UNIDAD 7: EL ARTE BARROCO

Transcripción

1 UNIDAD 7: EL ARTE BARROCO INTRODUCCIÓN: EL CONCEPTO DE BARROCO CONTEXTO HISTÓRICO DEL BARROCO. UN ARTE AL SERVICIO DEL PODER CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL ARTE BARROCO LA ESCULTURA BARROCA: BERNINI LA IMAGINERÍA ESPAÑOLA 6.1.EL CONTEXTO HISTÓRICO: LA ESPAÑA DEL BARROCO 6.2.CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA IMAGINERIA ESPAÑOLA 7. CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA PINTURA BARROCA 7.1. LA PINTURA BARROCA EN FLANDES Y HOLANDA: RUBENS Y REMBRANDT 7.2. LA PINTURA BARROCA ESPAÑOLA: RIBERA Y VELÁZQUEZ 1

2 1. INTRODUCCIÓN: EL CONCEPTO DE BARROCO Con el siglo XVI, Europa se adentra en una nueva etapa de grandes cambios económicos, políticos, religiosos, y como no artísticos: la Europa del Barroco. Una etapa en el que rompe definitivamente con el clasicismo del arte renacentista iniciado ya en el siglo XVI con el manierismo- y en el que se apuesta por un nuevo modelo de arte, un nuevo concepto de arte que será la muestra de los acontecimientos que tuvieron lugar entre los siglos XVII y XVIII. Es por ello que puede definirse el Barroco como el conjunto de manifestaciones artísticas desarrolladas en Europa durante los siglos XVII y XVIII. Un estilo italocéntrico al igual que el Renacimiento- que se difundió por Europa a lo largo de los siglos XVII y XVIII, convirtiendo a Francia en el segundo de los grandes países donde el Barroco tuvo una fuerte presencia. El arte barroco ocupa el siglo XVII y la primera mitad del XVIII. El siglo XVII es el barroco puro, mientras que la primera mitad del siglo XVIII es el llamado barroco tardío o rococó. La palabra Barroco deriva del portugués "barrueco", cuyo significado es artificioso, anormal, recargado, extravagante. Un concepto peyorativo acuñado en el siglo XIX para hacer referencia al arte desarrollado en Europa entre los siglos XVII y XVIII ya que consideraban un antítesis del arte renacentista. No será hasta el siglo XIX, cuando el Barroco sea considerado un estilo particular, con sus propias características, y con ello se pierda su concepción peyorativa. En el siglo XX experimenta una notable revalorización gracias a diversos tratadistas y ya no se considera un arte decadente, sino exuberante, lleno de creatividad. Es el arte de la exaltación de la forma, de gran fantasía, con tendencia a la exageración. España será uno de sus principales focos y hará aportaciones únicas al arte universal. El arte barroco es un reflejo de los cambios que se desarrollan en esta época. ES UN ARTE DE CRISIS. La Europa del Barroco es una etapa de crisis e inestabilidad política y económica. Un periodo de guerras, hambres, epidemias, cambios políticos aparición de las monarquías absolutas-, división del cristianismo con la Reforma protestante. Acontecimientos negativos que contrastan con la riqueza del arte Barroco. Y es que, como muchos especialistas señalan son precisamente en las etapas convulsas y de crisis donde siempre ha habido mayor producción artísticas, quizás debido a que el ingenio de los artístas se agudiza. Es por ello que podemos diferenciar tres tipos de barroco a partir de los dos grandes acontecimientos que se producen en esta época: CAMBIOS RELIGIOSOS REFORMA PROTESTANTE CRISTIANDAD) BARROCO PROTESTANTE HOLANDA, INGLATERRA ALEMANIA, Al ser iconoclasta no necesitan imágenes religiosas. El trabajo de los artistas se reorienta hacia el retrato (a veces psicológico) y la pintura de género (paisajes y bodegones). En Holanda, el libre mercado, crea la figura del marchante y se impone el Gusto burgués ( DIVISIÓN CAMBIOS POLÍTICOS DE LA BARROCO CATÓLICO (CONTRARREFORMA) SUIZA, FRANCIA, ESPAÑA, ITALIA, PORTUGAL. MONARQUÍAS ABSOLUTAS BARROCO AÚLICO O CORTESANO ( AL SERVICIO DE LOS REYES) FRANCIA, ESPAÑA El arte como propaganda El arte como instrumento de propaganda de la fe y vanagloria de los monarcas Se mantienen las imágenes religiosas, pero más emotivas e impactantes (martirios y éxtasis por vidas de santos y milagros). Los monarcas absolutos utilizan al arte como propaganda (palacios, grandes Temas mitológicos e iconográficos...), frente a un pueblo empobrecido (teatro y pasos procesionales). En el interior de las iglesias encontramos retablos con gran patetismo. Desarrollo de la experimentación y la revolución científica: Galileo, Pascal, Newton. 2

3 1. CONTEXTO HISTÓRICO DEL BARROCO CONTEXTO HISTÓRICO: EUROPA DE LOS SIGLOS XVII ETAPA DE CRISIS ETAPA DE CAMBIOS APARICIÓN DE LA MONARQUÍA ABSOLUTA Afirmación de los estados nacionales (Francia Luis XIVXV y XVI). CRISIS ECONÓMICA INESTABILIDAD POLÍTICA Producida por las malas cosechas, el estancamiento tecnológico de la agricultura, así como los bajos rendimientos de ésta. Además, esta crisis agraria conllevará una crisis industrial y comercial. Estas crisis tendrán consecuencias no sólo en la población europea sino que desencadenarán una serie de revueltas en la Europa del siglo XVII. En la primera mitad del siglo XVII se produjo la Guerra de los Treinta Años ( ), que enfrentó por un lado al emperador alemán y España, y por otro a los príncipes protestantes alemanes, Francia, Suecia, Dinamarca y las Provincias Unidas. Tras ser derrotados, el emperador y España firmaron la Paz de Westfalia (1648). No obstante, España prosiguió la guerra contra Francia hasta la Paz de los Pirineos (1659), que supuso el fin de la hegemonía española en Europa a favor de Francia. La economía europea siguió la teoría del mercantilismo, según la cual la riqueza de un país reside en la posesión de metales preciosos. Por ello, los estados impulsaron las exportaciones, conquistaron nuevos mercados y territorios, y crearon Compañías Comerciales. CONSECUENCIAS EN LA POBLACIÓN EUROPEA La población europea no creció en el siglo XVII debido a las malas cosechasy a una nueva epidemia de peste. El 80% vivían en el campo, de donde salieron emigrantes hacia las ciudades o territorios americanos. La esperanza de vida era escasa. Las epidemias, las hambrunas, la deficiente alimentación tanto en calidad como en cantidad, la falta de higiene contribuyeron a ello. SOCIEDAD EUROPEA La sociedad tiene una estructura estamental. La nobleza, el clero y el estado llano tendrán unas funciones propias, un estatuto jurídico particular y en consecuencia una mentalidad determinada: nobleza y clero privilegiados con oficios reservados exenciones fiscales e instituciones que garantizan su influencia a través del poder territorial (mayorazgo); el tercer estado que incluye al resto de los súbditos coincide en su condición de excluidos de la participación política, su deplorable situación socioeconómica provocó levantamientos e insurrecciones en las crisis de subsistencias o por el aumento de las cargas fiscales. No obstante, hubo cierta movilidad social al buscar la burguesía, que se enriquece con sus negocios comerciales y financieros, ingresar en el estamento nobiliario mediante matrimonios favorables o compra de títulos. En el siglo XVII, la monarquía absoluta sustituyó a la monarquía autoritaria en la mayoría de estados europeos. La monarquía absoluta supuso la concentración de todos los poderes en el rey, que gobernó sin ninguna limitación. Los teólogos consideraron que el rey lo era "por la gracia de Dios" y los juristas amparándose en la tradición del derecho romano, consideran al rey la "Ley Viviente" y el señor de señores. Hobbes y Bossuet serán los defensores teóricos del absolutismo. Para afianzar su poder, los reyes establecieron una administración centralizada y contaron con el apoyo de algunos teóricos, como Bossuet, que afirmaba que las monarquías eran de derecho de divino, y Hobbes, que sostenía que solo el poder absoluto del rey podía evitar la anarquía social. El principal representante de la monarquía absoluta fue el rey francés Luis XIV, conocido como el «Rey Sol», que gobernó de forma personalista desde el palacio de Versalles. En España también se impuso la monarquía absoluta, aunque los reyes delegaron las tareas de gobierno en personas de confianza o validos, y no se implantó una administración centralizada. El principal valido en España fue el conde-duque de Olivares, favorito de Felipe IV. Las potencias no absolutistas fueron Inglaterra, donde se impuso la monarquía parlamentaria, las Provincias Unidas o Países Bajos del norte, donde se implantó una república, y el imperio alemán, donde el poder del emperador se vio limitado por la Dieta o parlamento, que representaba a los príncipes alemanes. 3 CONTRARREFORMA CATÓLICA PARA HACER FRENTE A LA REFORMA PROTESTANTE ( FIN UNIDAD DEL CRISTIANISMO) ORIGEN DE LA CONTRARREFORMA: En el siglo XVI se produce la división de la unidad del cristianismo con la llamada REFORMA PROTESTANTE. FIN DE LA UNIDAD DEL CRISTIANISMO: PROTESTANTES LUTERANOS, CALVINISTAS Y ANGLICANOS- VERSUS CATÓLICOS. CONTRARREFORMA CATÓLICA PARA FRENAR LA DIFUSIÓN DEL PROTESTANTISMO POR EUROPA: CELEBRACIÓN DEL CONCILIO DE TRENTO. GUERRAS DE RELIGIÓN ARTE, MEDIO DE PROPOGANDA Y VANAGLORIA DE LA IGLESIA CATÓLICA Y DE LOS MONARCAS EN EUROPA. (NUEVO CONCEPTO DE ARTE: ARTE COMO PROPAGANDA Y COMO MUESTRA DE PODER)

4 ARTE BARROCO ARTE AL SERVICIO DEL PODER BARROCO CATÓLICO: IGLESIA CATÓLICA Extendido por los dominios de los Hagsburgo, Italia y España, cuyas temáticas coinciden con la finalidad de comunicar exaltadamente los postulados del Concilio de Trento. Para hacer frente a la difusión del protestantismo por Europa, la Iglesia católica emprendió una Contrarreforma no sólo para reformar la Iglesia Católica sino para luchar contra los protestantes. Para ello, se celebró el Concilio de Trento ( ). El poder moral y económico de la Iglesia Católica, en los estados que le son fieles, es enorme. EL ARTE, MEDIO DE PROPAGANDA DE LOS VALORES DE LA CONTRARREFORMA. El mecenas más importante del arte Recomendaciones para los artistas: Interpretación realista. Temática religiosa. Teatralidad y expresión de sentimientos. Los templos en cruz latina, por considerar que los templos circulares eran de origen pagano. El arte debe de mostrar la posesión de la verdad, frente a los protestantes. La pintura y la escultura debe de conmover al fiel, reafirmar sus convicciones. La arquitectura debe de mostrar la grandiosidad de la Iglesia Católica y los acuerdos del Concilio de Trento. ITALIA: PLAZA DE SAN PEDRO DEL VATICANO ( BERNINI), FACHADA DE LA BASÍLICA DE SAN PEDRO DEL VATICANO ( MADERNO), IGLESIA DE SAN ANDRÉS DEL QUIRINAL ( BERNINI), BLAQUINO DE SAN PEDRO DEL VATICANO ( BERNINI), SAN CARLO DE ALLE QUATTRO FONTANE ( BERNINI). ITALIA: ÉXTASIS DE SANTA TERESA ( BERNINI) IMAGINERIA ESPAÑOLA: GREGORIO FERNÁNDEZ, ALONSO CANO, SALZILLO. El Barroco propuso nuevos valores estéticos: El arte barroco supone un cambio formal con respecto al arte renacentista, los valores clásicos y el equilibrio es sustituido por el movimiento y la libre expresión de los sentimientos. Su monumentalidad, la riqueza y el lujo no es sino la expresión del poder y de la autoridad, tanto del monarca como de la nación y de la Iglesia Católica. El movimiento, formas curvas, de lo cóncavo a lo convexo. Expresa sentimientos fuertes propios de esta época de crisis Difunde la imagen de poder de la Iglesia Católica y de los monarcas absolutos. La luz y el color, más que el dibujo, para crear las formas. El realismo, de manera que emocione o sorprenda al espectador. Se busca la persuasión y las emociones religiosas. El gusto por lo teatral y escénico. El arte barroco está lleno de simbolismos, y se presenta como una escena, como un decorado teatral que pretende introducir al observador en el mundo de los sentimientos y las sensaciones. BARROCO CIVIL: MONARQUÍA ABSOLUTADesarrollado en Francia y a partir de la entrada de los BARROCO PROTESTANTE Desarrollado en Francia a partir de la convincente entrada dedel lospoder Borbones en una finalidad de actuarycomo argumento real España, de carácter más clásico, con una finalidad de actuar como argumento convincente del poder real. Los reyes europeos utilizarán el arte como propaganda y vanagloria de sus monarquías. Las ciudades, los palacios y los edificios reales serán los emblemas de sus reinos, la mayor parte construidos en esta época. El lujo, la ostentación serán los encargados de crear en el ciudadano una sensación de omnipresencia de su rey. El mejor ejemplo de esto fue la corte francesa del Rey Sol, Luis XVI. El absolutismo traerá como consecuencia el establecimiento de una Corte y una administración inmensa, lo que hará aparecer un nuevo tipo de ciudad: la capital del estado. El diseño de estas nuevas ciudades volverá a potenciar el urbanismo, como en Madrid, París o Viena. El diseño de estas nuevas ciudades volverá a potenciar el urbanismo: se derriban barrios y se trazan plazas creando magníficas perspectivas para las construcciones civiles o religiosas; se desarrolla el arte de la jardinería como complemento estético de palacios y villas. En los países protestantes (Holanda, Inglaterra, Alemania del norte y paises escandinavos) la situacion es distinta. Su religiosidad caracteristica prescinde en los templos de retablos y grandes imagenes. Por tanto, las obras religiosas son menos abundantes, se dirigen mas bien a clientes particulares (nobles y burgueses), y son de formato menor. La clientela de los artistas se reducira, por tanto, a estos grupos sociales.. Borbones en España, de carácter más clásico, con FRANCIA: PALACIO DE VERSALLES, LA IGLESIA DE LOS INVÁLIDOS, REFORMAS URBANÍSTICAS DE PARIS. 4 El arte barroco protestante será menos suntuoso que el católico. Más austero y sencillo. Introduce nuevas temáticas en la escultura y pintura, aunque continuará existiendo una importante temática religiosa.

5 4. CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL ARTE BARROCO ARTE RENACENTISTA SE BASA EN LA RAZÓN (Se basa en el Humanismo, referencia a la Antigüedad Clásica ) SIGUE LOS MODELOS Y CÁNONES DE LA ANTIGÜEDAD CLÁSICA ES UN ARTE ELITISTA ARTE BARROCO SE BASA EN LA EMOCIÓN (Busca conmover al fiel, mostrar la verdad y la fe. Es un objetivo de la Europa de la Contrarreforma) SE EXPRESA CON LIBERTAD ES UN ARTE POPULAR (La Iglesia convierte el arte en un medio de propaganda para llegar al fiel y conmoverlo) BUSCA LA ELEGANCIA BUSCA LA GRANDIOSIDAD ( Mostrar la fortaleza, la fuerza de la Iglesia Católica) SE BASA EN LA SE BASA EN EL MOVIMIENTO Y SIMETRÍA Y LA EL CONTRASTE (El movimiento permite teatralidad, PROPORCIÓN ( Sigue los modelos clásicos) grandiosidad y con ello, contribuye al fin propagandístico) PREFIERE LA LÍNEA PREFIERE LA LÍNEA CURVA ( Símbolo de movimiento, teatralidad, y RECTA con ello, de teatralidad) ES UN ARTE NATURAL ES UN ARTE ARTIFICIOSO Y TEATRAL ( Busca conmover, es propagandístico) 5 DÓNDE SE OBSERVA?

6 5. LA ESCULTURA BARROCA: BERNINI CARACTERÍSTICAS GENERALES MATERIALES: Empleo de materiales diversos que denota un perfecto dominio técnico: mármol, bronce y madera policromada. También, en menor medido, se usaron materiales preciosos (marfil, oro, plata) o materiales pobres, como el estuco. Las superficies se tratan de modo muy diverso para intentar reproducir las diferentes calidades de los objetos. Con estos materiales, se buscan efectos pictóricos: uso de policromía de tradición medieval (España, Alemania) o empleo de mármol de diferentes colores (Italia). TEMAS: La temática es variada ( religiosa, mitológica, retrato, funeraria ). Abunda la temática de la muerte con carácter dramático y pasional. Una intensa espiritualidad aparece con frecuencia en las escenas de éxtasis, martirios y apariciones milagrosas. FUNCIÓN: Su finalidad, aparte de decorativa es didáctico--propagandística GÉNEROS: son también diversos: estatua, busto, relieve, medallones, retrato ecuestre. LUGARES: La escultura barroca es grandiosa, monumentalista, de carácter urbano (plazas, retratos ecuestres y fuentes) y funerario (tanto en sitios públicos como privados). Es por tanto que la escultura no sólo se encontrará en iglesias y basílicas, sino también en palacios. Además, al ser una escultura urbana hará que muchas de sus esculturas tuvieran como destino la ornamentación de espacios urbanos y de jardines palaciegos. Así, Roma levantó en sus calles y plazas docenas de fuentes escultóricas y por toda Europa proliferaron las esculturas ecuestres adornando las plazas y las representaciones alegóricas o mitológicas los jardines. MOVIMIENTO: Es un arte hecho para sorprender por su fuerza expresiva, lograda a partir del movimiento y del efectismo y por su perfección técnica. Este movimiento se conseguirá: A)A través de composiciones abiertas. Piernas y brazos se lanzan al aire. Se abandona la simetría, las líneas rectas y se apuesta por los escorzos. B)Con contrastes ( luces y sombras/ zonas cóncavas y convexas ) C) Dinamismo de actitudes y ropajes (extremidades que se disparan, paños volantes). LUZ: La luz desempeño un pape/ plástico y simbólico muy importante. Se buscan fuertes efectos de claroscuro, estudiándose atentamente la luz del emplazamiento. Es una luz dirigida, de fuentes precisos, aparentemente fugaz y de alto valor expresivo. COLOR: El color es también componente importante. Procede tanto de la policromía (en las esculturas de madera), como de los postizos (ojos vítreos, lágrimas de resina, ropas reales) e incluso de los efectos tonales producidos por la luz (este tipo de procedimiento se utiliza bastante con las obras de mármol). SE BUSCA EL NATURALISMO. No se pretende una belleza idealizada, basada en la proporción y medida. Se busca el sentimiento (PATHOS). Se imitará a la naturaleza tan y como se ve, partiendo de una realidad concreta y material, que se copia con todos sus elementos, buenos o malos. No se huye por lo tanto de temas macabros, crueles o dolorosos, con el objetivo fundamental de conmover al espectador, de provocar en él alguna reacción, a través de los sentidos. Todos los sentidos se verán involucrados en la percepción de la obra, se intenta que se capte no sólo por la vista, sino también por el tacto, que viéndola el espectador sea capaz de sentir muchos más aspectos de ella. Se impone el pathos, la pasión frente a la mesura y al equilibrio renacentista. 6

7 BERNINI ( ) Escultor, arquitecto y pintor italiano. Bernini es el gran genio del barroco italiano. El heredero de Miguel Ángel y principal modelo del Barroco en Europa. De origen napolitano, Bernini comenzó a trabajar en el taller de su padre a los 14 años y allí aprendió a tallar el mármol directamente sin plan previo, como había hecho Miguel Ángel; prosiguió su aprendizaje con la observación de los maestros o incluso de los pintores coetáneos. Pronto, sus cualidades técnicas y las humanas (agudo conversador, alegre y jovial, educado y gentil) le llevarán a ser por los romanos como el Cavaliere Bernini, y a ser admitido en los círculos papales de Gregorio V y Urbano VIII, ambos grandes mecenas de las artes. Vivirá siempre en Roma, excepto durante un breve período en que se desplaza a París, con objeto de cumplir un contrato firmado con Luis XIV para la construcción del palacio del Louvre. Pero pronto abandona la ciudad por no encontrar en ella el ambiente adecuado. Bernini trabaja principalmente para Roma, porque Roma es la síntesis de la Iglesia y el Estado, y el lugar por excelencia donde el artista puede realizarse: hacer arte. Su meta será convertir la Roma imaginaria en una Roma real, cabeza de la humanidad cristiana. Será el artista de la corte pontificia, lo que le llevará a convertirse en paradigma del Barroco: arquitecto, escultor, pintor, autor teatral, escenógrafo. Manifestó en diversas ocasiones su gusto por la estatuaria griega tardía (Laoconte, torso de Belvedere, Antinoo de Belverdere). Es igualmente importante la faceta de Bernini como retratista (es contemporáneo de Van Dyck, Velázquez o Rembrandt), consiguiendo captar la expresión momentánea de los rostros. Trabaja bajo el mecenazgo de varios papas (Urbano VIII, Inocencio X, Alejandro VII), aunque en su etapa juvenil estuvo bajo la protección de Escipione Borghese. Es el gran artista del Barroco romano, al servicio de la propaganda papal. ETAPAS DE BERNINI Etapa jjuvenil David Apolo y Dafne Rapto de Proserpina Etapa de San Longinos plenitud Éxtasis de Santa Teresa ( ) Mausoleo de Urbano VIII Retratos: Duque Francisco d Este Constantino el Grand Fuentes: Fuente de los Cuatro Ríos Estilo tardío Mausoleo de Alejandro VII ( ) Ángeles con los atributos de la Pasión. Se inspirará en las obras helenísticas, trabajará LA LÍNEA SERPETINATA y helicoidales. Se destaca su virtuosismo en el tratamiento del mármol convirtiéndolo en carnes, telas, vegetales etc. Le preocupaba y trasmite MOVIMIENTO en sus esculturas siempre portadoras de mensajes religiosos o políticos. COMPOSICIONES ABIERTAS, LÍNEAS DIAGONALES Esculturas con posibilidades ESCENOGRÁFICAS. Esculturas con enorme carga TEATRAL y mayor movimiento EXPRESIONES ACENTUADAS EN LOS ROSTROS y cuerpo para darle mayor vitalidad. Uso de paños para aumentar el efecto teatral mediante brusco pliegues, juegos de claroscuro Interés por los pequeños detalles. Inspiración en los rasgos que definieron en el pasado la etapa helenística griega y el Manierismo italiano. Maestro en el trabajo del mármol y del bronce, que combina con frecuencia para buscar efectos de policromía. Su virtuosismo es tal que es capaz de transmitir sensaciones táctiles y visuales de pieles, telas, troncos de árbol, nubes o rayos de luz. Le preocupa especialmente captar el movimiento en plena acción. Preferencia por composiciones y cuerpos que desarrollen la CURVA SERPENTINATA. Los rostros de sus figuras son muy expresivos, buscan conmover al espectador. Recurre a la ESCENOGRAFÍA TEATRAL para presentar sus escenas religiosas. Gran dominio de LA LUZ como recurso expresivo. Los ropajes amplios también le sirven para captar la atención del espectador y aumentar la dignidad de los personajes. 7

8 APOLO Y DAFNE Mármol. 2,43 m. de altura. Galería Borghese, Roma. Barroco italiano. TEMA: Mitológico. Según el mito de Metamorfosis de Ovidio, Apolo se burló de Cupido por su uniforme de arco y flechas. Cupido se venga de Apolo disparándole una flecha que le lleva a enamorarse de Dafne, hija del río Peneo. Cupido dispara también otra flecha a Dafne que le hace odiar al amor en general y en particular al de Apolo. Apolo persigue a Dafne y al tocarla, ésta se convierte en laurel, por obra de su padre Peneo. (En adelante, Apolo, para consolarse, toma el laurel como su árbol y se venga de Cupido, haciendo que los vencedores de los juegos Píticos sean coronados con laurel. DESCRIPCIÓN: Bernini representa el tema con las figuras de Apolo y Dafne en acción de correr, casi volando y en el mismo paisaje. Capta el momento inicial de la metamorfosis. FIGURAS: Las figuras parecen estar tocadas de sensualidad y movimiento, que el autor insinúa mediante las líneas curvas y el pulimento del mármol casi táctil, amasado, de suave textura, así como por la forma de representar a Dafne, figura a la que confiere un modelado fluido y tembloroso, un cuerpo ágil que va siendo protegido por la corteza del árbol (laurel) para salvarse de la persecución de Apolo. COMPOSICIÓN: La composición a base de diagonales, el movimiento detenido y la expresión de las figuras son plenamente barrocos pero las influencias clásicas son evidentes sobre todo en la figura de Apolo, con su modelado suave, blando, como el de la estatuaria griega del siglo IV, probablemente inspirado en la copia romana del Apolo de Leochares que se conservaba en Roma. Bernini no sólo capta sorprendentemente la oposición entre el dinamismo de Apolo y la paralización de Dafne, sino que define perfectamente la oposición entre la suave piel de la muchacha y la áspera textura del tronco de árbol. Bernini no sólo capta sorprendentemente la oposición entre el dinamismo de Apolo y la paralización de Dafne, sino que define perfectamente la oposición entre la suave piel de la muchacha y la áspera textura del tronco de árbol. 8

9 EL ÉXTASIS DE SANTA TERES ( ). Mármol. 350 cm. altura. Capilla Cornaro, Iglesia de Santa María de la Victoria de Roma. Barroco italiano. TEMA: RELIGIOSO. Recoge una de los acontecimientos que Santa Teresa de Jesús describe en su biografía, según el cual en una de sus éxtasis se le aparece un ángel que le clava un dardo en el corazón como símbolo del amor de Dios. Se representa a la santa en un espacio irreal, flotando sobre una nube, de forma que el espectador cree que es el mismo el que está teniendo una visión. El cuerpo de Santa Teresa aparece completamente inerte, abandonado en su visión, que se convierte casi en una experiencia sensual por la expresión del rostro. Esta actitud contrasta con el dinamismo y la actitud del ángel que se dispone a clavar el dardo. COMPOSICIÓN: El conjunto escultórico que preside el altar está formado por dos palcos y la escena del Éxtasis. La escena milagrosa de la santa preside la capilla, pero en sus muros laterales abre Bernini dos palcos desde los cuales los miembros de la familia Cornaro contemplan asombrados el milagro. De este modo, esas figuras se integran y se funden con el espectador real, transmitiendo su admiración y magnificando la impresión que la obra de por sí sola produce. Este sentido teatral se suma al del propio escenario donde la acción se lleva a cabo: un nicho en el que las figuras parecen flotar sobre una nube; el efectismo conseguido mediante una inapreciable base donde se sustentan y, sobre todo, por la iluminación, en forma de haz de luz vertical, potenciando los contrastes y erigiéndose en un componente clave del conjunto ILUMINACIÓN: Recurre a la iluminación que desciende mezclada entre rayos dorados a partir de una ventana escondida debajo del frontón. Los rayos que vemos detrás son realizados en bronce y simbolizan como una gloria divina, ya que parten de una luz cenital que hay encima del grupo escultórico MOVIMIENTO: Otro rasgo significativo del Barroco es el MOVIMIENTO, que aquí se ve en las TELAS que revolotean. Es un escenario con gran dinamismo, fruto de la situación que se está viviendo y del estado anímico de la santa 9

10 DAVID. (1623). 170 cm. altura. Mármol. Galería Borghese, Roma. SAN LONGINO ( ) mármol mt TEMA: RELIGIOSO. Es un tema recurrente en la historia del arte (Miguel Ángel, TEMA: Donatello, Verocchio ). Representa el momento justo de lanzar la piedra, con los músculos en tensión. Resalta el esfuerzo humano: labios apretados, cuerpo curvado, incluso los dedos del pie derecho se contraen sobre el plinto. Este David no es el guerrero perfecto e idealizado sino uno muy humano esforzándose para lograr sus metas. Tras la figura, yacen varias armas descartadas, recordándonos que esta no es una batalla ganada a través de un armamento superior, sino de un esfuerzo físico. A sus pies, un arpa hermosamente tallada, que indica que David se convertirá en un poeta COMPOSICIÓN: Predomina las líneas diagonales. El cuerpo se torsiona con COMPOSICIÓN: violencia, abre las piernas y se inclina para obtener más fuerza. Esta tensión muestra la diagonal existente entre el pie izquierdo y la cabeza. 10

11 Tumba de Urbano VIII ( ) DESCRIPCIÓN Crea el modelo de tumba: difunto parte superior rodeado de alegorías relacionadas con sus virtudes. El papa de rodillas, cabeza descubierta, mira al frente, manos unidas para la oración. De la puerta de la tumba sale un esqueleto que le enseña el reloj de arena ( alusión a lo transitorio de la vida ) Escultura integrada en la arquitectura: la puerta de la sacristía / referencias al portal de la muerte. Un sudario de jaspe envuelve las figuras y acoge a las alegorías. Parte inferior: muerte / parte mediana pertenece al mundo terrenal / parte superior: el papa por encima de los mortales MATERIALES: Bernini sigue estos modelos, utilizando en la realización del sepulcro mármol blanco y de colores, jaspes, bronce y bronce sobredorado. La figura del pontífice la realiza en bronce, del mismo modo que el sepulcro en pórfido oscuro, colores estos de luto y duelo Sepulcro de Alejandro VII ( ) DESCRIPCIÓN Tumba túmulo donde el punto focal es el Papa situado en un alto pedestal. A sus pies unas figuras alegóricas: referencias a las virtudes: la Caridad ( con el niño ) y la Justicia. Un esqueleto en mitad de ambas está escribiendo en un libro dorado el nombre del Papa. Las abejas situadas en el sarcófago y en el pedestal no indica la familia a la que pertenecía el Papa: los Barberini. La figura de Urbano VIII se muestra al mundo orgulloso como un emperador, coronado por la tiara y con gesto arrogante. La composición es piramidal y espectacular. El propio papa sugiere éste como un monumento a la fama póstuma, surgiendo del sarcófago la figura de la Muerte que escriben en la cartela el título, alegoría esta de la Fama. Las figuras de la virtudes muestran una gran perfección técnica, encontrándose llenas de verosimilitud y estas representaciones corresponden a la cultura neohumanista dentro de la que se mueven tanto el papa como Bernini. Posadas dentro de la composición aparecen dos abejas en referencia al escudo de los Barberini. MATERIALES: Bernini sigue estos modelos, utilizando en la realización del sepulcro mármol blanco y de colores, jaspes, bronce y bronce sobredorado. La figura del pontífice la realiza en bronce, del mismo modo que el sepulcro en pórfido oscuro, colores estos de luto y duelo. SIMBOLISMO: Desde el pedestal está impartiendo la bendición a los fieles reflejado por su actitud y el brazo en alto. 11

12 8. LA IMAGINERÍA ESPAÑOLA 8.1. CONTEXTO HISTÓRICO: LA ESPAÑA DEL SIGLO XVII ESPAÑA DEL SIGLO XVII DECADENCIA POLÍTICA: REINADO DE LOS AUSTRIAS Los Austrias del siglo XVII, conocidos como los Austrias Menores, (Felipe III, Felipe IV, Carlos II) han sido considerados tradicionalmente como reyes débiles. En esta época, los reinados de estos reyes se caracterizaron por: Dejar el gobierno del Estado a validos como el Duque de Lerma u Olivares Fin de la hegemonía política española. La pérdida de influencia política de España se produjo como consecuencia de toda una serie de acontecimientos que tuvieron lugar a lo largo del siglo XVII: La expulsión de los moriscos en España entró en la Guerra de los Treinta Años para apoyar a los Habsburgo del Imperio alemán. Esta guerra se inició como un enfrentamiento más entre los Habsburgo alemanes, que eran católicos, y los príncipes alemanes protestantes y sus aliados, Dinamarca y Suecia. En poco tiempo el conflicto se extendió por toda Europa y acabó con la hegemonía de los Habsburgo en el continente. Después de años de enfrentamientos, en los que Europa quedó destruida, en 1648 se firmó la Paz de Westfalia, que puso fin a la guerra. Las consecuencias para España fueron las siguientes: CRISIS DEMOGRÁFICA, ECONÓMICA Y SOCIAL En el siglo XVII toda Europa vivió una intensa decadencia demográfica y económica, pero dicha decadencia fue mucho más grave en España. La Crisis demográfica supuso un descenso de la población española. Esto fue debido a la persistencia de la peste (Peste Atlántica de ; ; ), la expulsión de los moriscos, las dificultades económicas y las guerras constantes. La Crisis económica fue generalizada tanto en la agricultura como en la artesanía por el descenso demográfico, la mala política fiscal y la competencia de la artesanía del norte de Europa. Además, el contrabando inglés, holandés y francés hundió el monopolio comercial con América. Tuvo que aceptar la independencia del norte de los Países bajos (Holanda), ahora protestante Perdió el poder y la influencia política que tenía en Europa. La Paz de Westfalia no puso fin a los conflictos en España (que se enfrentaba a las rebeliones de Cataluña y Portugal) ni a la guerra contra Francia. Finalmente, Felipe IV firmó la Paz de los Pirineos en 1569, por la que cedió a Francia parte de Flandes y los territorios del Rosellón y la Cerdaña. Durante su reinado se reconoció la independencia de Portugal (1668). En política exterior continuaron las derrotas: las guerras con Francia se saldaron con la entrega del Franco Condado (al este de Francia) a este país. Carlos II murió en 1700 y había nombrado a Felipe de Borbón, duque de Anjou, nieto de Luís XIV (el Rey Sol), como su sucesor.. La nueva dinastía se instaló en España tras la Guerra de Sucesión ( ) que enfrentó a los partidarios de los Borbones con los de los Habsburgo alemanes, por el trono de España. La monarquía se resiste a aparentar debilidad política, y por eso sigue usando el arte como propaganda. La iglesia se sigue mostrando triunfante tras la ruptura con los protestantes, y España es fiel seguidora de las doctrinas contrarreformistas. FRENTE A ESTA ÉPOCA DE CRISIS ECONÒMICA Y DECADENCIA POLÍTICA, ESPAÑA EXPERIMENTA UN PERÍODO DE AUGE CULTURAL Y ARTÍSTICO: EL SIGLO DE ORO Una de las manifestaciones más importantes del Siglo de Oro fue la Literatura. En España brilló la Narrativa (El Quijote de Cervantes) y dentro de ésta la Novela Picaresca (El Guzmán de Alfarache de Mateo Alemán, El Buscón de Quevedo), también el Teatro (Lope de Vega, Calderón de la Barca, Tirso de Molina) y la poesía (Quevedo, Góngora). En las artes plásticas hay que destacar la Imaginería Barroca, expresión genuina de la Contrarreforma Católica, pero sobre todo la pintura de Velázquez, Ribera, Zurbarán, Murillo, etc. 12

13 8.2. CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA IMAGINERIA ESPAÑOLA MATERIALES: MADERA POLICROMADA. Una diferencia, con respecto a la escultura barroca europea, hecha de mármol. TEMAS: RELIGIOSO. (En España, como ocurrió durante el Renacimiento, el arte barroco es básicamente religioso). Los temas mitológicos y profanos estarán ausentes. Las obras decoran retablos, sillerías de coro y los famosos pasos de Semana Santa (representaciones de la Virgen, figuras de Santos, o de santos (Sta. Teresa, S. Ignacio de Loyola, S. Francisco Javier, S. Isidro...). Realismo. Para extremar el realismo de las figuras se recurre a postizos como el empleo de pelo real, corona real, ojos y lágrimas de cristal, etc. Se llegaron a crear imágenes de vestir, en las que se realizaban con minuciosidad cabeza, manos y pies para vestirlas con ropa real)... La imaginería española, ya desde el Renacimiento, había continuado una línea de realismo extremo. A partir de aquí, unos autores se inclinan por el dramatismo de gestos (ESCUELA CASTELLANA) mientras otros se decantan por una serenidad que conduce a la exaltación mística (ESCUELA ANDALUZA). CLIENTE: El cliente más importante es la Iglesia y en segundo lugar la Corte. Otra característica es que los nuevos encargos ya no son la Cortes, la nobleza o el alto clero, sino gentes de escala social más baja, parroquias pequeñas y cofradías que podían ser gremios de artesanos o cofradías de apoyo mutuo para socorrer a los más necesitados. Estas cofradías encargaban obras para sacarlas en procesión y todos los miembros de esta cofradía llevaban el mismo traje y la misma capucha y sentían auténtica devoción por su imagen. Los artistas logran la expresión de los sentimientos en las figuras: dolor, angustia, muerte, éxtasis. La finalidad de las esculturas es sugerir una profunda emoción religiosa en el espectador, en consonancia con el espíritu de la Contrarreforma católica, de la que España es firme defensora. Se quiere aumentar la devoción de los fieles llevándoles al arrepentimiento y la penitencia La teatralidad barroca alcanza en la imaginería española su máxima expresión. ESCUELAS ESCUELA CASTELLANA ESCUELA ANDALUZA Realismo exagerado Huida de la exageración Plasmación del dolor y la crueldad, con Imágenes equilibradas abundancia de sangre, realismo por tanto hiriente. Realismo un tanto idealizado Dinamismo Serenidad Tendencia a la caricatura en los personajes Modelado suave malvados Belleza y equilibrio Fuerte modelado Centros: Sevilla, Granada, Málaga Rostros expresivos Centros: Valladolid y Madrid AUTORES: Juan Martínez Montañés ( ), AUTORES: Gregorio Fernández ( ) Juan de Mesa ( ) 13 MURCIA ( SIGLO XVIII: ROCOCÓ) AUTORES: FRANCISCO SALZILLO Introdujo en España la moda de los belenes, de los pesebres de Nápoles. Su escultura tiende a la dulzura y elegancia con predominio de los colores pastel. Se considera a Salzillo como la transición entre el barroco y el rococó.

14 ESCUELA CASTELLANA ESCUELA ANDALUZA La Piedad. Gregorio Fernández Jesús del Gran Poder. Juan de Mesa Cristo yacente. Gregorio Fernández Cristo de la clemencia. Juan Martínez Montañés ESCUELA DE MURCIA La adoración de los pastores. J.M. Montañés. La oración en el huerto. Salzillo 14 La Inmaculada. Alonso Cano

15 9. CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA PINTURA BARROCA TEMAS: La pintura barroca si por algo se define es por la gran variedad de temas. Destacamos: A) Temas religiosos (abundan las representaciones de la Virgen -como Inmaculada Concepción, la Piedad-, los pasajes evangélicos más relevantes, la caridad, los sacramentos, series sobre la vida de los santos y sus experiencias religiosas, la visión de la muerte). Esta temática está relacionada con la Contrarreforma católica ya que la pintura tiene como objetivo persuadir y conmover al creyente. Por lo tanto, en el Barroco la pintura tuvo una misión didáctica que sirvió para asombrar, infundir respeto, invitar a la reflexión e imitar ejemplos de virtud y de santidad. B) El desnudo es proscrito de las representaciones religiosas, persistiendo únicamente en las alegorías y mitologías. C) La fábula pagana se cultivará en Francia y Flandes. D) Los holandeses destacarán en el retrato de grupo y el paisaje se convierte en género independiente y dentro de él temas especiales como, escenas realistas (de interiores y de vida cotidiana), marinas, batallas navales, etc. E) También se desarrolla el cuadro de arquitectura, el bodegón, los de naturalezas muertas. COMPOSICIONES: La pintura barroca presenta una composición asimétrica. La tendencia a composiciones ordenadas como en el Renacimiento, desaparecen. Se prefieren composiciones asimétricas, desequilibradas, para sugerir que la escena que se pinta continúas más allá del cuadro. Esta composición asimétrica se consigue con líneas diagonales, como en la escultura (composiciones abiertas). TÉCNICAS: Las técnicas utilizadas son el fresco, en pintura mural, y el óleo sobre lienzo en la de caballete REALISMO. Se impuso el realismo, representar las cosas tal y como eran, incluso s rasgos desagradables. la preocupación por la representación del estado psicológico, de los sentimientos (dolor, alegría), etc. (REALISMO NATURALISTA). Desaparece la belleza idealizada del Renacimiento. PREDOMINIO DEL COLOR SOBRE EL DIBUJO (Frente a épocas anteriores, donde ocurría lo contrario). En los grandes maestros las manchas son las definidoras de las formas. La línea se difumina y la pincelada es suelta. A base de grandes manchas de color se definen las formas. La línea pierde importancia en la delimitación de contornos. PREOCUPACIÓN POR CAPTAR EL MOVIMIENTO. La pintura barroca es la pintura de los sentimientos, la tensión y esto no puede representarse con figuras estáticas. El movimiento se mostrará en las obras: A) Composiciones asimétricas (composiciones a base de diagonales). B) Escorzos en las figuras. C) Contrastes de luces y sombras BUSCA LA TRIDIMENSIONALIDAD Y LA PROFUNDIDAD EN LAS OBRAS. La pintura parece poseer tres dimensiones. El efecto (la ilusión) de profundidad es más real que en el Renacimiento ( no hay planos tan rígidos). La profundidad se consigue: A) Perspectiva aérea B) Perspectiva lineal C) Contraste de luces y sombras D) Uso de espejos en las obras. E) Escorzos en las figuras. F) Trampantojo (- trampa ante ojo -. Es una técnica pictórica que intenta engañar al ojo humano a través del uso de arquitecturas fingidas en la pintura y que otorgan un mayor realismo y profundidad a la obra. IMPORTANCIA DE LA LUZ. La preocupación por la luz y la sombra juega un papel importante en el Barroco. La luz es uno de los valores más importantes de esta pintura, y está dotada de gran expresividad. Las obras no son iluminadas uniformemente sino que hay importante juegos de luces y sombras. En algunos casos, los fondos llegan a ser neutros lo que permite dar mayor importancia y volumen a las figuras (TENEBRISMO). Tiene caracteres diferentes (puede ser luz artificial, formal, focal, conceptual). Se asocia al color, volumen, espacio y composición, como elemento clave. 15

16 9.1. LA PINTURA BARROCA EN FLANDES Y HOLANDA: RUBENS Y REMBRANDT Los Países Bajos es una región de Europa con una larga tradición y trayectoria pictórica que ya arrancó en los pintores flamencos y que continuó a lo largo de todo el Renacimiento y hasta el Barroco. Una zona que se vio afectada por la Reforma protestante, lo que llevará a que se dividiera políticamente en: Provincias del norte (Holanda). Protestante. Provincias del sur (Bélgica, antigua Flandes). Española y Católica. FLANDES HOLANDA En Flandes, la zona de la actual Bélgica, permanece unida a la corona española y a la Iglesia de Roma, lo que explica por una parte su identificación con los ideales de la contrarreforma y la pujanza de la temática religiosa, por otra parte la aristocracia impulsa el desarrollo de los asuntos profanos o mitológicos, que se plasman con un carácter sensual y exuberante en grandes lienzos que cubren las estancias palaciegas. Los temas costumbristas, las fiestas aldeanas, las bodas, son frecuentemente tratados, y en ellos el optimismo y la alegría son característicos. En los bodegones, en las naturalezas muertas, son características las grandes piezas de caza, la abundancia de alimentos y frutas En los Países Bajos, la zona de la actual Holanda, independiente de hecho desde principios del S. XVII, reconocida por la Paz de Westfalia de 1640, y defensora de los ideales religiosos reformistas, va a generar una escuela pictórica independiente propiciada por la estructura social democrático- burguesa y por la religiosidad protestante. El desarrollo del protestantismo, provoca la casi total desaparición de los imágenes, reduciendo el tema religioso a la representación escasa de escenas bíblicas. La Iglesia protestante prohibía el arte de orientación católica, pero sin dirigir el arte. Se concedió al artista mayor libertad pero las historias bíblicas no son muy representadas. Se prefiere representar la vida real y cotidiana, el cuadro de costumbres, el retrato, el paisaje, el bodegón, el cuadro de interior y la arquitectura. La burguesía, se va a convertir en el cliente de una pintura en la que el artista, no va a disfrutar del reconocimiento social que disfruta en otras zonas de la Europa Barroca, las obras destinadas a decorar las dependencias burguesas, van a ser de escaso tamaño a la vez que el número de obras que se realizan en este periodo será muy abundante. Además del retrato, individual y colectivo, los interiores burgueses o escenas domésticas, las escenas costumbristas, los paisajes, las representaciones de animales, las marinas y los bodegones serán los géneros predominantes. AUTORES: Frans Hals ( ), Rembrandt Van Rijn ( ) AUTORES: Pedro Pablo Rubens ( ) Es sin duda el pintor más importante de esta escuela, en su pintura confluyen la tradición realista flamenca y las influencias italianas, entre sus características más importantes podemos destacar: Dinamismo y vitalidad. Composiciones abiertas y predominio de las líneas diagonales y curvas. Rico colorido de influencia veneciana. Pincelada suelta y rápida. Sensualidad y voluptuosidad. Predominio del desnudo femenino y de las formas gruesas femeninas. Gran variedad de temas: religioso, mitológico, retratos, paisajes... Pintor muy prolífico, se le han llegado a atribuir más de tres mil obras, aunque actualmente se le atribuyen una gran parte de ella a su taller. Composiciones en diagonal, espiral, curvas y contracurvas. Estudio de luces y sombras. Claroscuro ambiental intimista. Luces doradas. Realismo. Color de tonalidades doradas. Pincelada muy suelta: llega a la desintegración de la forma mediante el tratamiento de la pasta pictórica. No representa el espacio. Temas: Históricos, mitológicos, religiosos, paisaje, naturaleza muerta, retratos, de género: todos tratados de una manera íntima y personal del hombre de la Reforma. Grabados. Su evolución pictórica sigue paralela a su vida, en un primer momento el éxito le sonríe, tiene grandes ingresos, es aceptado en los más altos círculos sociales, se casa con una joven de la alta burguesía local; en 1642, pintó la Ronda de Noche, el cuadro no agradó y el desacuerdo entre su estilo y el gusto estético de sus contemporáneos fue total, además coincide este momento con la muerte de su esposa Saskia, su relación con Hendrikje Stoffels, niñera de su hijo Tito, de condición social humilde y con la que pudo contraer matrimonio, por el testamento de Saskia, no es aceptada por la puritana sociedad holandesa, este rechazo social se suma a la ruina en sus negocios, su vejez sombría y en la ruina, se vio agravada con la soledad tras la muerte de su hijo y de Hendrikje. 16

17 Pedro Pablo Rubens ( ) Las tres Gracias Óleo sobre madera. Rapto de las hermanas de Leucipo óleo sobre tabla. Descendimiento (1634). Óleo sobre tabla TEMA: TEMA: TEMA: COMPOSICIÓN COMPOSICIÓN COMPOSICIÓN 17

18 Rembrandt Van Rijn ( ) La ronda de noche (1642), óleo sobre lienzo, 363 x 437 cm Rijksmuseum, Amsterdam La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp óleo sobre lienzo, 169,5 x 216,5 cm Mauritshuis, The Hague Cena en Emaús Óleo sobre lienzo,42 x 60 cm Musée du Louvre, Paris TEMA: TEMA: TEMA: COMPOSICIÓN COMPOSICIÓN COMPOSICIÓN 18

19 9.2.LA PINTURA BARROCA ESPAÑOLA: RIBERA Y VELÁZQUEZ La pintura española del siglo XVII corresponde con un momento de esplendor artístico tanto por la calidad de las obras como por la cantidad de autores. Este hecho hace que este periodo de se le conozca con el nombre de SIGLO DE ORO. Unos autores cuya influencia llegará no sólo a otros autores coetáneos sino a autores contemporáneos, ya que verán en estos artistas unos grandes referentes. TEMAS: Predominio de la temática religiosa (RELACIÓN ENTRE LA MONARQUÍA ESPAÑOLA Y LA CONTRARREFORMA CATÓLICA). La pintura de género se da en contadas ocasiones y la mitológica a veces se emplea para decorar los palacios. Más acogida tuvo el bodegón creando un estilo español propio y el retrato que fue muy demandado sobre todo por la corte. GRAN EVOLUCIÓN: a) En la primera mitad del siglo XVII se impone el naturalismo tenebrista, tratando de imitar a Caravaggio, utilizando modelos del natural e iluminándolos con fuertes claroscuros. b) En la segunda mitad del XVII, las modas cambian y se impone el gusto de Rubens y de Tiziano, lo que se ha llamado el realismo naturalista. Se mezcla así lo grandioso y vibrante de Rubens con la pincelada desecha y el fuerte colorido de Tiziano Gusto por los efectos lumínicos. Son frecuentes los viajes de pintores españoles a Italia, llegan muchos pintores italianos y flamencos a pintar en los palacios e iglesias españolas y la Corte compra muchos cuadros en el mercado internacional para las colecciones de los palacios. 19

20 JOSÉ RIBERA (XÀTIVA VALÈNCIA NÁPOLES 1652) El mejor exponente de la corriente tenebrista española fue José de Ribera, nacido en Xàtiva (València) Establecido en Italia desde1611, recibió el apodo de Il Spagnoleto, nunca más volvería a España, instalándose definitivamente en Nápoles en Quizá pudo haber trabajado en el taller valenciano de Ribalta, pero su obra se desarrolla plenamente en Italia. El naturalismo temático de Ribera se centra en la pintura de personajes ancianos, mendigos, santos, pero siempre pintados con una gran dignidad, sin exacerbar el sentido cruel o morboso, demostrando un perfecto dominio de lo anatómico. MARTIRIO DE SAN BARTOLOMÉO SAN FELIPE EL PATIZAMBO TEMA RELIGIOSO. El martirio de San Andrés es un tema copiado de Caravaggio con la composición y el tenebrismo muy parecidos, colores sombríos que muestran el naturalismo recreándose en la textura de la piel y las manos con arrugas. También es de Caravaggio el uso de la diagonal y el punto de vista bajo. Los cinco sentidos, y cuadros mitológicos como Tizio e Ixion, también están dentro del tenebrismo. 20

21 DIEGO RODRÍGUEZ DE SILVA Y VELÁZQUEZ ( ) Diego Rodríguez de Silva y Velázquez nace en Sevilla en Es el gran maestro de la pintura española. El máximo representante del Siglo de Oro español. Un autor referente para muchos artistas contemporáneos que vieron en Velázquez un referente para sus obras. Su obra experimenta una gran evolución ya que se corresponde con las diferentes etapas de su vida: VIEJA FRIENDO HUEVOS. VELÁZQUEZ ETAPA SEVILLANA ( ). Desde muy joven entra de aprendiz en los talleres de Herrera el Viejo, pero por incompatibilidad con el carácter del maestro, pasa al taller de Francisco Pacheco, que era un intelectual de la pintura. Este aire intelectual de Pacheco creará un interés intelectual también en Velázquez. CARACTERÍSTICAS DE ESTA ETAPA Representa escenas de la vida cotidiana, presta gran atención a los detalles realistas y muestra ya su gran poder de observación retratando personas y cosas. Muy influenciado por las teorías de Pacheco, basadas en el dibujo, se forma en el tenebrismo influenciado por Caravaggio y en el naturalismo. Tiene predilección por temas de género donde pinta personajes populares de baja condición de Sevilla y tema religioso con fuerte humanización. Ya se ve un claro dominio del dibujo, de la luz y de la técnica de calidades. Suele utilizar los primeros planos TEMA: ESCENA COSTUMBRISTA. En primer plano vemos a una anciana cocinando unos huevos en un hornillo de barro cocido, junto a un muchacho que porta un melón de invierno y una frasca de vino. Ambas figuras se recortan sobre un fondo neutro, empleado para destacar aun más los contrastes entre la luz y la sombra, OTROS ASPECTOS A SEÑALAR: Naturalismo tenebrista. INSERTA OTROS TEMAS ( BODEGONES EN LA DERECHA) GRAN REALISMO JUEGO DE LUCES Y SOMBRAS Luz tenebrista que ilumina las figuras GRAN DETALLE 21