ciudadana. En su construcción colaboran las corporaciones o gremios de la ciudad que, animadas tanto por el entusiasmo religioso o por la rivalidad entre ciudades, compiten edificando templos que miden su riqueza. Las características comunes a los templos góticos son: Emplea la planta de cruz latina, que simboliza la crucifixión de Jesucristo, con tres o cinco naves siendo la central más ancha y alta. El transepto se sitúa hacia el centro y sus brazos no son tan largos como en el románico y, a veces, no sobresale. Esto hace que la cabecera ocupe casi la mitad del templo pudiendo tener hasta cuatro tramos. El ábside tiene girola o deambulatorio que, en algunos casos, puede ser doble. La girola une las naves laterales por detrás. Alrededor de ella se abren capillas radiales. 4

5 La nave central está dividida en niveles: el primero son las arcadas de separación de las naves, por encima esta el triforio, recuerdo de las galerías o tribunas de las iglesias de peregrinación, y en la parte superior el claristorio con grandes ventanales con vidrieras. En la nave central, cerca del presbiterio encontramos el coro. En el exterior hay grandes fachadas monumentales con decoración escultórica. Las portadas tienen arcos apuntados y abocinados. La fachada principal suele tener tres puertas que se corresponden con las naves. Sobre la puerta principal se sitúa el rosetón; sobre las puertas laterales se levantan dos torres-campanario rematadas generalmente por agujas. También puede haber portadas monumentales en los brazos del crucero. Toda la superficie de la fachada está decorada: gabletes sobre las puertas, galerías de arcos, tracerías, estatuas y agujas. Sobre el centro del crucero se sitúa el cimborrio que se remarca en altura con una aguja a veces con bellos calados-. La arquitectura monástica mantiene cierta importancia reactivada por la aparición de las nuevas órdenes mendicantes (franciscanos y dominicos). La arquitectura civil irá adquiriendo una mayor importancia a finales de la Edad Media. Mantiene una estrecha dependencia estilística de la arquitectura religiosa. En los edificios civiles no aparecen detalles constructivos ni decorativos que no hubieran sido utilizados en las iglesias. En la fase tardía del gótico de mayor desarrollo burgués- aparecen nuevos edificios: Ayuntamiento, Lonja, casas gremiales, hospitales, etc Arquitectura gótica en Francia. Partiendo de la idea de que el Gótico tiene sus orígenes en Francia, como ocurrió con el Románico del que deriva en muchos aspectos, vamos a ver como evoluciona en este país, para estudiar después sus vías de difusión y las escuelas nacionales de arquitectura, deteniéndonos en algunos ejemplos de catedrales que consideramos fundamentales. 1. GÓTICO TEMPRANO (Preclásico) En Francia, durante la primera mitad del siglo XII, la bóveda de crucería apareció esporádicamente en cierto número de iglesias. Sin embargo, la fase que iba a conducir a la construcción de las grandes catedrales francesas comenzó en 1137, con motivo de la construcción de la girola de la iglesia abacial de Saint-Denis, promovida por el abad Suger. En el deambulatorio de Saint-Denis, las finas columnas que sustentan las bóvedas de crucería y la ausencia de muros divisorios entre las distintas capillas radiales, proporcionó un nuevo sentido de espacio continuo, fluido, que anticipaba las creaciones posteriores. Saint-Denis fue el modelo para la primera de las grandes catedrales, Notre Dame de París (comenzada en 1163), así como para un periodo de experimentación orientado a la desmaterialización del muro por medio de la apertura de grandes ventanales traslúcidos. El añadido de un cuarto piso en los alzados interiores incrementó la altura de forma vertiginosa. Este piso adicional, denominado triforio, consiste en un estrecho pasadizo con arquerías situado entre la tribuna que se halla sobre las naves laterales y el nivel de los ventanales superiores (claristorio). Las catedrales francesas de Laon y Noyon también corresponden a esta primera etapa. 2. GÓTICO CLÁSICO FRANCÉS La fase experimental del gótico temprano se resolvió finalmente en la catedral de Chartres (comenzada en 1194). Eliminando la tribuna del segundo piso heredada del románico, pero manteniendo el triforio, recupera la sección longitudinal de tres pisos o niveles. En su defecto se gana altura a través de un amplio claristorio o piso de ventanales, nivel de las arquerías, que proporciona una luz casi vertical. La catedral de Chartres sirvió de modelo para las siguientes catedrales góticas. Este periodo del gótico clásico culminó en la catedral de Reims (comenzada en 1210). Con sus equilibradas proporciones, Reims representa el momento clásico de serenidad y reposo en la evolución de las catedrales góticas. La tracería calada, característica de la arquitectura gótica 5

6 tardía, fue utilizada por el primer arquitecto de Reims. En las placas primitivas de tracería, como en los ventanales de Chartres, el muro de mampostería esta perforado por una serie de aberturas. Por el contrario, en la tracería calada cada ventana se subdivide en dos o más arcos apuntados por medio de finas columnillas de piedra llamadas parteluces, y en la parte superior aparece un diseño que produce el efecto de un recortable. En torno a 1220, la nave de la catedral de Amiens retomó el sentido clásico y ascensional de Chartres y Reims, enfatizando la verticalidad y la estilización de los pilares. De este modo, Amiens supuso una transición hacia la más elevada de las catedrales góticas francesas, la catedral de Beauvais. En ella aparece un gigantesco piso de arquerías (derivado de Bourges) bajo un piso de ventanales del mismo tamaño, que permite alcanzar la altura sin precedentes de 48 metros. 3. GÓTICO RADIANTE La catedral de Beauvais se comenzó en 1225, un año antes de que Luis IX de Francia ascendiese al trono. Durante su largo reinado, de 1226 a 1270, la arquitectura gótica entró en una nueva fase denominada radiante o rayonnant. El término rayonnant deriva de los elementos radiales, como los de una rueda, que conforman los enormes rosetones característicos de este estilo. La altura dejó de ser el principal objetivo, y en su lugar se extremó la desmaterialización del muro reduciendo el espesor de la mampostería, extendiendo los ventanales y reemplazando el muro exterior del triforio por vanos de tracería. Los muros de este periodo radiante asumieron el carácter de membranas traslúcidas. Todas estas características del gótico radiante fueron incorporadas en la primera empresa importante llevada a cabo durante esta nueva fase, la reconstrucción (comenzada en 1232) de la iglesia abacial de Saint-Denis. Sin embargo, el espíritu rayonnant está mejor representado por la Sainte-Chapelle, la espaciosa capilla palatina construida para Luis IX entre 1242 y 1248, en la Île-de-la-Cité, en el centro de París. Los inmensos ventanales, que se elevan casi desde el nivel del suelo hasta el arranque de las bóvedas, ocupan la totalidad del espacio entre los haces de columnas, transformando de este modo la capilla en una robusta armadura pétrea recubierta por superficies acristaladas por donde se filtra la luz a través de vidrieras multicolores. 4. GÓTICO FLAMÍGERO La última fase de la arquitectura gótica francesa recibió el nombre de gótico flamígero o flamboyant, nombre derivado de los paralelismos entre los motivos de la intrincada tracería curvilínea y la forma de las llamas. La profusa decoración del estilo flamígero se localiza generalmente alrededor de los vanos exteriores. El interior de las iglesias emprendió un proceso de simplificación basado en la eliminación de obstáculos visuales, como los capiteles sobre soportes verticales. El interés estructural se concentró en las bóvedas, cuyos nervios, terceletes y ligaduras conformaban una tupida red de complicados diseños. El auge de la arquitectura flamígera se produjo entre el final del siglo XV y el primer tercio del siglo XVI. La arquitectura gótica en el resto de Europa. En ALEMANIA (que entonces formaba parte del Sacro Imperio Romano Germánico junto a otros territorios de Europa central). Fue la primera que recibió las influencias de la arquitectura gótica francesa. De hecho, la acusada verticalidad del románico alemán favoreció la adopción del nuevo lenguaje gótico. Las primeras catedrales copian literalmente los modelos franceses, sin embargo, aporta la novedad de la Planta de salón con naves de igual altura, y la construcción de chapiteles calados e incluso una sola torre-campanario en la fachada. Serán obras compactas con un gran sentido de la masa externa, donde la verticalidad se acentúa sobre todo con estos chapiteles o agujas calados. Ejemplos: Friburgo, Estrasburgo, Ulm, Colonia, Marburgo, etc. En ITALIA, la influencia de la tradición clásica le impide aceptar el gótico en toda su pureza. Lo conciben como una arte bárbaro opuesto a los sistemas constructivos legados por Roma. Sus edificios religiosos tienen mucho de románicos, con pocos vanos, sin arbotantes, arcos de medio punto o ligeramente apuntados, horizontalidad (sólo rota por las torrescampanario). Además, se distinguen por el uso de la policromía y fachadas que suelen ocultar la 6

7 estructura interna del edificio. El gótico italiano penetra a través de la reforma cisterciense y las obras que mejor representan estas características son las catedrales de Siena y Orvieto. Junto a ellas, la catedral de Santa María dei Fiore y la iglesia de la Santa Cruz en Florencia. También se desarrollará ampliamente el gótico civil, con diferencia entre el modelo constructivo toscano muy austero como la Signoría de Florencia y Siena, y el modelo veneciano mucho más ornamental y lujoso como el Palacio del Dux. El edificio que mejor representa el gótico, con reminiscencia flamígera es Il Duomo de Milan, un enorme salón de cinco naves, que mezcla elementos clásicos y góticos muy ornamentales. En GRAN BRETAÑA, la influencia de la arquitectura gótica francesa tan sólo se manifiesta en dos ocasiones, una en torno a 1170 con la ampliación oriental de la catedral de Canterbury y otra, a mediados del siglo XIII, en la abadía de Westminster (comenzada en 1245), basada en el esquema general de Reims. Por lo demás, los arquitectos ingleses desarrollaron su propio lenguaje gótico que enfatizó la longitud y la horizontalidad. La girola poligonal o semicircular francesa se sustituyó por una cabecera cuadrada, prolongada en ocasiones por una rectangular Lady chapel o capilla de la Virgen. Este acusado alargamiento de la planta, a menudo determinó el uso de dos transeptos y la multiplicación de nervios en las bóvedas, algunos de los cuales fueron puramente ornamentales. El primer gótico inglés (Early style) está representado por la catedral de Salisbury La introducción de tracería calada en la abadía de Westminster produjo una espectacular evolución de estos elementos. El periodo decorativo siguiente (Decorated style), con su profusa ornamentación, cuenta con ejemplos como el coro de la catedral de Lincoln y el crucero de la catedral de Wells, entre otros. Por último citamos el estilo perpendicular, que triunfa en el siglo XV, caracterizado por el predominio de molduras verticales en muros y tracerías de ventanas, mientras que en los interiores sobresalen las bóvedas de abanico (ej: Kings Collage, Londres). La PENÍNSULA IBÉRICA se encuentra dividida en diversos reinos, entre los que destacan los de Castilla y León, Aragón, Navarra y Portugal, y los reinos islámicos, que en el siglo XIII se reducen al reino de Granada. El siglo XIII será esencialmente castellano, porque las principales catedrales construidas se realizarán aquí. Sin embargo, el siglo XIV es levantino, y sobre todo catalán, dado que en este momento será en este estado donde se construyan las principales catedrales siguiendo unos parámetros diferentes al siglo anterior. La evolución de la arquitectura gótica en la península la podemos dividir en varias fases: Fase Protogótica, donde se perfilan las bases del estilo derivadas del arte cisterciense. Entre los edificios destacados: Monasterio de Poblet, las Huelgas o Santa Creus. Fase Clásica (Modelo Castellano-Leonés): Los templos castellano-leoneses serán eminentemente franceses. Las grandes catedrales como Reims, Amiens o Beauvais, serán coetáneas de las que se construyan en Castilla-León, y aquí se mantendrá el estilo constructivo francés con planta de cruz latina atenuada, 3 naves, profusa decoración, verticalidad, etc. La introducción del Gótico se debe a las estrechas relaciones mantenidas con Francia por el rey de Castilla Fernando III el Santo. Destacan la catedral de Burgos (muy relacionada con la de Bourges), la de León (que sigue el modelo de Amiens) y la de Toledo (la más española en sus elementos). Fase Manierista (El Modelo Levantino): Se desarrolla el Gótico mediterráneo: técnicamente utiliza los mismos elementos estructurales (bóveda de crucería y arcos ojivales), pero, en cambio, tiene una diferente concepción del espacio y del volumen (de clara influencia por el Císter). Son iglesias de mayor austeridad, siguiendo el lenguaje cisterciense, con superficies lisas, escasa decoración escultórica, fachadas simples (donde predomina el muro), mayor valor de los elementos geométricos. Gustan más de la horizontalidad, dado que son catedrales alargadas sin predominio de la vertical. A diferencia de Castilla-León, las naves laterales y central son casi de la misma altura. Por esto, no son necesarios los arbotantes y hay pocos pináculos. Esto obliga a que los contrafuertes estén reforzados y el espacio que hay entre los mismos se aprovecha para construir capillas laterales. Los Templos cumplen las siguientes características generales: planta de salón con 3 naves, o bien, nave única; carecen 7

8 de cimborrio; el crucero casi no se señala en planta; el triforio casi no existe; se cubren con bóvedas de crucería sencillas; abundan los rosetones, pero los vanos son pequeños y esbeltos lo que limita la iluminación (quizá por la luz mediterránea). Ejemplos: Santa María del Mar, Catedral de Barcelona; Catedral de Gerona; Catedral de Mallorca, etc. Fase Barroca, iniciada en el siglo XV. Lo más característico es la creación del estilo hispanoflamenco, donde se funden las formas hispánicas impregnadas de mudejarismo, con las procedentes de Flandes (flamígeras). También ha recibido el nombre de estilo isabelino. Es fundamental la belleza decorativa, la variedad y el barroquismo ornamental. Ej: catedral de Sevilla. ESCULTURA GÓTICA La escultura gótica, desarrollada fundamental aunque no únicamente en el marco de la catedral, es el vehículo esencial mediante el cual se expresa el cambio de pensamiento del hombre gótico y su espiritualidad. El naturalismo, una de sus notas más características, ha permitido que hoy en día valoremos la escultura gótica como un renacimiento en el mundo medieval, que en ocasiones se nutrirá de formas de la antigüedad clásica, rompiendo así con la concepción del arte medieval como un paréntesis entre la Antigüedad y el Renacimiento. Características generales a) El naturalismo es el rasgo más característico del gótico y el que más le diferencia del románico. El románico era un estilo con contenido simbólico que no buscaba la belleza de las formas; por el contrario, el gótico se inspira en la realidad y busca la belleza ideal. Este naturalismo idealizado responde a una nueva mentalidad religiosa que considera la belleza de la naturaleza una manifestación de la grandeza de Dios. - Las figuras se humanizan: los cuerpos adquieren volumen y movimiento, se hacen esbeltos, reales y proporcionados desapareciendo las estilizaciones y deformaciones del románico; los rostros se individualizan y se adecuan a los sentimientos expresados en muchos casos son retratos claramente caracterizados-; los pliegues caen de forma natural; los personajes se comunican entre sí: se miran y se sonríen entablando un diálogo (sacra conversatione). - En la composición desaparece el frontalismo y se prefiere un suave contraposto. Empieza una cierta preocupación por la profundidad. En la etapa final del gótico (S. XV) se impone el realismo el artista intentará captar con todo detalle la realidad- primero en la escultura y después en la pintura, como consecuencia del auge de la burguesía que va unido a una secularización mayor de la cultura y a un gusto por representar el ambiente que le rodea. b) La temática sufre variaciones y se amplia El gótico repite temas y simbolismos del románico como el Cristo en Majestad (Pantócrator 1 ) o el Juicio Final, pero cambia la apariencia e incorpora nuevos temas religiosos: escenas de los Evangelios, la vida de los santos y los temas marianos 2. Además aparecen temas profanos, inexistentes en el románico, como son los retratos o las escenas de la vida diaria; en los temas religiosos se introducen, de forma creciente, elementos profanos al ambientar las escenas dentro del ámbito cotidiano cercano al artista. La mujer adquiere protagonismo, deja de ser el símbolo del pecado y se convierte en fuente de inspiración. Es frecuente encontrar a la Virgen en el parteluz. 1 El Pantocrátor: representación de Cristo en Majestad, bendiciendo con una mano y portando en la otra un libro sagrado o la bola del mundo, metido dentro de la mandorla o almendra mística y rodeado del Tetramorfos, representación de los cuatro evangelistas o sus símbolos. 2 Marianos: el culto a la Virgen, como mediadora entre Dios y los hombres, se desarrolla mucho por influencia de san Bernardo de Claraval. 8

9 Los temas religiosos se humanizan representando los sentimientos, especialmente el dolor y el amor maternal. Así, el Cristo en Majestad, muestra las llagas, sufre como los hombres y ahora aparece rodeado de la Virgen y San Juan o de santos que portan los instrumentos de la Pasión. La Virgen con el niño aparece representada como una joven bella y una madre amorosa y sonriente que juguetea con el niño y le ofrece una flor o una fruta 3. El Crucificado, se representa con tres clavos, la corona de rey se ha sustituido por la de espinas, la falda se acorta, su cuerpo no es rígido y da muestras de sufrimiento. c) La finalidad es didáctica. Al igual que en el románico la finalidad es enseñar a los fieles, la mayoría analfabetos, la doctrina cristiana. El hombre para salvarse debe imitar la vida de Cristo y de los santos que se ofrecen como modelo. Pero, la imagen de Dios ya no es terrible e implacable para infundir terror, como en el románico, sino amable y paternal, un Dios de amor cercano a los hombres. Tipología de la escultura gótica La escultura gótica sigue todavía muy ligada a la arquitectura contribuyendo a crear una atmósfera general en el templo; pero junto a la escultura monumental, se desarrollan nuevos tipos en el interior de las iglesias: retablos, sepulcros, sillerías de coro o púlpitos. También alcanza gran desarrollo la escultura exenta. a) La escultura monumental, subordinada a la arquitectura, se va liberando progresivamente del marco adquiriendo volumen y llegando a ser exenta. Las portadas siguen concentrando la mayoría de las obras siguiendo, en general, el modelo de organización del románico (ver pág. 7 del arte románico) y su carácter didáctico, aunque se amplía la temática. En el tímpano 4, dividido en fajas horizontales, se sigue representado el Juicio Final y el Pantocrátor, más humanizado que en el románico, mostrando las llagas de la pasión; también aparecen escenas de la vida de la Virgen, como la Asunción o la Coronación, con gran sentido narrativo. En las jambas 5 se colocan estatuas de santos y profetas. En las arquivoltas 6, ángeles, santos y ancianos del Apocalipsis dispuestos en la misma dirección del arco (en el románico se disponían en sentido radial). En el parteluz 7 suele ir la Virgen o un santo. La escultura de los capiteles pierde importancia al sustituirse los motivos figurativos por fajas de decoración continua o vegetales. La actividad escultórica se amplía a otras partes del templo: - El exterior se van llenando progresivamente de decoración. Las fachadas, las torres, los pináculos, los cimborrios, etc. se decoran profusamente combinándose la decoración geométrica, vegetal y la figurada. - En el interior de los templos: Aparecen los retablos que, aunque son principalmente pictóricos, también los hay esculpidos o combinando esculturas y pinturas. Se realizan en piedra o madera policromada. La escultura funeraria adquiere gran desarrollo como signo de prestigio socialen las etapas finales del gótico. Muchos miembros de la nobleza y la jerarquía eclesiástica desean enterrarse en las catedrales, iglesias o monasterios con su propia imagen sobre el sepulcro. La tipología de los sepulcros es muy variada adosados a la pared o exentos-. Generalmente se representa al difunto, muerto o vivo, yacente, orando o leyendo. Las sillerías de los coros y los púlpitos. 3 La Virgen románica es una imagen impasible que aparece representada como el trono de Dios. 4 Tímpano: espacio semicircular o triangular situado sobre el dintel en una portada. Suele tener decoración esculpida. Aparece en las portadas de las iglesias y en los frontones de los templos clásicos. 5 Jambas: partes verticales que enmarcan una puerta o vano. 6 Arquivoltas: arcos abocinados que forman una portada. Suelen arrancar de una jamba y terminar en otra. 7 Parteluz: columna que divide en dos un vano. Se llama también mainel. 9

10 b) La escultura exenta o en bulto redondo. Presenta casi las mismas imágenes de devoción que el románico: - La Virgen con el niño, representada como una joven bella, dulce y sonriente, que sostiene amorosamente al niño en brazos. Es una Virgen-madre (no la Virgen-trono del románico). El niño le suele ofrecer una fruta o una flor y ella lo acaricia tiernamente; entre ellos se establece un diálogo. - El Crucificado, de tres clavos, representado como un Dios-hombre que sufre. - Los grupos de la Piedad. Se realiza en piedra, madera policromada, marfil o metal. La escultura gótica europea La escultura gótica experimenta una evolución a lo largo de los tres siglos de su desarrollo. Al igual que en la arquitectura, en un primer momento se imponen los modelos franceses en toda Europa pero después cada país o región creará su versiones propias. También aquí hay que excluir a Italia donde prevalece una fuerte influencia clásica. Transición entre el románico y el gótico a finales del S. XII. Un ejemplo es el Pórtico Real de Chartres, de 1150, con alargadas y esbeltas estatuas-columnas en las jambas. Gótico clásico (S. XIII), caracterizado por el naturalismo idealizado y sereno. Destacan los talleres de las catedrales francesas de Chartres, Reims y Amiens. Las portadas de la catedral de Chartres sirven de modelo a otras catedrales europeas. En la del transepto norte se representa la coronación, muerte y asunción de la Virgen y en la del transepto sur, el Juicio Final. En la portada principal de la catedral de Reims trabajan varios maestros. En la jamba derecha, el escultor de la Visitación muestra influencia clásica; al lado, la Anunciación, con un ángel sonriente, y una tímida Virgen en la que se deja ver la forma del cuerpo bajo abundantes ropajes. Son esculturas de bulto redondo, ya independientes del marco arquitectónico. Las portadas de la catedral de Amiens son de gran belleza. En el parteluz de la portada principal está el Beau-Dieu, una imagen de Cristo bendiciendo. En Alemania, la escultura gótica se inicia con influencia francesa pero evoluciona hacia un estilo original de gran expresividad, como se observa en los retratos del conde Ekkhard y su esposa Uta en la catedral de Naumburgo o en Las Vírgenes Necias de la catedral de Magdeburgo. La mejor escultura gótica alemana de este siglo es el famoso Caballero de la catedral de Bamberg, un retrato ecuestre de un rey no identificado. La serenidad de su rostro refleja la influencia francesa. Gótico manierista (S. XIV). El naturalismo idealizado se vuelve más elegante: las figuras se alargan y se curvan graciosamente, especialmente los pliegues son muy sinuosos. Se introduce lo anecdótico y se acentúan los sentimientos. Adquieren gran importancia las imágenes exentas de Vírgenes Bellas, talladas en marfil o piedra policromada, y los sepulcros. Realismo expresionista (2ª mitad del S. XIV y S. XV). La escultura se vuelve muy realista los rostros son auténticos retratos-, las figuras son más voluminosas y el sentimiento se inclina hacia lo patético. El foco principal está en la corte de los Duques de Borgoña donde trabaja un importante escultor flamenco, Claus Sluter. En la Cartuja de Champol en Dijon realiza el Pozo de Moisés, el basamento de un inacabado calvario, con monumentales profetas de acusado realismo y gran fuerza expresiva en sus rostros patéticos y angustiados y 10

11 paños de pliegues angulosos para conseguir volumen. En el sepulcro de Felipe el Atrevido aparecen monjes dolientes encapuchados (el tema del encapuchado alcanzará gran difusión). La influencia de Claus Sluter se deja sentir en toda Europa. En Italia, la escultura sigue una trayectoria propia al pervivir la influencia clásica. En Pisa trabaja la familia de Los Pisano. En el S. XIII, Nicola Pisano talla en mármol el Púlpito del baptisterio de la catedral de Pisa, de forma hexagonal, sobre columnas apoyadas en leones. Sus relieves con escenas de la vida Cristo son de gran clasicismo solemnidad y grandeza-por influencia de los sarcófagos romanos. Es el principal precursor del Renacimiento. Su hijo, Giovanni Pisano realiza el Púlpito de la catedral de Pisa, en el que hay mayor dramatismo y angustia frente a la serenidad de su padre. En el S. XIV, Andrea Pisano ejecuta en bronce la puerta sur del baptisterio de la catedral de Florencia con escenas en medallones cuadrilobulados que anticipan el Renacimiento. VIDRIERAS Si el gótico es verticalidad y luz como imagen de Dios, la vidriera cumple una función esencial en este arte. La vidriera (muro translúcido) contribuye a la configuración del espacio interior, al que disminuye la entrada de luz pero al mismo tiempo lo llena de bella policromía, disolviendo y creando formas. Técnicamente viene a ser un mosaico de vidrios de colores engarzados por una red de plomo o emplomado. Se usan coloraciones muy definidas y vidrios de gran transparencia. Como conocen que existen colores que irradian luz (el rojo y el amarillo) y otros que la absorben (el verde y el azul), buscarán establecer un equilibrio. Para obtener tonos, dan mayor o menor grosor a lo vidrios. El espacio normalmente destinado a la vidriera es el ventanal alancetado, por lo que los temas se verán muy condicionados por la verticalidad del marco. En un primer momento las escenas se distribuían en medallones. En fases mas avanzadas se llegan a simular elementos arquitectónicos. Los temas se extraían del Antiguo y Nuevo Testamento. La creación mas espectacular de la vidriera gótica es el rosetón. Normalmente en la fachada occidental se representa el Juicio Final, y en los brazos del crucero a Cristo o la Virgen, siempre acompañados de abundante iconografía de marcado carácter simbólico. PINTURA GÓTICA Rasgos generales. 1. La pintura mural (al fresco) decayó durante el gótico -en relación al románico-(una excepción la constituyó Italia); debido al menor espacio que ocupa el muro en los edificios góticos, que fueron sustituidos por grandes cristaleras policromadas: las vidrieras (en las cuales sobre un boceto previo del pintor se colocaban centenares de piezas diminutas de vidrio policromado unidas por varillas de plomo. En general el artista pinta con vidrio, dejando para el dibujo-pintura los detalles: cabellos, ojos, etc.) 2. La miniatura sobre libros. Los manuscritos se escribían en los scriptoria de los monasterios, pasando luego a los ambientes cortesanos y talleres urbanos. Las miniaturas que decoran estos manuscritos aparecen en: códices-libros manuscritos de cierta antigüedad-, biblias, apocalipsis y salterios o libros de horas. La decoración es bien sencilla: los marcos o márgenes presentan elementos vegetales (hojas o flores de color de oro) las iniciales del texto son de mayor tamaño, que está escrito con caligrafía preciosista, las figuras muestran una gran nitidez de color. 11

12 3. La pintura de caballete 8 adquirió un gran desarrollo. Se trata de una pintura exenta, realizada sobre cuadros. El florecimiento de la pintura de caballete propició la erección de multitud de retablos. 4. En cuanto a las técnicas pictóricas resaltan las siguientes: El temple. Es una técnica que utiliza como aglutinante el huevo: permite definir las formas de manera más minuciosa y dar viveza y brillantez a los colores. El óleo. Se trata de una técnica que se difundió a partir del siglo XV y que fue empleada por los pintores flamencos de esta época. El aglutinante en la técnica al óleo es el aceite (de linaza -semilla del lino- y de nueces). El óleo permite retocar la obra, ya que tarda en secar más que otros procedimientos, al tiempo que con él se logra una gran minuciosidad y detallismo, así como colores transparentes (aunque se va oscureciendo a medida que pasa el tiempo). 5. Se aprecia una tendencia hacia un mayor naturalismo, al igual que en al escultura. El naturalismo, entendido como un deseo de acercamiento del hombre a Dios, lleva a analizar la naturaleza en sus más mínimos detalles; lo cual dio a la pintura gótica un particular sello narrativo, que trajo consigo una mayor precisión analítica, desembocando en el realismo del siglo XV, conseguido en la pintura flamenca. 6. El dibujo. Partiendo de los esquemas románicos la línea se convierte en un elemento esencial de la pintura gótica en sus inicios (Gótico Lineal). Sin embargo el dibujo en el gótico no se limitó a las formas expresivas sino que adquirió un valor decorativo, ganando en soltura y movimiento (Gótico Internacional). 7. El color. No se puede desvincular del dibujo en la pintura gótica. La pintura gótica es esencialmente colorista -ya desde sus inicios: vidrieras, miniaturas...- Desde un punto de vista técnico se evoluciona desde la utilización de colores puros, planos, característicos de la primera etapa hasta los que consiguen matizar las diversas tonalidades, dando cierta sensación de modelado ( Trecento ). 8. La luz, concebida como iluminación natural no apareció hasta etapas avanzadas. Persistieron durante mucho tiempo los fondos dorados que responden a un significado simbólico de la luz (identificación con Dios, con lo bello, etc.) La luz en sentido natural que concede valores tonales y efectos de luces y sombras -en íntima conexión con el color (y la idea de espacio) se consiguió a partir del Trecento y con la pintura flamenca. 9. El espacio. Se pasó de pinturas completamente planas como las del gótico lineal a un intento de búsqueda de la representación espacial a través de pseudo-perspectivas (basadas en la yuxtaposición de diversos puntos de vista y con puntos de fuga que se sitúan fuera del cuadro, lo cual produce errores como la representación se suelos y techos inclinados) propias del Trecento, abriendo un camino que desembocará en la consecución plena de la perspectiva durante el Renacimiento. Además la captación del espacio se dirigió a expresar el aspecto volumétrico de las figuras (ligado a la luz) que se aprecia en el Trecento y la pintura flamenca. 10. Temática. Todavía los temas preferentes de la pintura gótica son los religiosos, pero el abanico temático se abrió a campos nuevos: paisajes, personajes y ambientes burgueses, representaciones simbólicas, etc (Ej: pintura flamenca). Manifestaciones artísticas de la pintura gótica en Europa. o Los primitivos italianos. Los pintores del Trecento. Durante el siglo XIV ( Trecento ) el centro de atención de la pintura gótica se desplaza desde Francia a Italia. En la pintura italiana del Trecento se distinguen dos escuelas pictóricas: la de Siena y la de Florencia. Rasgos generales: 8 Armazón de madera donde los pintores colocan sus cuadros 12

13 Inspiración en la religiosidad franciscana, que impulsa una búsqueda del naturalismo y la expresión de sentimientos (a través de un interés creciente por las actitudes y los gestos en las figuras). Nuevas aportaciones: preocupación por el espacio, que desemboca en el empleo de un tipo especial de perspectiva, con varios puntos de fuga que están fuera del cuadro. También se dio un interés por la figura, cuya anatomía realista empezó a valorarse con el consiguiente estudio del volumen. Se abandonan poco a poco los fondos dorados, que quedan reducidos a los nimbos o la decoración de las vestiduras. Se inició, por otro lado la búsqueda de la luz natural, con la cual se intentó modelar las figuras junto a los colores, que dejan de ser planos para buscar las graduaciones cromáticas (tonales). A) Escuela de Florencia. Rasgos: arte duro, sentido volumétrico (a través del color y la luz), teatralidad (por el intento de introducir la perspectiva, encuadres arquitectónicos), contenido dramático en ocasiones. Entre sus más destacados pintores estuvo: a) Giotto ( ) Gran maestro de la escuela florentina y máximo representante del Trecento italiano. Creador de un nuevo lenguaje artístico que anticipa al del Renacimiento. Rasgos: Preocupación por el espacio, vertida no solo en las figuras sino en los encuadres arquitectónicos de carácter escenográficos. En ellos emplea perspectivas con diferentes puntos de vista, anunciando la consecución plena de la perspectiva durante el Renacimiento. Las figuras son tratadas con un carácter volumétrico, (mayor naturalismo) ofrecen un aspecto más bien macizo (bajas y anchas), presentando rostros ovoides y ojos rasgados, propios de la pintura del Trecento. Sentido eminentemente expresivo, a través del estudio de las actitudes y gestos -e incluso miradas- de los personajes, llegando a la plasmación de los sentimientos, hasta de los de contenido más dramático. Importancia de los elementos paisajísticos, los cuales integra en sus obras como un componente más de estos: montañas, árboles, etc. Sin embargo el paisaje aparece empequeñecido ante la mayor transcendencia que se le da a las figuras, las cuales ocupan un lugar principal en la composición. Obras: Frescos de la Iglesia Alta de Asís. (San Francisco dando la capa a un pobre. La muerte de San Francisco). Fresco de la Capilla della Arena en Padua, con episodios de la vida de Cristo (Adoración de los Reyes) y de la Virgen y del juicio Universal, donde resalta el tema la lamentación sobre Cristo muerto, donde los sentimientos y gestos de dolor ante la muerte de Cristo son de gran intensidad. El prendimiento de Jesús de los frescos de la Capilla Scovegni, de Padua. Giotto otorgó un excelente sentido de movimiento y dramatismo a la escena, que se acentúa por la disposición de las lanzas. Resaltar asimismo el volumen de las figuras (remarcado por la figura de espaldas). Virgen en el trono (Madonna), del Museo de los Ufizzi de Florencia. Esta obra conserva todavía ciertos aspectos bizantinos como el fondo dorado, que contrasta con el naturalismo y el sentido de volumen de las figuras. Frescos de la Iglesia de la Santa Cruz (Capillas Bardi y Peruzzi). B) Escuela de Siena. Rasgos: 13

14 Sin olvidar los avances técnicos representa un arte más amable, suave, en el que se valora la belleza de líneas y la combinación de colores más suaves (y con un sentido principalmente decorativo). Es una pintura idealizada y con preferencia por los temas marianos (sobre la Virgen María). La conjunción de elementos bizantinos (fondos dorados, isocefalia, etc.), con otros provenientes de la pintura de Giotto (naturalismo, sensación de volumen, gusto por el paisaje, etc.). Pintores más significativos: a) Duccio di Bounosegna (muerto en 1319). Obras: La Maestá (La Majestad) ( ) de la catedral de Siena. Es una pintura sobre tabla. En una de sus caras se representa a la Virgen (Madonna) como reina de los cielos rodeada de ángeles y santos. Resaltar aquí el mayor tamaño de la Virgen en relación al resto de las figuras (jerarquización), la colocación de las cabezas a la misma altura (isocefalia) y los fondos dorados, como características bizantinas; frente al naturalismo en general que exhiben las figuras (observable en las caras, manos y en el tratamiento de los ropajes), en la línea que se estaba imponiendo en la pintura. b) Simone Martini (muerto en 1344). Estuvo menos influido que el anterior por los modelos bizantinos. Técnicamente por medio de un delicado dibujo creó figuras llenas de belleza y elegancia, con rostros ovalados y con unos diminutos ojos. Obras: La Anunciación de los Uffizi (1333), en donde destaca la belleza de los perfiles ondulantes de las figuras de la Virgen y del Ángel, así como el uso de los tonos dorados junto a otra gama de colores. o Los primitivos flamencos. Pintura flamenca. s. XV. Rasgos generales: Se trata de una pintura sobre tabla (de nogal o roble), que constaba con frecuencia de tres piezas o partes (trípticos) o de muchas piezas (polípticos). Tanto en trípticos y polípticos, las tablas laterales tienen bisagras y pueden abrirse y cerrarse. Además no suelen ser de gran tamaño. La técnica que se aplicó fue la del óleo, que aunque se conocía fue perfeccionada por los hermanos Van Eyck, que fabricaron una sustancia a base de aceites de linaza y nueces, a la que se añadía un secativo para que secara más rápidamente y ganara fluidez. Otra característica del óleo es la de aplicarse por medio de capas sucesivas hasta obtener la pintura final (sistema de veladuras: como si fueran velos que se superponen unos o otros). La transparencia del óleo permite captar efectos como la profundidad, la atmósfera, la luz, etc. Frecuentemente los pintores flamencos usaron tonos grises en sus cuadros (grisalla), lo cual proporciona a la composición un tono escultórico. Por lo referente a la temática, los asuntos religiosos ocuparon un lugar destacado, pero dejaron paso a otros como escenas de la vida cotidiana (viviendas de la burguesía, incluyendo temas religiosos que se conciben como escenas burguesas) conforme al gusto burgués, el paisaje (en artistas como Patinir o Brueghel) e incluso escenas de contenido simbólico o fantástico ( El Bosco ). El naturalismo. Los pintores flamencos se inclinaron por representar fielmente a la realidad, captando hasta los más mínimos detalles. Se buscó incluso la captación psicológica de los personajes, que se plasmó en los retratos. La minuciosidad y el detallismo en la plasmación de las calidades de los objetos recreándose los pintores en su reproducción- y en cada una de las partes de la figura humana (cabellos, arrugas...) 14

15 Interés por la luz, que permite matizar los colores.; así como por la captación del espacio que les lleva a buscar el sentido volumétrico de los objetos y la ilusión de la perspectiva (en interiores, paisajes...) El gusto por el paisaje: campos llenos de esplendor, ríos, montañas, el cielo, poblados con sus gentes... ocuparon un sitio destacado en los cuadros flamencos, que tienden asimismo a colocar muy alta al línea del horizonte, con lo cual se dio un mayor efecto de perspectiva y profundidad. Pintores y obras más representativos. a) Los hermanos Van Eyck (Jan y Hubert). - La Adoración del Cordero Místico, para la iglesia de San Bavón de Gante. Es un políptico y fue una obra de ambos. Muestra diferentes escenas si el políptico se contempla abierto o cerrado. Cuando está cerrado, el políptico presenta en la parte superior a la Anunciación, y en la inferior a San Juan Bautista, San Juan Evangelista y los retratos de los donantes, el regidor Joos Víjd y su esposa. Abierto está compuesto de doce tablas. En la parte superior se presenta a tres figuras a modo de la déesis bizantina: Cristo en majestad, la Virgen y San Juan Bautista; en los extremos a Adán y Eva y los ángeles músicos y cantores. En la inferior, la tabla central exhibe la adoración del cordero místico, situado encima de un altar, rodeado por ángeles que portan los símbolos de la pasión de Cristo y coronado por el Espíritu Santo. Los fieles, los santos, los patriarcas, los apóstoles... están dispuestos en grupos de cuatro, que se dirigen a realizar la adoración al cordero. Los laterales de la izquierda presentan a los caballeros de Cristo y a los jueces, mientras a la derecha a ermitaños y peregrinos. Resalta el sentido de perspectiva y la profundidad, que se resalta por los rayos luminosos que salen del Espíritu Santo y la alta línea del horizonte, así como por la gradación de tamaño (lo más pequeño lejos; y lo más grande cerca). Además se pueden apreciar en él todos los rasgos ya descritos: minuciosidad y detallismo, naturalismo, gusto por el paisaje, etc. *Jan Van Eyc. destacó también por sus magníficos retratos: - El hombre del turbante. - Cuadros en los que aparece la Virgen junto a la figura que dona el cuadro (donante): - Virgen del canciller Rollin. - Virgen del canónigo Van der Paele. Los donantes retratados aparecen arrodillados, de perfil y al mismo tamaño que las figuras sagradas. Resalta el tratamiento de las calidades de las pieles de los personajes y el desarrollo del paisaje (al fondo). - Retrato del matrimonio Arnolfini. El tema de este cuadro es la representación del matrimonio, en el que la fidelidad conyugal está marcada por la unión de las manos de los esposos, el perro... En esta obra el artista conjugó todos los rasgos de la pintura flamenca: el naturalismo y realismo de las figuras, la minuciosidad y el detallismo en la plasmación de objetos (lámpara, zapatillas, perro, vestidos, etc.) y en los rostros de los personajes (retratos). Igualmente hay una preocupación por la profundidad, que se acentúa por el espejo del fondo de la escena, donde queda reflejada la escena. b) Roger Van der Weyden (muerto en 1464). Entre sus características está la preocupación por transmitir sensaciones como las de dolor y sufrimiento. En sus composiciones alterna las líneas diagonales con las verticales para plasmar cierto sentido de movimiento, de lo que es buena muestra el cuadro: - El Descendimiento (Museo del Prado). Hay que indicar la sensación de movimiento, que se quiere transmitir por medio de la disposición diagonal de las figuras de Cristo y de la Virgen, así como de la inclinación de 15

16 los personajes de las esquinas (San Juan y María Magdalena). Por otro lado resalta la viveza e intensidad de los colores como el rojo de los ropajes de San Juan Bautista o el azul de los de la Virgen. Los rostros que contemplan la escena del descendimiento de Cristo de la cruz traslucen el dolor intenso que sienten por su muerte. Lo más sorprendente de esta obra es la organización del grupo: la figura de Cristo está en contacto con los otros diez miembros de la escena, José de Arimatea, sujeta los hombros de Cristo; el muchacho de la escalera, sujeta el brazo izquierdo; Nicodemo coge entre sus manos las piernas y Magdalena va a ungir con sus lágrimas los pies de Cristo. El grupo de la derecha, determinado por la figura de la Virgen (sostenida por San Juan y una de las Marías), en paralelo con su hijo, muy cercanas ambas manos, y el brazo caído tocando casi el cráneo del suelo, el cráneo de Adán, símbolo de la humanidad, reforzando el papel de María como intermediaria entre el Redentor y el género humano. Los tipos de Van der Weyden son más finos y estilizados que los de Van Eyck, además este artista tendió a disponer las caras de forma oval. c) Hugo Van der Goes. Resalta en su obra la caracterización de lo individual, llegando incluso a un gran realismo. Obras: - Tabla de la Adoración de los Pastores (Triptico Portiani, Galería de los Uffizi. Florencia). En esta obra se aprecia una gran habilidad en la composición, un gran conocimiento del espacio y de la luz. En los personajes se observa que siente un cierto cariño por los tipos humildes (los pastores), una melancolía profunda en los divinos y seriedad en los donantes. El gran sentido de realidad viene acentuado por elementos como el florero de Manises. d) Jerónimo Bosch van Aeken ( El Bosco ) (muerto en 1516). Fue el pintor de lo simbólico, de la fantasía. Sus composiciones pictóricas rebosan imaginación. Lo real y lo fantástico se entremezcla para traslucir un mensaje de sátira e ironía hacia la sociedad de su tiempo. Se sirvió de la deformación caricaturesca de las gestos de las personas para mostrar su crítica a las debilidades humanas. Por su tendencia al mundo de la fantasía, de lo onírico (sueños) del subconsciente, etc.; algunos estudiosos lo sitúan como un antecedente remoto del movimiento surrealista del siglo XX. En cuanto a sus características técnicas, resaltar que su colorido es muy variado, obteniendo tonos muy delicados y unos efectos luminosos de gran intensidad por la fusión de luz y color. Obras: - Tríptico del Jardín de las Delicias. (Museo del Prado). Tiene tres tablas: 1) La de la izquierda exhibe a Dios en el Paraíso que ha creado a Eva de la costilla de Adán y la presenta a éste, el cual muestra su sorpresa; todo ello en un ambiente de plantas extrañas (Ejemplo. Un drago es el árbol del bien y del mal, el de la fruta prohibida) y de una exótica y variada fauna (elefante, jirafa, animales fantásticos-unicornio-...). 2) En la central El Bosco muestra a infinidad de figuras que se deleitan en el goce de los más variados placeres terrenales, principalmente los de la carne. Estos goces se representa también con símbolos como las fresas y las frambuesas. 3) Mientras en la tercera (a la derecha) como contraste aparece una representación alegórica del Infierno con los más inverosímiles instrumentos de tortura, con figuras híbridas (cabezas de animales y cuerpo humano). Resalta, por ejemplo, una figura en forma de ave que devora a sus víctimas y las defeca en un pozo de excrementos y vómitos. En general el cuadro está repleto de multitud de representaciones simbólicas sobre los pecados de la carne y los castigos del Infierno. - El Carro de heno. (Museo del Prado) En un cuadro que se inspira en un proverbio flamenco, según el cual el mundo viene a ser como un carro de heno en el que cada uno toma lo que quiere. En esta obra aparecen reflejados los símbolos de los pecados (ira, gula, avaricia) y una crítica a los sectores sociales de su tiempo, desde los personajes importantes (reyes, obispos, etc.) hasta el populacho. - La rueda de los pecados capitales. (Museo del Prado). 16