LA MÚSICA BARROCA El Barroco es el periodo artístico que va desde 1600 hasta 1750. Está encuadrado entre el Renacimiento y el Clasicismo. Los hechos musicales que encuadran esta etapa son la creación de la primera ópera Orfeo del italiano Claudio Monteverdi (1607) y la muerte de Johann Sebastian Bach (1750), que será el genio indiscutible de esta época. CONTEXTO HISTÓRICO Las monarquías absolutas dominan el panorama político de una Europa que está sumida en un continuo de luchas políticas y guerras. El poder sigue estando en manos de la aristocracia y de la Iglesia que quieren mostrar su autoridad organizando grandes espectáculos en los que la música siempre estará presente. Se convierten, para ello, en mecenas de los mejores artistas, los cuales trabajarán en sus grandes cortes y palacios. La música estará al servicio de las grandes monarquías europeas, la aristocracia y la iglesia, que la utilizarán como una manifestación más de su poder. El papel del músico se reduce al de un sirviente de su protector. CONTEXTO CULTURAL El Barroco es una época de gran fecundidad para el mundo de la cultura, el arte y la ciencia. En esta época se darán cita personajes importantes en el mundo de la literatura como Lope de Vega, Calderón, Racine o Molière; en la pintura contaremos con artistas como Velázquez, Murillo, Rubens o Rembrant. La ciencia de esta época experimenta cambios muy importantes. Descartes pone los cimientos del método científico, que da más importancia a la experimentación. Destacan científicos como Galileo Galilei, Torricelli o Newton. El hombre barroco no persigue la belleza, tal y como se había hecho en el Renacimiento, sino que fundamenta su pensamiento en torno a dos aspectos opuestos: la RAZÓN y el SENTIMIENTO. La razón en cuanto que intentan buscar la lógica y el lado científico de todo. El arte barroco busca la expresión de sentimientos, el sentido del movimiento y los contrastes, el gusto por el detalle y la ornamentación. La palabra Barroco significa recargado, excesivo o adornado, por lo que es común encontrar obras de arte en las que no queda ni un espacio que rellenar. A esto se le conoce con el nombre de Horror Vacui (miedo al vacío). CONTEXTO MUSICAL El barroco es uno de los periodos más revolucionarios de la historia de la música. Nace la orquesta, las grandes formas instrumentales y vocales. Se establece el uso de la tonalidad y de la armonía. Surgen los primeros intérpretes virtuosos y los primeros grandes compositores. Pero además, se van a crear nuevas técnicas para poder expresar de la mejor manera posible los sentimientos (monodia acompañada, contrastes tímbricos, uso de dinámicas,...). La ópera será el género que más desarrolle la expresión de los sentimientos.
COMPOSITORES DEL BARROCO Época Italia Inglaterra Francia Alemania España PRIMER BARROCO BARROCO MEDIO BARROCO TARDÍO - C. Monteverdi - Jacopo Peri - G. Frescobaldi - D. Scarlatti - A. Vivaldi - A. Corelli - T. Albinoni - Henry Purcell - Jean-B. Lully - M. Charpentier - F. Couperin - J.P. Rameau - M. Praetorius - J.S. Bach -G.F. Händel - G.P. Telemann - Gaspar Sanz - Antonio Soler CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA BARROCA Nacimiento del sistema tonal. Durante la Edad Media y el Renacimiento la música se basaba en un sistema modal que se abandona en el Barroco y es sustituido por la tonalidad. La tonalidad se basa en dos escalas, la escala mayor y la escala menor. Dentro de estas escalas cada nota tiene una función determinada. Las más importantes son la tónica (I) y la dominante (V). Desde este momento, este sistema tonal será la base de la música occidental hasta el siglo XX. Bajo continuo. Durante el Renacimiento la textura más utilizada era la contrapuntística, realizada mediante diferentes voces independientes que suenan simultáneamente. En el Barroco se prefiere una textura de melodía acompañada mediante un bajo continuo. El bajo continuo es la textura característica del barroco, es una técnica musical de acompañamiento que consiste en una melodía grave (bajo) sobre la que se realizaban una serie de acordes. Consiste en escribir solamente la línea de bajo con una serie de pequeños números (cifrado) que indican los acordes. Generalmente, el bajo continuo es ejecutado por un instrumento de teclas (clavicémbalo, órgano, clave, laúd, arpa) que improvisa las armonías y un instrumento grave (viola de gamba, un violonchelo, contrabajo, o un fagot) que ejecutan solamente la línea escrita de bajo. Nacimiento del estilo concertato y el uso del contraste. Consiste en la utilización de los distintos planos sonoros y timbres que pueden obtenerse de una orquesta. Se produce una contraposición entre todos los instrumentos (tutti), un pequeño grupo (concertino), el solista (solo) o el coro. Este contraste también se utilizará utilizando movimientos rápidos y lentos, o alternando dinámicas extremas (forte y piano). Definición clara del ritmo. A lo largo del siglo XVII se generalizó la escritura de la música utilizando compases. Aparece así el concepto de compás como sucesión de tiempos fuertes y débiles.
LA MÚSICA VOCAL PROFANA A principios del Barroco se mantienen algunas formas vocales renacentistas como el madrigal. Los nuevos madrigales del barroco están compuestos mediante la monodia acompañada e intentando conmover al oyente. Ejemplo de ello es el Libro V de madrigales de Claudio Monteverdi (1605). Al mismo tiempo, aparece una forma vocal profana que será la más característica de esta época: la ópera. El nacimiento de la ópera A finales del siglo XVI, en Florencia surge un grupo de artistas e intelectuales que trabajarán financiados por el conde Bardi. A este grupo se le conocerá como La Camerata Fiorentina. Estos artistas están en contra del desarrollo polifónico que habían alcanzado las composiciones del Renacimiento, que por su complejidad, perdían la esencia principal que debe cumplir la música, que no es otra que la de conmover al oyente y hacer brotar en él todo tipo de sentimientos. Van a llevar a cabo un trabajo de investigación, intentando retomar las raíces de la música griega. Llegan a la conclusión de que en Grecia la música era monódica y con un acompañamiento instrumental; esta música estaba cargada de una gran expresividad. Basándose en estos principios nacerá la técnica de la monodía acompañada, que será la base fundamental de la ópera posterior. Los artistas de la Camerata buscaban un género capaz de abarcar todas las formas artísticas posibles y por ello denominarán a la ópera como la obra de arte total, ya que va a reunir en una sola forma a las distintas artes: poesía, música, teatro, danza,... La ópera se convirtió en el género más representativo de la época, ya que lograba una gran expresividad gracias a la unión ideal entre música y palabra; se consolidará como uno de las formas con más protagonismo a lo largo de los posteriores siglos. La primera ópera conservada es Euridice de Jacobo Peri estrenada en 1600. Pero será en 1607 cuando C. Monteverdi cree Orfeo, que se confirmará como la primera gran ópera debido a que va a cumplir con todos los requisitos tanto técnicos como estructurales de la ópera que se desarrollará en años posteriores. Esta obra, será tomada como referencia por todos los compositores que le sucederán. Además, el propio Monteverdi, creará otras óperas que alcanzarán una gran fama como La coronación de Popea y El retorno de Ulises. Partes de la ópera La ópera es una forma vocal que consiste en una representación escénica cantada, en la que se unen al canto la música instrumental, un argumento, el gesto dramático y la danza. En la ópera se pueden distinguir las siguientes partes: OBERTURA: Es la parte inicial de una ópera. Es instrumental. Normalmente es breve y sirve como introducción a la ópera. RECITATIVOS: Son partes cantadas por solistas con un texto casi declamado y sin adornos. Se utiliza para pasajes que requieren un desarrollo más ágil de la acción. Existen dos tipos de recitativo: Secco (acompañamiento sólo de bajo continuo) o Acompagnato (con acompañamiento de orquesta). ARIAS: Son las partes más importantes y más vistosas de la ópera. Realizadas por solistas con acompañamiento instrumental. La acción se para y el cantante expresa sus sentimientos por medio del lucimiento de su voz. Es el máximo exponente de la monodia acompañada. COROS: Son fragmentos en los que canta un numeroso grupo de personajes. INTERLUDIOS: Partes instrumentales que se intercalan entre todos los fragmentos anteriores. También se denominaron ritornellos. Además de estos apartados, en la ópera también puede haber dúos, tríos,...
Tipos de óperas Podemos distinguir dos grandes tipos de ópera: ÓPERA SERIA: Basada en argumentos mitológicos y heroicos. Es el primer tipo de ópera que va a existir y será el preferido por la aristocracia debido a su refinamiento. Tendrá un gran desarrollo en Italia, su país de origen. Es muy compleja debido a sus argumentos y a su gran despliegue técnico. A este tipo pertenece la primera ópera: Orfeo de Monteverdi. ÓPERA BUFA: Es posterior a la seria. Los argumentos son cotidianos y fáciles de entender. El despliegue de medios de este género no es demasiado grande, se convertirá en la ópera preferida del pueblo, ya que además de ser más asequible económicamente y más fácil de entender para todo tipo de personas, era bastante típico que el argumento fuese una crítica social hacia las clases poderosas. La primera ópera de este tipo fue escrita por un autor italiano llamado G.B. Pergolesi, titulada La Serva Padrona en 1733. Además, podemos distinguir las diferencias territoriales que fue adquiriendo la ópera en los distintos territorios en los que se desarrollaba: FRANCIA: Se llamará Tragidie Lyrique. Las características principales serán la introducción del ballet dentro del espectáculo y el gran despliegue de medios que utilizarán los franceses en sus creaciones. El compositor más importante será J. B. Lully. INGLATERRA: Sienta sus bases con la obra de H. Purcell Dido y Eneas estrenada en el año 1689. ALEMANIA: Aunque también van a desarrollar ópera seria, hay un género que parte de la ópera bufa italiana y que alcanzará un gran desarrollo: el Singspiel. ESPAÑA: Se creará un género que se denominará Zarzuela y cuya característica más significativa será la sucesión de partes cantadas y habladas. Los castrati Eran cantantes masculinos castrados antes de la pubertad para evitar el cambio de la voz, mantenían un timbre agudo y cristalino con la capacidad torácica de un hombre adulto, que les permitía obtener un virtuosismo técnico y una potencia vocal extraordinaria. Al principio fueron utilizados para cantar las partes agudas de la música religiosa, pero desde comienzos del siglo XVII y hasta finales del siglo XVIII se convirtieron en los principales protagonistas de la ópera seria.
MÚSICA VOCAL RELIGIOSA La música religiosa seguirá teniendo un gran peso durante el Barroco. La iglesia protestante sigue teniendo el coral como su forma más representativa, y la iglesia católica continúa cultivando el motete y la misa. Sin embargo, surgirán nuevas formas religiosas como la cantata, el oratorio y la pasión, que imitarán la grandiosidad de la ópera profana. El oratorio Es una especie de ópera de tema religioso pero sin representación escénica. También está compuesta para orquesta, coro y solistas y formada por la sucesión de recitativos, arias y coros. Narra textos del Antiguo y Nuevo Testamento. Los compositores más representativos de esta forma son G.F. Haendel cuyo oratorio más famoso es El Mesías y J.S. Bach con el Oratorio de Navidad La pasión Es un oratorio que narra el tema de la pasión y muerte de Cristo de los Evangelios. Por tanto está compuesta para orquesta, coro y solistas y se estructura en recitativos, arias y coros. La figura del narrador es el evangelista que relata los acontecimientos en estilo recitativo y los personajes del evangelio son interpretados por solistas que interpretan arias. El compositor más destacado es J. S. Bach con dos de sus obras más importantes: la Pasión según San Juan y la Pasión según San Mateo. La cantata La palabra cantata significa música para cantar. Es una forma similar al oratorio, escrita para orquesta, coro y solista y formada por la sucesión de recitativos y arias pero de menor duración y sin acción dramática. Los compositores más representativos de esta forma son Telemann y Johann Sebastian Bach con más de 200 cantatas religiosas (Cantata 147 Jesús alegría de los hombres)
LA MÚSICA INSTRUMENTAL La música instrumental en el Barroco logra la total autonomía que había empezado en el Renacimiento. En este desarrollo, desempeñarán un papel decisivo la evolución técnica de los instrumentos y el nacimiento de la orquesta como grupo organizado. Los intérpretes se especializan debido a la complejidad que irá adquiriendo este tipo de música, surgiendo la figura del virtuoso. Algunos instrumentos muy utilizados durante el Renacimiento (como los cromornes) desaparecen. Otros evolucionan hacia instrumentos más perfeccionados, por ejemplo las chirimías, que serán el origen del oboe. Y se desarrolla un instrumento que durante el Renacimiento no se había considerado demasiado: el violín, con toda su familia (viola, violonchelo y contrabajo). El perfeccionamiento de los instrumentos fue posible gracias a la exigencia de los intérpretes para mostrar su virtuosismo y al trabajo de los primeros grandes luthiers o constructores de instrumentos, especialmente de cuerda. Los más famosos fueron las familias Amati, Guarneri y Stradivari que vivieron en la ciudad italiana de Cremona. Sus violines se consideran excepcionales y son muy apreciados todavía en nuestros días. Podemos hablar de tres formas musicales dependiendo de las agrupaciones instrumentales que los interpreten: MÚSICA PARA INSTRUMENTOS SOLISTAS: los compositores empezaron a escribir pensando específicamente en un instrumento concreto, que elegían por sus cualidades técnicas y su timbre. Las piezas para instrumentos solistas permitían al intérprete hacer gala de un gran virtuosismo, luciendo su habilidad técnica y su expresividad musical. Dentro de los instrumentos solistas destacarán el órgano, el violín, el clave... MÚSICA DE CÁMARA: se denomina así a la música interpretada por dos o más instrumentistas sin llegar a ser un grupo numeroso. Es música de carácter íntimo destinada a ser interpretada en pequeñas salas. Será el género preferido por la nobleza. Normalmente, en este tipo de música, un instrumento realizará los acordes del bajo continuo, mientras que los otros se encargarán de las distintas melodías. MÚSICA PARA ORQUESTA: la orquesta es un conjunto de instrumentos de las tres familias. Hasta este momento no se indicaban los instrumentos que debían interpretar cada parte de la obra, ya que no había normas que regulasen el número y la composición de la orquesta, y la elección de los instrumentos dependía de las circunstancias y de las posibilidades del concierto. A partir del siglo XVII los compositores empezaron a especificar en la partitura guión cuántos y cuáles eran los instrumentos que debían interpretar cada parte; uno de los primeros fue Claudio Monteverdi, que indicó incluso la colocación de los mismos en su obra Orfeo. Música para instrumentos solistas Una de las formas más importantes de música para solistas será la FUGA. Forma para instrumentos de teclado, especialmente para órgano. Tiene un solo movimiento y textura contrapuntística basada en el uso continuo de la imitación. Autores como J.S.Bach la desarrollarán. La TOCATA es una forma típicamente barroca de composición muy libre y virtuosística, a veces parecida a una improvisación. Las tocatas, para órgano o clavecín, permitían a los músicos demostrar su dominio del teclado.
Música de cámara Dentro de la música de cámara aparece una nueva forma musical llamada SONATA. El significado de la palabra sonata es música para sonar (tocada por instrumentos). Esta forma se desarrolla en cuatro movimientos que contrastan en cuanto al tempo (lento-rápido-lento-rápido). La estructura de ésta fue establecida por A. Corelli. La sonata puede estar compuesta para un instrumento solista, un dúo o un trío, pero siempre con el acompañamiento del clave como bajo continuo. Música para orquesta LA SUITE: es una forma compuesta por la sucesión de danzas de distinto carácter y tempo (lentos y rápidos alternativamente). El número y la disposición de las danzas es variable. La suite tiene su origen en las danzas del Renacimiento, que ya se tocaban encadenadas procurando alternar las rápidas con las lentas. Las suites barrocas conservaron el carácter de danza pero ya no estaban pensadas para bailar. Aunque existen suites escritas para un solo instrumento, la forma se desarrollará más dentro de la música orquestal, siendo uno de los principales compositores J.S.Bach y G. F. Haendel con Música acuática y Música para los reales fuegos de artificio. EL CONCIERTO: el término deriva de la palabra concertare, que quiere decir contraponer cosas distintas. Es una forma compuesta normalmente de tres movimientos contrapuestos en cuanto al tempo. Rápido Lento - Rápido Según como intervengan los instrumentos el concierto puede ser: Concerto grosso: en el que se establece un contraste entre un grupo de solistas (concertino) y el resto de la orquesta (tutti), que van alternándose en la interpretación de la obra. Destacan los Seis Concerti Grossi de Haendel o los Conciertos de Brandenburgo de J.S.Bach. Concerto a solo: compuesto para un solo instrumento solista que contrasta con la orquesta. Podemos destacar a A.Vivaldi, al que se le atribuyen más de 300 conciertos para solista, como las Cuatro Estaciones, compuesto para violín.
LA DANZA EN EL BARROCO La aristocracia europea sentía pasión por el lujo y las grandes fiestas. Para celebrar cualquier acontecimiento, organizaban festines en los que la música y la danza siempre estaban presentes. En el año 1700, un importante maestro de baile, llamado Feuillet, creó el primer sistema de notación de danza de la historia. Gracias a este hecho, se conservan más de 350 coreografías de salón y teatro. La danza, poco a poco, fue adquiriendo una reglamentación que dará lugar a la DANZA CLÁSICA. Bajo el reinado de Luis XIV (1643-1715) el ballet inicia su época dorada con la creación del Ballet de cour. Era una obra teatral bailada que comenzaba con una obertura instrumental y terminaba con una grand ballet en el que participaba el propio rey. El desarrollo dramático consistía en una serie de escenas en las que mezclaba el canto y la danza, interpretados ya exclusivamente por profesionales. El músico más importante de la corte fue J.B. Lully, cuyos ballets causaban sensación en la corte francesa. Las danzas que se bailaban en los salones europeos seguían siendo básicamente las mismas que se habían dado a lo largo del Renacimiento (pavana, gallarda, branle,...). Pero a partir de 1600 surgirá una nueva danza que se convertirá en la protagonista del periodo: EL MINUÉ. Como casi todas las danzas, tiene un origen popular, ya que proviene de un balie de campesinos de la región francesa de Poitou. Era una danza tranquila escrita en compás ternario. Se bailaba por parejas que salían al centro del salón saludándose ceremoniosamente. A medida que evolucionaba la coreografía las parejas iban intercambiándose. Los movimientos eran muy sobrios y refinados, manteniendo siempre el cuerpo muy erguido, y los bailarines se desplazaban de izquierda a derecha y de adelante hacia atrás creando una trayectoria en forma de Z.