EL RENACIMIENTO EN ESPAÑA

Transcripción

1 EL RENACIMIENTO EN ESPAÑA 1. CONTEXTO HISTÓRICO Este periodo corresponde al reinado de los Reyes Católicos y de los llamados Austrias Mayores : reinado de Carlos I y de Felipe II. Entre los acontecimientos más destacados: el descubrimiento de América y el final de la Reconquista, con la toma de Granada (1492). Las guerras de religión contra los protestantes y los turcos (victoria de Lepanto, 1571). 2. CONTEXTO ARTÍSTICO Llegan a España los modelos que triunfan en la arquitectura civil y religiosa, desde Florencia y Roma. Así como los textos y manuales de Serlio, Palladio y Vignola. A. LA ARQUITECTURA Destacan las siguientes influencias y características: - Plateresco: inluencia del gótico isabelino en las llamadas fachadas retablos, con profusión decorativa, como la de la Universidad de Salamanca, (Fig. 1). Este término fue empleado por Diego Ortiz de Zuñiga en 1677, para describir la decoración de los edificios hispalenses por su semejanza con la labor de los orfebres: Ayuntamiento de Sevilla (Diego de Riaño, 1527). Tradición mudéjar : edificios útiles, cómodos y baratos con los tradicionales, así como en el uso de materiales como el ladrillo, la madera y el yeso. - Estilo Romano: influenciado por el Renacimiento italiano. Lo primero que se conocerá en España serán los repertorios decorativos, la labor de candelieri y grutescos. Rosenthal destaca la influencia del modelo de los martirya paleocristianos en la obra de Diego de Siloé: catedral de Granada, así como el empleo el cimacio de Brunelleschi, sobre los capiteles de orden compuesto, en las galerías de la catedral. - Estilo Purista: Sigue la influencia de la arquitectura del Cinquecento y de la obra de Bramante, así mismo se inspira en modelos como la superposición de órdenes: Palacio de Carlos V, en la Alhambra de Granada, de Pedro Machuca (1527). (Fig. 2) 1

2 - Estilo Herreriano: Se observa la influencia de los dictados del Concilio de Trento en la sobriedad de su composición, su funcionalidad y simetría. La arquitectura pasa al estar al servicio de la religión. Y del poder político, homenaje simbólico a la dinastía de los Habsburgo. Principal obra será el Monasterio de San Lorenzo, en el Escorial, proyecto de Juan Bautista de Toledo y finalizado por Juan de Herrera. Tiene triple funcionalidad: panteón de reyes, palacio e iglesia-monasterio. Empleo de nuevos materiales como el granito y elementos decorativos como los remates en pirámides y bolas. B. ESCULTURA: En este periodo de la escultura renacentista se impone completamente el clasicismo desapareciendo lo que quedaba de gótico. Pero más que escultura renacentista se debe hablar ya de Manierismo. El principal centro artístico es Valladolid. Alonso Berruguete: hijo del pintor Pedro Berruguete, se formó en Italia. Se aprecia en su obra una gran influencia de artistas italianos, como Donatello y Miguel Ángel, pero aún así crea un estilo propio con acusado alargamiento de las figuras, expresión de angustia y posiciones inestables. Sus mejores obras son: Retablo de San Benito en Valladolid: Poseía relieves, pinturas y exentas. El retablo consta de: el Martirio de San Sebastián, San Cristóbal y el Sacrificio de Isaac. (Fig. 4) San Sebastián aparece adherido a un tronco sinuoso, al cual se adapta la figura. Es un claro ejemplo de la postura inestable típica de las figuras de Berruguete. Muestra un rostro de angustia por el martirio y se aprecia un buen estudio del desnudo. En el Sacrificio de Isaac apreciamos la influencia de Lacoonte, con gran expresión trágica en los rostros. Sepulcro del Cardenal Tavera en Toledo: sepulcro exento que muestra al Cardenal yaciente. Su rostro está muy bien representado y muy logrado en comparación con la realidad. La decoración es la típica renacentista. Juan de Juni: recibe influencias de artistas del quattrocento y cinquecento italianos (por ejemplo, de Jacopo della Quercia y Miguel Ángel). Juni esculpe sus figuras con volúmenes rotundos. 2

3 El Santo Entierro: composición bien ordenada. San Juan y la Virgen están en el centro y a los lados dos figuras que actúan de paréntesis. Cristo se encuentra yaciente. Se refleja un sentimiento patético, de gran dolor físico y espiritual, que lo expresa en los rostros y en los gestos. (Fig. 5) Familia Leoni: Leon y Pompeo. Carlos V dominando el furor: Se trata de un bronce dorado. Bajo la figura de Carlos V se encuentra el enemigo sometido. Pretende ensalzar el poder del emperador. (Fig. 6). Estatuas de Carlos V y Felipe II en la iglesia de El Escorial: Aparecen en posición orante y acompañados de sus esposas. C. PINTURA El Greco ( ) fue un pintor poco valorado hasta fines del siglo XIX, fecha en que los modernistas y la generación del 98 se interesaron por él y por su obra. Su conocimiento lo inició Francisco San Román que estuvo en contacto con la Institución de Libre Enseñanza, donde el estudio del arte español y realizado en España fue uno de los pilares de su planteamiento historiográfico. (Fig.6) El Greco nació en el año 1541 en Creta (que pertenecía a la república de Venecia) y allí recibe su primera formación y la influencia del arte bizantino, en especial el mosaico, de donde tomara su alto sentido de la religiosidad y la simetría de sus composiciones, que durará toda su vida. Etapa italiana de El Greco Cuando era aún joven viaja a Venecia para seguir formándose. Allí encuentra en su máximo esplendor la Escuela de Venecia del Cinquecento (Tiziano y Tintoretto). El Greco aprenderá de ellos el uso de colores cálidos y la importancia de la luz. En 1572 el Greco aparece como alumno de Tiziano, nada más llegar a Venecia. Pero en Venecia no encuentra fortuna porque hay pintores que le eclipsan, como el propio Tiziano, Tintoretto, Veronés, etc. Posteriormente viajó a Roma. Allí aprenderá y recibirá importantes influencias del propio Miguel Ángel, aunque aquí tampoco triunfará porque los pintores que son demandados en Roma son los discípulos directos de Miguel Ángel. 3

4 Sin embargo, en Italia llegó a pintar algunas obras, que le llevarán a su propio estilo definitivo, como El dulce nombre de Cristo y La Última Cena donde se representa la escena en una mesa circular que parece que se va a caer lo que hay sobre ella. El Greco adopta en este cuadro un punto de vista bajísimo y línea del horizonte alta. Expulsión de los mercaderes del templo. Hay 4 versiones. Expulsión de los mercaderes del templo. Es la primera versión. Momento en que Cristo entra en el templo y los expulsa. La historia se comprime: hay menos fondo que en el anterior. El eje es la figura de Cristo y a sus lados se equilibran dos grupos. Hay aspectos que cierran la composición en los vértices (típico de Venecia): figura del chico que recoge las monedas, figura femenina, personajes encontrados... La composición es muy dinámica. Expulsión de los mercaderes. Más amplia. Vendedora de palomas, figuras encontradas... Retrato. En este género, parece que el Greco sí que tuvo algún éxito. Retrato de Julio Clovio. Es una pintura a la manera veneciana. Existe una parte abierta y luego el personaje en tres cuartos. Intenta identificarlo con su profesión: pintor y miniaturista (muestra un libro). El Greco y Toledo El Greco Se va haciendo un hueco entre los círculos artísticos. Se relaciona mucho con Diego de Covarrubias, quien le comunica que Felipe II está buscando pintores y artistas para la decoración del Monasterio de El Escorial. También tiene un amigo en Toledo que le encarga un proyecto para un convento. Así, en 1577, el Greco llega a Toledo. Fue en Toledo donde el Greco encontró su mayor esplendor. Aquí encuentra su personalidad verdadera y da rienda suelta a su arte, realizando sus obras más interesantes. El Greco pintará en España preferentemente temas religiosos, algunos mitológicos y retratos. Anunciación: Algunos estudiosos piensan que este cuadro vino pintado desde Italia, por poseer algunos elementos de la pintura italiana contemporánea, como el fondo abierto, los tonos dorados... Otros piensan que es una obra, al menos, acabada en Toledo por la similitud de la Virgen con las obras españolas. 4

5 Decoración del altar de la Sacristía de la Catedral de Toledo: El Expolio.(Fig.6) Representa uno de los momentos de la Pasión: cuando se desnuda a Jesús. De nuevo, Cristo aparece como víctima de las pasiones humanas, con fuerte dramatismo e interés por lo humano. Se aprecia la influencia veneciana en el color rojo intenso de la túnica de Cristo y en la representación de las calidades: telas, armadura., etc. Se aprecia ya un alargamiento de las figuras propias de su personal manierismo. Las anatomías, en ocasiones, son desproporcionadas. El Greco muestra el agobio de falta espacio prescindiendo casi del paisaje. Es un cuadro con composición bastante simétrica y un magnífico estudio de la luz (por ejemplo, se aprecia cómo penetra la luz entre la mano y la túnica de Cristo). La figura de Cristo forma una elipse. Es representado con diferentes puntos de referencia: Martirio de San Mauricio y la Legión Tebana: (Fig. 7) El Greco pinta un martirio donde el santo no aparece. Sí se pintan diferentes personajes de Toledo: Alonso de Covarrubias, el médico del rey, etc. En este cuadro ya rompe con su tradición italiana. Felipe II debió quedar horrorizado con esta obra, por lo que El Greco fracasa en su intento de convertirse en el pintor de la Corte. Es un encargo para la Iglesia de Santo Tomé porque el retablo acababa de quemarse. El Greco, libre de la presión de tener que gustar a Felipe II, busca el tema en la historia local. En la parte inferior representa el momento milagroso en que el Conde Orgaz iba a ser enterrado y aparecen San Esteban y San Agustín que lo cogen para enterrarlo. El Greco representa a los que presencian tal milagro sin asombrarse. Todos son retratos de personajes importantes del momento, entre ellos está su propio hijo que mira al espectador y señala el milagro. Normalmente, la fila de cabezas rompería la composición al modo de los mosaicos bizantinos. Pero El Greco utiliza el semicírculo formado por dos figuras orientadas hacia el espectador, las de San Esteban y San Agustín portando el cuerpo. El grupo de detrás también aparece ordenado en un semicírculo formado por la capa del ángel. 5

6 En esta pintura también entra en juego la importancia de luz. Por ello, las figuras, a pesar de estar a la misma altura no aparecen como límite, sino como símbolo de expresión de un juego dinámico. La composición es simétrica con agobio espacia, donde no hay paisajes. La expresión de los rostros es acorde con los gestos. La influencia veneciana se aprecia en el color y las calidades de los objetos. El Greco muestra una técnica pictórica extraordinaria, como se aprecia en la dureza de la armadura, la juventud de San Esteban y la vejez de San Agustín. De hecho sorprende el magnífico contraste del rostro viejo y demacrado, pero con vida, de San Agustín, y del muerto, con su lividez y quietud. En la parte superior el Greco muestra La Gloria. Aparecen figuras más alargadas, rodeadas de nubes oscuras. Estas figuras, que representa a Cristo y a la Virgen (sedentes), San Juan, San Pedro (llaves), a Felipe II., etc. Parecen estar verdaderamente flotando o volando. Toledo: Etapa de oscuridad de El Greco El Greco también pintó retratos: El Caballero de la mano en el pecho: Se trata de un personaje típico de la época. El Greco lo pinta muy misterioso, hasta el punto que no sabemos si nos quiere decir algo o nos oculta algún secreto. Su base también son elementos geométricos: no ya el semicírculo, sino los triángulos que forman su cuerpo, su cara, la barba, el cuello, el puño de la espada, la mano, las entradas del cabello... El caballero de la mano en el pecho tiene el encanto añadido de ser un retrato de un personaje desconocido. Otros retratos de El greco son: Entre los años 1596 y 1603 parece que El Greco se libera de esa crisis de oscuridad anterior. Empieza a hacer referencia a la infancia En esta etapa pinta: Paisaje de Laocoonte.(Fig.9) Escorzos. Además de Laooconte y sus hijos, pinta una pareja desnuda, como signo del pecado original. Los cuerpos se desmadejan en línea descendente. 6

7 Fig. 1 Fig. 2 7

8 Fig. 3 Fig.4 8

9 Fig.5 Fig.7 9

10 Fig.8 Fig.9 10