OPCIÓN A. Departamento de Economía Financiera y Contabilidad de Melilla

Transcripción

1 HISTORIA DE LA MÚSICA II

2 OPCIÓN A 1. Comentario y análisis de una obra o fragmento musical con la ayuda de audición y partitura. Total de la pregunta: 4 puntos Las audiciones se reproducirán dos veces según se indica en las instrucciones. Las dos veces, la audición de OPCIÓN A se escuchará en primer lugar. Asimismo, utilice la partitura identificada como OPCIÓN A. 1.a. Descripción de los siguientes elementos musicales utilizando terminología específica. Valoración: Hasta 2 puntos Ritmo: a. Tipo de ritmo (0,125): ritmo cuaternario de subdivisión binaria. b. Compás (0,125): 4/4, representado por su símbolo. Se necesitan 4 negras para completar un compás. c. Tempo (0,125): Allegro, rápido. d. Otras observaciones de interés (0,125): ritmo regular y marcado apoyado en el acompañamiento de la mano izquierda, lo que genera una mayor fluidez a toda la primera parte de la partitura. Melodía: a. Tipo de melodía (0,25): Hay una combinación de saltos y grados conjuntos en las escalas. b. Otras observaciones de interés (0,25): la melodía es el elemento de mayor importancia en esta audición y destaca por su sencillez y naturalidad, por lo cual se conoce esta obra con el sobrenombre de sonata fácil. Las melodías expresan ideas musicales que se expresan de forma contrastante, enfatizando más en la sencillez y la expresividad, características principales del clasicismo, etapa en la que la melodía se convierte en el elemento musical más importante de las obras musicales. 2

3 Textura: a. Tipo de textura (0,25): variada con predominio de melodía acompañada. b. Otras observaciones de interés (0,25): En este movimiento predomina una línea melódica clara sobre un acompañamiento armónico que comienza con un Bajo Alberti, utilizado en el tema principal de esta sonata y que es un tipo de acompañamiento característico del clasicismo. La obra está escrita en Do M como tonalidad principal, armonizada empleando los grados principales. Timbre: a. Tipo (0,25): piano. b. Otras observaciones de interés (0,25): El piano es una de las grandes aportaciones instrumentales del clasicismo y fue el encargado de sustituir al popular clave barroco. El nuevo instrumento destacaba por su mayor potencia sonora y su facilidad para realizar una mayor variedad de contrastes dinámicos. 1.b. Forma, género musical, período artístico y cronología, autor y título de la obra. Valoración: Hasta 2 puntos. Forma: a. Forma (0,25): Sonata b. Otras observaciones de interés (0,25): La estructura de esta obra sigue el siguiente esquema: EXPOSICIÓN desde el compás 1 al 28, escrita en Do M. Tema A - Puente - Tema B - Coda. DESARROLLO desde el compás 29 al 41, comienza en el tono de la dominante Sol m y va modulando. Tema C, elaborado con motivos que aparecen en la exposición. 3

4 REEXPOSICIÓN desde el compás 42 hasta el 73, comienza en Fa M para modular al tono principal Do M. Tema A - Puente - Tema B - Coda Género/s (0,5): Música instrumental. Periodo artístico (0,25): Clasicismo. Cronología (0,25): Segunda mitad del siglo XVIII, Título (0,25): Primer Movimiento: Allegro de la Sonata nº16 Fácile KV 545 para piano Autor (0,25): Wolfang Amadeus Mozart (Salzburgo, 1756 Viena, 1791). Fue un compositor y pianista austríaco, maestro del clasicismo, considerado como uno de los músicos más influyentes y destacados de la historia. Su obra abarca todos los géneros musicales de su época y alcanza más de seiscientas creaciones, en su mayoría reconocidas como piezas célebres de la música sinfónica, concertante, de cámara, para piano, operística y coral, logrando una popularidad y difusión universales. 2. Desarrollo de un tema teórico Tema: La música en el Barroco: suite, concerto y ópera. Total de la pregunta: 4 puntos 2.a. Situación del tema en su contexto histórico y social. Valoración: Hasta 1 puntos. Se utiliza el término Barroco (de contenido despectivo: grotesco, de mal gusto, extravagante), para designar a la música compuesta aproximadamente entre 1600 y 1750 (año de la muerte de J. S. Bach). Según sus contemporáneos la música de este período se considera armónicamente confusa, repleta de disonancias, desigual y muy cargada de ornamentos melódicos. No será hasta el s. XIX cuando se revaloriza la música del Barroco por medio del redescubrimiento de las Cuatro Estaciones de Vivaldi, que por aquel entonces habían caído en el olvido (Roldán, 1992). 4

5 En el ámbito social, el hombre es la razón de ser de los intereses colectivos, un hombre sensible en sus pasiones, afectos y fantasías. Se cultiva el lujo y el esplendor, buscando la abundancia y el bienestar. Por otro lado, no se concibe el mundo desde la tradición y la fe, sino desde el empirismo y la crítica desde un todo armónico. Científicos como Kepler, Copérnico y Galileo demuestran que la tierra no es el centro del universo. Por su parte, Descartes, Pascal y Spinoza propugnan y enseñan ética y moral mediante la experimentación y el pensamiento. No obstante, las escisiones religiosas y las luchas por el poder crean también incertidumbre social y desorden. 2.b. Características musicales. Valoración: Hasta 2 puntos. Los detalles del arte en el Barroco no se aplicaron a la música. Se buscó en un principio desechar las complicadas líneas melódicas de la polifonía renacentista para dar lugar a la homofonía (la polifonía recuperará más tarde con Bach su esplendor), dando de esta manera más fortaleza y protagonismo al texto, pues la música giraba en torno a una sola melodía bien formada y acompañada por acordes, para facilitar la comprensión del texto. A propósito del acompañamiento, se ideó un sistema de anotación conocido como el bajo continuo. Era una parte para bajo, usualmente escrita para teclado (viola de gamba, órgano y clavecín fueron los más usados para este propósito), con unas cifras que señalaban las armonías que se debían interpretar. Otro hecho importante del Barroco musical fue el nacimiento del género operístico, la improvisación y las primeras formas instrumentales. Aparece la escritura específica para un uso instrumental determinado, como el violín o la voz solista, en lugar de la costumbre antigua de interpretar la música con cualquier combinación de voces e instrumentos. Asimismo, supone el avance de la música instrumental debido al desarrollo en el perfeccionamiento de la fabricación de instrumentos realizado por los grandes artesanos como Stradivarius (cuerda) que desarrolla la familia del violín; Hotteterre (viento) que 5

6 perfecciona los instrumentos de viento que se utilizan por sus timbres y recursos propios; o Ruckers (teclado). Una característica común a todos los compositores del Barroco fue el intento de representar un amplio espectro de ideas y sentimientos por medio de la música. Más que la expresión de los sentimientos de un artista individual lo que se buscaba era la representación de los sentimientos o afectos de una manera genérica. Descartes en 1649 codifica los distintos tipos de afectos en su obra Traité des passions de l ame (Tratado de las pasiones del alma). De forma breve, se resumen a continuación las principales características de la música Barroca: La armonía mayor-menor suprime los modos eclesiásticos. El bajo continuo constituye la base armónica. Aparecen las indicaciones de las dinámicas, es decir, los matices p - f. Con el principio concertante, la voz solista cuenta con un mayor protagonismo. La monodia ayuda a la música a plasmar el mensaje del texto. El compás se adapta a una métrica regular y se genera un nuevo sistema de compases. En cuanto a las formas musicales, se asiste al nacimiento de la ópera y se siguen escribiendo con asiduidad conciertos, suites, fugas, tocatas, etc. El barroco confirió al estilo musical un desarrollado sistema tonal, una música instrumental perfectamente organizada y un legado de formas y estructuras que posibilitarían el futuro desarrollo musical. En referencia al uso de las formas musicales propias de este período destacan las siguientes: FORMAS VOVALES Dentro de la Ópera se agrupan las siguientes formas musicales: 6

7 Recitativo: Parte de la ópera donde el texto se "canta" como si fuera recitado. En realidad no es una forma vocal bien definida, pero cabe dentro de este análisis. Aria: Es una composición musical, o una forma, para una sola voz y con un acompañamiento de uno o varios instrumentos. Cantata: Parte de la ópera donde se alternan el narrador y los diferentes personajes en una escena lírica sin acción teatral. Bel Canto: Forma vocal caracterizada por libertades interpretativas, donde el uso del rubato (elasticidad rítmica) y la libre ornamentación la fue llevando a paradójicos excesos. Dentro de la música vocal religiosa se agrupan los siguientes estilos: Oratorio: En realidad no es una forma vocal, sino una composición de carácter religioso, también denominado ópera religiosa, en la que no hay parte escénica, ni de actuación, vestuario, decorados, etc. Coral luterano: el período comprendido entre 1650 y 1750 es la Edad de Oro de la música luterana, especialmente del Coral con el que estamos familiarizados gracias a las obras de J. S. Bach; melodías de ritmo regular armonizadas homofónicamente con pausas al final de las frases. Cantata luterana: a principios del s. XVIII se desarrolla este género basado en textos poéticos inspirados en las Sagradas Escrituras. En la Cantata se incorporan todas las tradiciones del pasado (el coral, la canción solística, el estilo concertato) además de los elementos dramáticamente cargados de fuerza del Recitativo y el Aria operísticos. Entre los compositores de Cantatas tenemos a J. S. Bach, Telemann, Händel. Pasión: es una composición basada en los textos bíblicos acerca de la pasión y muerte de Cristo. Sus características son similares a las de la Cantata. 7

8 FORMAS INSTRUMENTALES El estilo del bajo continuo marcó profundamente a la música instrumental. Durante el s. XVII la música instrumental fue tomando gradualmente tanta importancia como la vocal. En este período encontramos las siguientes formas: Concerto Grosso: Se derivó de la escritura para grupos. En esta forma musical, uno o varios instrumentos se destacan (concertino) en determinados pasajes, en contraste con la generalmente reducida orquesta (tutti o ripieno). Sus primeros representantes fueron los italianos Corelli y Geminiani. Más tarde sería el maestro Vivaldi quien llevaría el Concerto Grosso a su máximo esplendor. A partir de él, esta forma tuvo por lo general 3 movimientos (Allegro-Adagio-Allegro), y se sentaron las bases del virtuosismo de los solistas en el futuro. Suite: Es un conjunto de danzas contrastantes y en la misma tonalidad (generalmente), pero con diferente medida y tiempo. Con Bach y Haendel adquirió una estandarización con cuatro danzas principales: Allemande, Courante, Sarabande, Gigue, precedida por una introducción denominada Preludio u Obertura. - Preludio: Introducción. A veces formado mediante la improvisación sobre un tema rítmico o melódico. - Allemande: Danza lenta de ritmo binario, de carácter expresivo y melódico. - Courante: De ritmo ternario, y carácter animado, suele contrastar notablemente con la anterior. - Sarabande: Danza lenta, majestuosa e imponente, con ritmo ternario. Curiosamente, no tiene relación alguna con la rápida danza con el mismo nombre, que las postrimerías del siglo XVI fuera prohibida por Felipe II de España por su carácter lascivo. 8

9 - Gigue: es rápida y de marcado ritmo ternario simple. Si bien estas danzas fueron las más importantes, con frecuencia se incluían algunas adicionales como Bourré, Gavotte, Minuet. Sonata: Es una composición de estructura binaria o ternaria, ejecutada por uno o dos instrumentos, en tres o cuatro movimientos. Existían dos tipos de sonata: Sonata da Camera (sonata de cámara, basada en movimientos de danzas) y Sonata da Chiesa (sonata sacra, de carácter más serio). Fuga: el desarrollo del Preludio y la Toccata dio lugar a obras a gran escala en las que, a las secciones de tipo improvisatorio se incorporaron otras de contrapunto imitativo que con el tiempo se independizaron para constituir la Fuga. En ella se expone un tema llamado sujeto, enunciado normalmente en la tonalidad de la tónica, que se ve contestado por una respuesta en la dominante. Entre las diversas apariciones de sujeto y respuesta se intercalan episodios modulantes hasta el regreso al tono original, intensificado por las notas pedales, los estrechos (entradas se suceden rápidamente) y recursos contrapuntísticos (aumentación, disminución, inversión, retrogradación...). 2.c. Cita y comentario de autores y obras Valoración: Hasta 1 punto. La producción musical durante el Barroco fue muy intensa, así, en la ciudad italiana de Venecia, centro musical en esta época, se estrenaban diez o más óperas nuevas cada año, las academias patrocinaban programas musicales y los servicios en las iglesias los días de festividades se parecían más a grandes conciertos vocales e instrumentales que a ceremonias religiosas. Entre los principales compositores de esta época destacan: En ITALIA Claudio Monteverdi ( ): Fue el gran maestro de la ópera florentina. Su obra L Orfeo (1607) marcó un hito en la historia operística. 9

10 También compuso otras óperas ( Arianna, 1608; La Coronación de Popea; 1641.), salmos, motetes y madrigales. Tomaso Albinoni ( ): Violinista y compositor veneciano. Compuso obras instrumentales y numerosas óperas que se conservan incompletas. Bach utilizó algunos de sus temas. Arcangelo Corelli ( ): Compositor y violinista. Fue de los primeros en componer bajo la forma del Concerto Grosso. Escribió varias colecciones de Sonatas da Chiesa y Sonatas da Camera entre , y una de Concerti Grossi (1714). Antonio Vivaldi ( ): Compositor y violinista, de la escuela barroca veneciana. Se ordenó sacerdote (1703), si bien tuvo que renunciar al ejercicio de su ministerio. Junto con Corelli fue el más importante compositor de Concertos Grossos. Precursor del concierto para solista fue un intérprete virtuoso, al mismo tiempo, que un compositor brillante y colorista con un gran dominio del contrapunto. Compuso más de 470 conciertos, unas 45 óperas, unas 75 sonatas, etc. Sobresalen sus Concerti Grossi, en especial Las Cuatro Estaciones, incluidos en El Fundamento de la Armonía y la Invención (1725). En FRANCIA Jean-Baptiste Lully ( ): Compositor francés de origen italiano. Fue el creador de la ópera francesa. Cadmo y Hermione (1673), Rolando (1685), Armida (1686), fueron algunos de sus trabajos operísticos. Jean-Philipp Rameau ( ): Compositor renovador de la ópera francesa clásica. Conocido organista y autor de piezas para clave de su producción, caracterizada por la riqueza orquestal y la intensidad expresiva, se destacan Las Indias Galantes (1735) y Cástor y Pólux (1737). También es el padre de la armonía tradicional que dejó escrita en el Tratado de la Armonía Reducida a sus Principios Naturales (1722). En INGLATERRA 10

11 Henry Purcell ( ): Fue miembro de una familia de músicos de la corte. Se mantuvo dentro de la tradición contrapuntística, aunque dando más realce en sus obras a la melodía. Considerado como el iniciador de la ópera inglesa con su Dido y Eneas (1690), también escribió Cantatas, Odas, Sonatas, y Suites Orquestales. Georg Friederich Haendel ( ): Clasificamos a Haendel entre los compositores ingleses aunque nació en Alemania. De su extensa producción destacan las óperas Agripina (1709) y El Pastor Fiel (1714) y, sobre todo, los Oratorios, más dramáticos que religiosos; El Mesías (1742) y Judas Macabeo (1745). En ALEMANIA Georg Philipp Telemann ( ): Fue maestro de capilla en Hamburgo. Al igual que Bach, combinó elementos alemanes, italianos y franceses, representando la síntesis entre la escuela contrapuntística y el estilo armónico. Dejó una extensa producción, tanto de música religiosa como profana. Johann Sebastian Bach ( ) Organista y compositor. Fue músico de la corte, organista en Weimar y maestro de capilla en Leipzig. Gran renovador, elevó la Fuga a su máxima expresión, extrayendo de ella todas las posibilidades contrapuntísticas. De su vasta obra cabe destacar El Clave bien Temperado, los Conciertos de Brandemburgo, las Variaciones Goldberg, la Pasión según san Mateo, el Arte de la Fuga. 3. Definición de algunos términos musicales. Valoración: Hasta 2 puntos. Total de la pregunta: 2 puntos Calderón (0,5): Signo de prolongación que colocado sobre una nota o un silencio prolonga su duración a voluntad del intérprete. 11

12 Claves (0,5): La clave es el primer signo que se coloca al comienzo de un pentagrama. Su colocación sobre una determinada línea nos indica la altura y nombre de la nota situada en ella, de forma que a partir de esta conocemos la altura y nombre de todas las demás notas. Existen 7 claves, la clave de sol en segunda línea del pentagrama; las claves de fa en tercera y cuarta línea; y las claves de do en la primera, segunda, tercera y cuarta línea. Bel canto (0,5): (Italiano, canto hermoso), un tipo de canto que resalta la belleza sonora, con un timbre uniforme en toda la tesitura de la voz. También es usado para caracterizar el estilo más lírico de los compositores de música vocal de Venecia y Roma del siglo XVII. Lied (0,5): La palabra alemana Lied significa canción, tonada o aria. El lied alcanzó su máxima difusión en el Romanticismo. Es una canción para voz solista con acompañamiento, habitualmente de piano, de características sencillas, sin efectos virtuosísticos, pero de un estilo delicado y elegante cuya principal particularidad es la estrecha relación de poesía y música. 12

13 REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS Bennett, R. (1998). Investigando los estilos musicales. Madrid: Akal Cremades, R., Lorenzo, O., & Herrera, L. (2009). Estilo musical y currículum en la Educación Secundaria Obligatoria. Alicante: Editorial Club Universitario (ECU). De Benito, L. A., & Artaza, J. (2004). Aplicación Metodológica del Análisis Musical. Murcia: Master ediciones. Pérez, M. (2000). El Universo de la Música. Madrid: Musicalis. Randel, D. M. (1997). Diccionario Harvard de Música. Madrid: Alianza Editorial. Roldán, R. (1992). Formas musicales. Análisis. Málaga: Seyer. Ulrich, M. (2003). Atlas de música, I. Madrid: Alianza Editorial. 13