MITOLOGíA ANA MARTÍN MARTÍN 1º BACHILLERATO B TRABAJO DE MITOLOGÍA 1

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1 MITOLOGíA ANA MARTÍN MARTÍN 1º BACHILLERATO B TRABAJO DE MITOLOGÍA 1

2 1º CUADRO FICHA Título: Apolo persiguiendo a Dafne Autor: Comelis de Vos Año en el que se ejecutó la obra: Siglo XVII Estilo pictórico en que se sitúa la obra: Estilo barroco. Óleo sobre lienzo Lugar donde se encuentra la obra: En el museo del Prado COMENTARIO En este cuadro se representa el mito de Dafne, nombre que en griego significa laurel. Dafne era una ninfa hija del dios-río Peneo que transcurre por la región de Tesalia. El dios Apolo que se reía de que las flechas de Eros no mataban fue alcanzado por una de las flechas de este y se enamoró de Dafne pero ella no le correspondía y le esquivaba porque Eros le lanzo una flecha del odio. En una ocasión Apolo la persiguió, y ella huyó hacia las montañas para evitarlo; entonces ella se encomendó a su padre, el dios-río Peneo, que la transformó en el árbol del laurel. De sus pies iban saliendo raíces y sus dedos se convertían en frondosas ramas del árbol. Cuando 2

3 Apolo logró alcanzarla Dafne ya era un árbol. Desde entonces Apolo es representado por el laurel. Personajes: Apolo y Dafne Apolo se caracteriza por la aureola que rodea su rostro, también por las flechas y el arco que aquí lleva el carcajo colgado del torso. Va vestido con una capa de color rojo. Representa a un loco enamorado, en este caso él es el enamorado y persigue a Dafne, muchacha a la que ella le tiene loco. Él intenta estar con Dafne pero ella no quiere y echa a correr. Dafne tiene el pelo largo y rubio. Va peinada con una pequeña trenza situada en la cabeza. De vestimenta lleva como una sábana de color clarito, casi transparente. Dafne representa a una muchacha aterrorizada porque le persigue un loco enamorado de ella. DISTRIBUCIÓN DE LOS PERSONAJES: Si nos damos cuenta y partimos el cuadro de una esquina a su otra esquina oponente podemos observar que lo importante del cuadro es Apolo que se ve como corre hacia Dafne e intenta cogerla, esa es la imagen principal del cuadro. Los personajes están representados en el centro del cuadro y se encuentran con un paisaje de fondo que es el bosque, el campo, la naturaleza. Apolo y Dafne en el arte: Gian Lorenzo Bernini esculpió en mármol la famosa obra Apolo y Dafne. 3

4 Otros artistas como Antonio Pollaiuolo manipularon la mitología griega y la adaptaron a su época. En su pintura, Apolo y Dafne, los personajes visten trajes del renacimiento y Dafne está retratada en pleno proceso de transformación. OPINIÓN PERSONAL: Este cuadro me gusta mucho; me parece que está muy bien dibujado y me llama la atención la historia que representa y saber que de este lienzo viene el árbol llamado laurel. Y del que también procede el nombre de Laura. En mi opinión, parece que Apolo y Dafne son unos jóvenes adolescentes y que están jugando a pillarse el uno y el otro, en este caso Apolo es el que tiene que pillar a Dafne y ella es la que tiene que intentar escapar. En el lado de Dafne, se empieza a poner la imagen más oscura y es porque jugando si Dafne se adentraba en un bosque oscuro, para Apolo sería más difícil pillarla y para ella más fácil ganar el juego. 4

5 2º CUADRO FICHA Título: Las parcas Autor: Francisco de Goya Año en el que se ejecutó la obra: 1819 Estilo pictórico en que se sitúa esta obra: Pinturas negras Lugar donde se encuentra la obra: En el Museo del Prado COMENTARIO Las Parcas surgieron de la unión de Zeus con Temis; representan el ciclo de la vida de los hombres. Una sostiene una lupa: representa el nacimiento, la otra está hilando la vida y la tercera que sostiene unas tijeras representa la muerte. En la imagen podemos visualizar a las tres Parcas, cada una con su elemento significativo y en medio la vida de un hombre. El hombre que está en medio lo pusieron para decorar y para referirse a la vida del hombre. En este cuadro apreciamos que está pintado con colores negros y muy oscuros ya que es al final de la vida de Goya, está a punto de morir y todo le da igual. 5

6 PERSONAJES: Las figuras aparecen superpuestas al paisaje primitivo y representarían a las parcas, las hijas de la noche, que determinan el curso de la vida humana y aparecen flotando en una nube y acompañadas de un hombre que aparece con los brazos sujetos a la espalda. Se reconoce a Átropos con las tijeras, a la derecha y que según Arnaiz con sus dedos hace un corte de mangas, lo que podría ser una burla del pintor a la muerte. Cloto, que generalmente hila el hilo de la vida, en este caso tiene entre las manos un muñeco quizás a modo de exvoto, unido por un hilo a su otra mano a la derecha; y Láquesis al fondo quien normalmente se caracteriza por sostener ese hilo de la vida. Tiene un objeto entre las manos que despierta diferentes interpretaciones; una lente con la que mirar el hilo de la vida, un espejo que simboliza el tiempo y lo transitorio o una serpiente mordiéndose la cola, símbolo de la eternidad. Apenas se aprecia en la imagen pero van vestidos con trapos que les tapan las piernas y el tronco lo llevan al descubierto. DISTRIBUCIÓN E LOS PERSONAJES: Si partimos la imagen como ya he dicho anteriormente en el otro cuadro nos quedamos con lo más importante y con lo que de verdad vale. Los cuatros hombres son lo más importante de la escena pero sobre todo los dos de la izquierda y el de la derecha, ya que tienen los instrumentos con los que da significado a el cuadro. OPINIÓN PERSONAL: Este cuadro me gusta por el significado que Goya le da que representa el ciclo de la vida pero lo que no me gusta de él son los 6

7 colores que el pintor ha elegido, ya que la vida es algo bonito y se debe de representar con alegría; entiendo que estuviera al final de su vida, pero por eso mismo debería saber que la vida es muy larga, aunque pasa rápida y hay que aprovechar todo momento, y yo le hubiera puesto de izquierda a derecha colores más claros y después que vayan oscureciendo. En ese cuadro veo a cuatro hombres que están intentando inventar algo con lo poco que tienen entre sus manos y de conseguir algo que pueda llegar a impactar a mucha gente y salir de la pobreza en la que parece que viven. 3º CUADRO FICHA Título: El paso de la laguna estigia patimir Autor: Joachim Patinir Año en el que se ejecutó la obra: 1520 Lugar donde se encuentra la obra: En el museo del Prado 7

8 COMENTARIO Esta pintura representa el tema clásico, en el centro del cuadro dentro de las tradiciones cristianas del Juicio Final y el Ars moriendi. La figura más grande de la barca es Caronte, quien «pasa las almas de los muertos a través de las puertas del Hades». El pasajero en la barca, demasiado pequeño para distinguir sus expresiones, es un alma humana decidiendo entre el Cielo, a su derecha o el Infierno, a su izquierda. La laguna Estigia divide la pintura por el centro. Es uno de los cuatro ríos del mundo subterráneo que pasa por la parte más profunda del infierno. En el lado izquierdo de la pintura está la fuente del Paraíso, el manantial del que surge el río Leteo a través del Cielo. En el lado derecho de la composición está la visión que Patinir tiene del Infierno, que se debe ampliamente a las influencias de El Bosco. En frente de las puertas está Cerbero, un perro de tres cabezas, que guarda la entrada de la puerta y asusta a todas las almas potenciales que entran en el Hades. El alma de la barca al final elige su destino mirando hacia el Infierno e ignorando al ángel en la orilla del río en el Paraíso que le hace señas para que se acerque al más dificultoso sendero que lleva al cielo. PERSONAJES: Caronte: quien pasa las almas de los muertos a través de las puertas del Hades. El pasajero. Cérbero: un perro de tres cabezas que guarda la entrada de la puerta y asusta a todas las almas potenciales que entran en el Hades. 8

9 DISTRIBUCIÓN DE LOS PERSONAJES: La barca se encuentra en la mitad del cuadro porque es lo más importante con el barquero y el pasajero y a los lados tenemos el mundo donde van los buenos y el mundo donde van los malos. El mundo de los buenos se representa con árboles, animales, colores alegres y el mundo de los malos con colores tristes y apagados, sin naturaleza, con fuego etc. OPINIÓN PERSONAL: De este cuadro sólo me gusta la zona pintada con colores claros, ya que a nadie le gusta el infierno y todo lo que tenga que ver con ello. Para mi es como un paseo en barca en el que te enseña el lado donde está la gente buena, los animales, la naturaleza cuidada y al otro lado donde están los malos, las cosas que no se cuidan. Entonces es como un viaje para ver dónde quieres acabar tú y ver todo lo que hay más allá. 4º CUADRO 9

10 FICHA Título: El juicio de Paris Autor: Rubens Año en el que se ejecutó la obra: 1638 Estilo pictórico en que se sitúa la obra: Barroco Donde se encuentra la obra: Museo del Prado COMENTARIO La rivalidad entre las diosas Minerva, Venus y Juno por ser la más bella debía ser resuelta por el pastor Paris. Éste, hijo de Priamo, entregaría una manzana de oro con la inscripción "a la más bella", a aquella que a su juicio lo mereciera. El pastor reflexiona sentado bajo un árbol mientras Mercurio, como mensajero de los Dioses, porta el fruto dorado de la discordia. Las diosas esperan el juicio intentando convencer al joven. Minerva, con armadura y una lechuza, le anuncia el éxito en la guerra; Venus, acompañada de Cupido, le ofrece por esposa a la mujer más bella; y Juno, identificable por el pavo real, le promete la grandeza. La elegida será Venus, con cuya ayuda, Paris raptará a Helena provocando la guerra de Troya y el odio de las otras diosas, tal y como se relata en La Iliada de Homero. El cuadro fue encargado por el Cardenal Infante para Felipe IV. PERSONAJES: Minerva: diosa con armadura y una lechuza Venus: acompañada de cupido Juno: identificable por el pavo real 10

11 Paris: pastor Mercurio: mensajero de los Dioses Las diosas van vestidas con trapos que las tapan un poco las partes bajas pero el pecho lo llevan al descubierto. Cupido se caracteriza por sus flechas, su capa y sus alas. Y los hombres también llevan por encima un trapo que les cubre parte de su cuerpo. DISTRIBUCIÓN DE LOS PERSONAJES: Las diosas se encuentran a la derecha del cuadro y los hombres a la izquierda; Cupido se encuentra encima de Venus. Si cortamos el cuadro de un lateral a otro nos queda lo que más importa: cómo se ve a Mercurio entregando la manzana a Venus que ha sido la elegida de las más bellas. Se encuentra en un lugar agradable, colorido y bonito. OPINIÓN PERSONAL: Esta escena me parece interesante ya que se está eligiendo a quien es la más bella y en realidad las tres son muy iguales. Pienso que los hombres están intentando convencer a las chicas que vayan y que estén con ellos, pero las mujeres se hacen de rogar y entonces uno de ellos le entrega una manzana para caerlas mejor y que estén convencidas del todo y se vayan con estos. 11

12 5º CUADRO FICHA Título: Apolo y la serpiente pitón Autor: Cornelis de Vos Año en que se ejecutó la obra: Estilo pictórico en que se sitúa la obra: Está pintado a óleo Lugar donde se encuentra la obra: Museo del Prado COMENTARIO La escena representa un pasaje de Las Metamorfosis de Ovidio. Tras matar a la monstruosa serpiente Pitón, Apolo es víctima de un flechazo de Cupido, que inflamará su imposible amor hacia Dafne, hija de Júpiter. Como en otras escenas de la misma serie, el tema del cuadro es el poder del amor, que domina incluso a los dioses. 12

13 PERSONAJES: Apolo: Va con una capa roja, un arco. Cupido: Se caracteriza por ser un bebé por sus alas y su capa, su arco y las flechas. Serpiente pitón. DISTRIBUCIÓN DE LOS PERSONAJES: Apolo: aparece matando con su arco a la terrible serpiente Pitón que habitaba junto al santuario de Delfos. Cupido: Se encuentra encima de Apolo, señalándole con el arco y la flecha. Serpiente pitón: se encuentra en el lado derecho del cuadro. Lo importante del cuadro, lo principal es Apolo y Cupido están casi centrados en la imagen y es lo que tenemos que observar. Se encuentran en el campo, con el río de fondo y los árboles. OPINIÓN PERSONAL: Este cuadro no es uno de mis preferidos; pienso que los hay mucho mejores y que hay otras historias que me llaman más la atención. El cuadro es bonito y lo que me gusta de él es que está pintado con colores claros y el paisaje es bastante alegre. En mi opinión, este cuadro representaría a Apolo queriendo matar a los animales y por eso está en un bosque porque es donde va a encontrar más animales y donde apenas hay gente y no le pueden decir nada, pero justo en ese momento pasa Cupido que está vigilando toda la fauna y observa todo el comportamiento que está teniendo Apolo pero no le dice nada, y espera a que se pase toda la tarde; una vez trascurrida la tarde, Cupido le dice a Apolo que le ha estado 13

14 observando y que ha sido muy malo; que ha matado a diez pobres animales que no le han hecho nada y que Cupido le disparará diez flechas como ha hecho él con los animales, para que sepa lo que es el dolor. 6º CUADRO FICHA Título: El nacimiento de Venus Autor: Sandro Botticelli Año en el que se ejecutó la obra: Estilo pictórico en que se sitúa la obra: Barroco Lugar donde se encuentra la obra: Galería Uffici, Florencia, Italia. 14

15 COMENTARIO Según cuenta la leyenda, Venus, diosa del amor, nació de los genitales del dios Urano, cortados por su hijo Saturno y luego arrojados al mar. El título de la obra no es, por lo tanto, exacto, ya que el cuadro no representa el momento del nacimiento de la diosa, sino que muestra la llegada de Venus, sobre una concha, a la playa de una de las islas que tradicionalmente se le dedican, como Chipre, Pafos o Citerea. La diosa es empujada por el soplo de los dioses alados, entre una lluvia de flores. PERSONAJES: Venus: Tiene el pelo largo, con el que se cubre su parte baja, su pelo es de color rojo anaranjado y con sus manos se tapa el pecho. Venus se caracteriza mucho por su tripa porque antes una mujer guapa y atractiva era la que tenía barriga y estaba más gordita, es típico en el Barroco. Dioses: Los se caracterizan por sus alas y sus trapos que les recubre todo su cuerpo. DISTRIBUCIÓN DE LOS PERSONAJES: Venus se encuentra encima de una concha en el centro del cuadro, a sus lados se encuentra los dioses, en la izquierda tenemos a dos dioses volando y soplando aire y tirándola flores. El fondo es un paisaje lleno de agua y naturaleza. Después a la derecha se encuentra una chica con el pelo largo también y vestida entera y con un manto mirando hacia Venus. 15

16 OPINIÓN PERSONAL: Este cuadro es uno de mis favoritos, por eso lo he elegido aunque en clase ya hayamos hablado de él; es muy interesante y su historia me atrae y gusta bastante. Yo a este lienzo le pondría el mito de que Venus es la invitada a la casa de los dioses y ellos la reciben muy bien: le tiran flores para decorar su aspecto y en la concha en la que ha venido navegando por el mar que se ve de lejos, el aire que soplan es para que el pelo se la mueva y se le despeine porque a si está más guapa: la chica de la derecha le da el manto para cubrirla y vestirla para que no pase frío, que esté guapa y se sienta bien recibida en un lugar en el que nunca ha estado y en el que no conoce a nadie. Así representaría yo el compañerismo, el ser amable con alguien que no conoces y darle toda tu confianza para que no haya problemas. 7º CUADRO FICHA Título: Los borrachos Autor: Diego Velázquez Año en el que se ejecutó la obra:

17 Estilo pictórico en que se sitúa la obra: Barroco Lugar donde se encuentra la obra: Museo del Prado. COMENTARIO El cuadro describe una escena donde aparece el dios Baco que corona con hojas de hiedra, a uno de los siete borrachos que lo rodean; podría tratarse de un poeta inspirado por el vino. Otro personaje semi mitológico observa la coronación. Algunos de los personajes que acompañan al dios miran al espectador mientras sonríen. En ella se representa a Baco como el dios que premia o regala a los hombres el vino el cual libera de forma temporal a los hombres de sus problemas. En la literatura barroca, Baco era considerado una alegoría de la liberación del hombre frente a su esclavitud de la vida diaria. El dios está metido en la obra como una persona más dentro de la pequeña celebración que se representa pero proporcionándole una piel más clara que a los demás para reconocerlo con mayor facilidad. PERSONAJES: Dios Baco: El tronco lo lleva al descubierto y las piernas las lleva tapadas con un trapo de color rosa claro y blanco. Siete borrachos: Todos van vestidos con ropa normal pero un poco pobre. 17

18 DISTRIBUCIÓN DE LOS PERSONAJES: La imagen importante y principal es la del centro cuando el dios Baco corona con hojas de hiedra a uno de los borrachos. La escena puede dividirse en dos mitades. La de la izquierda, con la figura de Baco muy iluminada está cercana al estilo italiano inspirado en Caravaggio. Baco y el personaje que queda detrás aluden al mito clásico y están representados de la manera tradicional. Destaca la idealización en el rostro del dios, la luz clara que lo ilumina y el estilo más bien clasicista. La parte de la derecha, en cambio, presenta a unos borrachines, hombres de la calle que nos invitan a participar en su fiesta, con un aire muy español similar a Ribera. No hay en ellos ninguna idealización, sino que presentan rostros avejentados y desgastados. Tampoco se mantiene en este lado la clara luz que ilumina a Baco, sino que estas figuras están sumidas en un claroscuro evidente. OPINIÓN PERSONAL: Este cuadro no me gusta mucho por la tonalidad que le ha dado el pintor; prefiero los cuadros con colores claros y que resalten; es cuadro pintado con colores apagados y tristes, que le dan sensación de tristeza y aburrimiento. En mi opinión podría representar una celebración de amigos y al que le están coronando le dan las gracias por invitarles a todos e invitarles a vino y pasar un rato agradable lleno de anécdotas. Como mejor se puede dar las gracias a alguien es coronándole, por eso se arrodilla delante de todos. 18

19 8º CUADRO FICHA Título: Las tres gracias Autor: Rubens Año en el que se ejecutó la obra: Estilo pictórico en que se sitúa la obra: Barroco Lugar donde se encuentra la obra: Museo del Prado COMENTARIO Es uno de los cuadros que mejor transmite el grado de felicidad y sensualidad que manifiestan muchas de las últimas pinturas de Rubens, habiéndose interpretado como un canto del artista al amor, la felicidad y el placer derivados de su matrimonio con la joven Helena Fourment, que tuvo lugar en diciembre de

20 Según diversas fuentes clásicas, las tres Gracias eran diosas nacidas de los amores de Zeus que pertenecían al séquito de Afrodita, y se asociaban con el amor, la belleza, la sexualidad y la fertilidad, entendidos como fuerzas generadoras de vida. El cuadro fue propiedad personal del artista hasta su muerte. PERSONAJES: Las tres Gracias: Están completamente desnudas; sus cuerpos son rellenitos y tienen el pelo largo y alguna recogida con un moño. DISTRIBUCIÓN DE LOS PERSONAJES: La composición respeta el modelo clásico que representa a las Gracias completamente desnudas y reunidas, pero cambia la relación entre las tres figuras que están conectadas entre sí a través de los brazos, el velo transparente que las cubre, y sus miradas, es decir, psicológicamente, dando así nueva unidad al grupo. La disposición de las Gracias forma un triángulo, estando la de en medio de espaldas, con la cabeza vuelta y apoyada en sus compañeras. Las tres hermosas mujeres se caracterizan por la ampulosidad de sus contornos. Aparte de estas tendencias realistas, la composición del gran artista de Flandes destaca por la elegancia con que están agrupadas las tres figuras y por el gran conocimiento que demuestra en el moldeado de las carnes que por su morbidez y frescura aparecen palpitantes. Estas carnaciones claras irradian luz al resto de la obra. El trío está enmarcado a la izquierda por un árbol y a la derecha por una cornucopia dorada de la que brota agua, con una guirnalda de flores por encima. 20

21 OPINIÓN PERSONAL: Este cuadro me gusta; lo veo sencillo sin muchos motivos y con las cosas en orden. Está pintado con colores claros como a mí me gusta. Para mi representaría el cariño de tres hermanas que están jugando entre ellas, contándose su cosas, abrazándose; se cogen del brazo como símbolo del cariño, de unión familiar. Me transmite complicidad y amor por la familia. 9º CUADRO FICHA Título: Fragua de Vulcano Autor: Diego Velázquez Año en el que se ejecutó la obra: 1630 Estilo pictórico en el que se sitúa la obra: Barroco Lugar donde se encuentra la obra: Museo del Prado 21

22 COMENTARIO El cuadro describe el momento en que el dios Apolo visita el lugar donde Vulcano se encuentra fabricando una armadura para Marte, el dios de la guerra. Éste comunica a Vulcano el adulterio de su esposa Venus con Marte, por esa razón todos los personajes miran con cara sorprendida al dios que acaba de presentarse en el estudio, incluso alguno de ellos abre la boca y los ojos. PERSONAJES: Vulcano: Es la divinidad itálica del fuego, elemento concebido como una fuerza devastadora que los hombres deben propiciarse. Fue asimilado al dios griego Hefesto y adopto su mitología: hijo de Zeus y Juno. Feo y deforme, al nacer lo precipito desde lo alto del olimpo y quedo cojo, su esposa era Venus, Vulcano realizaba junto a los cíclopes las armaduras de los dioses en los subterráneos del volcán Etna. Difundió entre los humanos el arte de trabajar con los metales. Apolo: Dios del fuego solar y de la belleza, de las artes plásticas, la música, y de la poesía también es dios de la oracular y el dios de la purificación. Venus: Diosa de la vegetación y los jardines fue asimilada a la Afrodita griega. Como tal en su calidad de madre del héroe Eneas, fundador mítico del pueblo romano pudo ser considerada antepasada de la gens Iulia. Marte: Es un dios muy antiguo en Roma era la divinidad de los combates de la primavera y de la juventud que, en esta estación partía de nuevo a la guerra objeto de un importantísimo y formaba junto a Jupiter y Quirino triada divina romana. 22

23 DISTRIBUCIÓN DE LOS PERSONAJES: Todos se encuentran alrededor y mirando a Apolo, todos le miran sorprendido, si partimos el cuadro de un lado a otro se queda Apolo y los personajes escuchándole. OPINIÓN PERSONAL: Me gusta, aunque sus colores no sean claros, pero me parece que está pintado con todo detalle; las caras de los personajes son muy expresivas, algo que creo que es difícil de transmitir al que está mirando el cuadro. Podría representar a unos hombres trabajando duro en su taller para sacar a su familia adelante; de lo cansados que están, se vuelven locos; se les aparece un dios y ellos se quedan impresionados y sorprendidos. Para mi representaría el esfuerzo, el cansancio y la lucha diaria que representa la vida de los trabajadores. 10º CUADRO 23

24 FICHA Título: Saturno devorando a su hijo Autor: Francisco de Goya Año en el que se ejecutó la obra: Estilo pictórico en que se sitúa la obra: Romanticismo Lugar donde se encuentra la obra: Museo del Prado COMENTARIO Representa al dios Crono, como es habitual indiferenciado de Cronos, o Saturno en la mitología romana, en el acto de devorar a uno de sus hijos. La figura era emblema alegórico del paso del tiempo, pues Crono se comía los hijos recién nacidos de Rea, su mujer, por temor a ser destronado por uno de ellos. PERSONAJES: Saturno: Padre que devora a su hijo, está completamente desnudo con cara de loco y pelo largo despeinado de color blanco. Hijo de Saturno: Solo está el cuerpo; la cabeza ya ha sido devorada por Saturno y el cuello y los brazos están llenos de sangre y el cuerpo completamente desnudo. DISTRIBUCIÓN DE LOS PERSONAJES: Saturno se encuentra en el centro del cuadro con su hijo en brazos mientras lo devora, se encuentran en un cuarto oscuro ellos dos solos. 24

25 OPINIÓN PERSONAL: Este cuadro me llama mucho la atención: hay mucho color oscuro, lógicamente porque representa una tragedia; me impresiona la locura de Saturno: cómo puede devorar a su hijo cuando lo tendría que cuidar con todo cariño y dar todo por él. En mi opinión, este cuadro podría representar la vida de un loco, de un psicópata, en el cual se ven todos los comportamientos y actitudes que tienen ciertas personas ante otros. 25