Cubismo La verdad está más allá de cualquier realismo, y la apariencia de las cosas no debería confundirse con su esencia

Transcripción

1 Cubismo La verdad está más allá de cualquier realismo, y la apariencia de las cosas no debería confundirse con su esencia Pablo Picasso ( ) Georges Braque ( ) Juan Gris ( ) Fernand Léger ( ) Roger de la Fresnaye ( ) Francis Picabia ( ) Marcel Duchamp ( ) Jacques Villon ( ) André Derain ( Henri Le Fauconier ( ) Henri Hayden ( ) Auguste Herbin ( ) Origen del movimiento Entre los historiadores del arte el origen del movimiento cubista es objeto de diversas disputas pues hay quienes le adjudican al español Picasso la autoría en calidad de único progenitor; más tarde, los honores fueron compartidos por éste y el francés Georges Braque, y finalmente algunos críticos se han pronunciado abiertamente por este último. La reivindicación de Picasso como fundador del movimiento se apoya en su pintura Les Demoiselles d Avignon (1907), obra en la que utiliza cambios de perspectiva. No obstante, en el mismo año Braque se hallaba inmerso en un profundo análisis de la obra de Cézanne que culminó en sus paisajes de L Estaque (parque rocoso al sur de Francia), y que habían sido rechazados en el Salón de Otoño en 1908 (Salon d Automne), cuando estos cuadros se sometieron a la crítica del jurado y Louis Vauxcelles (crítico) en conversación con Henri Matisse supuestamente los despreció diciendo de ellos que no eran más que petits cubes (pequeños cubos). En otras reseñas publicadas en el periódico Gil Blas acerca de las exposiciones del Salón de los Independientes, Vauxcelles habló incluso de cubismo peruano. Finalmente los cuadros de Braque fueron rechazados por ese jurado y presentados en una gran exposición monográfica en noviembre, en la galería Kahnweiler de París.

2 En la valoración que Vauxcelles hizo de la exposición, retomó el comentario de Matisse, proclamando que Braque desprecia la forma y reduce todo, paisaje, figuras y casas, a patrones geométricos, a cubos. Muy pronto, el término cubismo pasó a convertirse en el despectivo nombre oficial del movimiento. En el año crucial de 1907 también se dio el hecho de que Apollinaire ( , poeta y crítico francés) presentó a Braque con Picasso y asimismo es el año en el que se presentó una gran retrospectiva en el Salon d Automne sobre Cézanne. Fue entonces cuando se publicaron en el periódico llamado Mercure de France las cartas de Cézanne a Émile Bernard, donde se podía leer la expresión, luego tan repetida, de que hay que tratar a la naturaleza a través del cilindro, la esfera y el cono. Antecedentes y fuentes de inspiración El cubismo germinó en la obra de Paul Cézanne pues fue el primero en reducir las estructuras básicas de la naturaleza y de los objetos. Cézanne formula un método de construcción o composición de sus cuadros en el que las simples formas geométricas organizan el tema en el lienzo: rectángulos, círculos y triángulos que en la perspectiva adecuada producen cilindros, esferas y conos (mismos elementos que fueron empleados con mayor sentido y habilidad experimental por los cubistas). La originalidad de Cézanne no radica en la utilización de la síntesis geométrica para descubrir su propia visión de la naturaleza, sino en tratar de no esconder estas estructuras, estas líneas, dejándolas al desnudo, precisándolas y dándoles consistencia mediante los contrastes entre los planos de colores diferentes, que deben dar a cada porción de volumen una tonalidad particular y una vibración atmosférica de luz. Braque estaba sobre todo interesado por representar las tres dimensiones desde múltiples puntos de vista, y en la manera en que los antiguos pintores construían las formas en diferentes planos que parecían pasar una a través de la otra. Esta técnica (passage en francés) llevaba la mirada a diferentes zonas del cuadro, creando una sensación de profundidad, y dirigiendo la atención hacia la superficie del lienzo y proyectando éste al espacio del propio espectador, una de las características claves del cubismo; como se puede apreciar ya el término cubismo implica dinamismo. Otra técnica de Cézanne utilizada por el cubismo consistía en abrir los contornos para que el ojo se introduzca suavemente al interior y hacia arriba sin hacer abruptas transiciones o ajustes visuales.

3 Otra importante fuente de inspiración sin duda alguna lo representa la escultura prerromana ibérica así como las máscaras e ídolos africanos. En 1906 el Museo del Louvre publicó y expuso piezas prerromanas descubiertas hacía poco en España. Un año antes Picasso había conocido a Henri Matisse, 12 años mayor que él, quien un día, al mostrarle una estatuilla africana de su propiedad, le reveló la existencia de un arte sacro insospechado y la visión de nuevos planos. Este fue un nuevo tópico de conversación en la estrecha relación de los dos artistas; pero lo que para Matisse era sólo objeto de interés, en Picasso se convirtió en obsesión. De esta manera Pablo Picasso y Ambroise Vollard ( , corredor de arte) adquirieron desde 1907 figurillas procedentes de los mares del sur, el primero las colocó en su estudio con lo que permitió que todos sus allegados las pudieron conocer y apreciar. En el caso del pintor español su cuadro Les demoiselles d Aivgnon realizado en 1907, representa un claro precedente de lo que será el cubismo ya que las líneas rectas y las formas se radicalizan, el modelado casi desaparece, y, sobre todo, en el espacio y los rostros se plantea una revolucionaria investigación pues la perspectiva tradicional se ve violentamente alterada. El cubismo efectivamente, destruye la perspectiva renacentista; en vez de un punto de vista único, propone simultaneidad de visiones condensadas en una sola imagen, y la distinción entre objeto y espacio es anulada por la fusión de ambos. Estos temas ya se apuntan en Les demoiselles, donde aparecen simultáneamente rostros con rasgos de perfil y de frente, o un punto de vista distinto para las figuras y la mesa, o una figura de espaldas con el rostro frontal. Al mismo tiempo, las figuras y el espacio que media entre ellas se enlazan con unos planos geométricos que anulan la profundidad. Se dice que en esta obra están presentes muchas referencias importantes al arte universal, por ejemplo, el desnudo con los brazos detrás de la cabeza fue tomado del cuadro de Jean Auguste Dominique Ingres, El baño turco, el personaje que se halla en la extrema izquierda nos recuerda al arte egipcio en su hieratismo y evoca en el rostro su famosa ley de la frontalidad: el rostro de perfil y el ojo en posición frontal, el frutero nos remite a los bodegones de Cézanne y obviamente está la presencia del arte africano y el prerrománico ibérico. A pesar de que esta obra se expuso hasta 1916 por primera vez y luego en 1937 era ya conocida por muchos en el propio taller del artista.

4 Historia del movimiento y características del arte cubista En 1909, Braque y Picasso se hicieron grandes amigos y trabajaron juntos desde ese año hasta 1914, momento en que Braque se alistó en el ejército debido al estallamiento de la Primera Guerra Mundial. Durante este período, el desarrollo del cubismo fue una aventura compartida de estrecha colaboración entre ambos, y muchas de sus obras de esta etapa son difíciles por separado. Para los dos artistas, el cubismo era un tipo de realismo, que transmitía lo real de forma más convincente e inteligente que los diversos tipos de representación realista que dominaban en Occidente desde el Renacimiento. De la misma manera que ambos rechazaban la perspectiva única, igualmente abandonaron las características decorativas de los anteriores artistas vanguardistas, como los impresionistas, los posimpresionistas, los nabis y los fauves. Como ya se explicó líneas arriba, en su lugar, se dirigieron a otras fuentes alternativas; a los últimos cuadros de Cézanne para la estructura, y a la escultura africana por sus cualidades geométricas abstractas y simbólicas. Para Picasso, el reto del cubismo era representar tres dimensiones en la superficie bidimensional del lienzo. Por otra parte, Braque deseaba explorar la representación del volumen y la masa en el espacio. Ambos intereses quedan patentes en las nuevas técnicas que ambos desarrollaron. La primera fase de la producción de Braque y Picasso, que se extiende hasta alrededor de 1911, con frecuencia se le denominada cubismo analítico. En este período, los dos artistas evitaban los objetos y los colores con un carácter abiertamente emocional, optando en su lugar por gamas restringidas, con frecuencia monocromáticas, y temas neutros, como las naturalezas muertas. Éstos eran reducidos y fragmentados, en composiciones prácticamente abstractas de planos que se intersectan entre sí llegando en algunos cuadros a ser prácticamente imposible identificar los objetos allí representados con lo que se dio lugar a lo que algunos historiadores calificaron como cubismo hermético pues se generó un complejo nivel de abstracción de las cosas a través de la fragmentación en múltiples planos. En los sólidos de múltiples caras fluían unos dentro de los otros y la figura ondeaba junto con el fondo en un trémulo tapiz o red. En estos cuadros, el espacio parece echarse atrás e inclinarse hacia arriba y hacia el espectador, todo ello de forma simultánea, confundiendo por completo las expectativas tradicionales de la representación de la profundidad.

5 Este tipo de imágenes compuestas de un objeto visto desde varios ángulos (por encima, por debajo, por detrás, por delante) representa, no tanto lo que se puede ver del objeto desde un punto fijo en un momento determinado, sino lo que se sabe acerca de él. Los sujetos son sugeridos más que descritos, y el espectador debe construirlos con el pensamiento tanto como con la vista. Está claro que el objeto cubista no corresponde a la captación de un momento fugaz como con el impresionismo, sino que alude a su continuidad en el tiempo. En este punto se relacionaron la teoría del arte cubista con las teorías intelectuales de la época, por ejemplo las especulaciones sobre la cuarta dimensión, las ciencias ocultas y la alquimia. Y lo más importante, posee una misteriosa correspondencia con el pensamiento del filósofo francés Henri Bergson ( ), cuyas nociones de simultaneidad y duración postulaban que el pasado emerge en el presente, el cual por su parte avanza hacia el futuro de forma fluida, de manera que la percepción que uno tiene de los objetos está en un estado de constante fluctuación. Con respecto a su énfasis en el papel de la imaginación del artista, el cubismo parece ampliar aspectos del pensamiento simbolista, pero su introducción de conceptos, como el tiempo y el conocimiento, refleja claramente el clima intelectual que se vivía en la época. A pesar de que gran parte de sus obras de este momento resultan difíciles de descifrar, la abstracción no era su objetivo, aunque sí el medio para un fin. Como afirmó Braque, la fragmentación era una técnica para acercarse más al objeto. Picasso enfatizó el aspecto imaginativo e inventivo del cubismo, al escribir que: en nuestros objetos encontramos la alegría del descubrimiento, el placer de lo inesperado. Estos objetivos se hicieron evidentes en la siguiente etapa del cubismo, con frecuencia denominada cubismo sintético, que se inició entre 1911 y Después de flirtear con la no objetividad, Braque y Picasso fueron más allá, hacia una forma de expresión en la que el sujeto era más reconocible, pero se hallaba cargado de simbolismo. En cierto sentido invirtieron su procedimiento de trabajo: en lugar de reducir los objetos y el espacio hacia la abstracción, crearon cuadros a partir de abstracciones fragmentadas reunidas de forma arbitraria. El resultado eran imágenes en las que existía un delicado equilibrio entre lo objetivo y lo subjetivo, y lo abstracto se utilizaba como herramienta para crear lo real. Como explicó el español Juan Gris ( , nombre verdadero: José Victoriano Glez.) quien se unió a los veteranos artistas en su propuesta: Puedo hacer una botella a partir de un cilindro.

6 Este último tiene como contribución original una interpretación en ciertos aspectos más metódica del Cubismo ya que en 1912 había pintado El reloj (1912) o El libro (1913) obras organizadas en una red lineal, dentro de cuyos compartimientos aparecen los objetos desplazados y vistos desde puntos de vista diferentes. De la misma manera sus collages son de gran riqueza pues suelen combinarse con pintura y crean sutiles contrastes entre superficies y volumen. Las dos innovaciones más importantes, ambas consideradas esenciales para la evolución del arte moderno, se produjeron en Picasso incorporó un trozo de hule en su cuadro Naturaleza muerta con asiento de rejilla, dando lugar al primer collage (del francés, coller, encolar, pegar) cubista, y los tres artistas empezaron a producir papier collés (composiciones de recortes pegados). Otros estudiosos, sin embargo adjudican a Braque el mérito de aplicar por primera vez esta técnica que en su momento fue novedosa y ya se encuentra en su cuadro intitulado La guitarra o también llamada Naturaleza muerta con violín de 1912 y a Picasso se le atribuye asimismo la creación de una escultura hecha con cartón, alambre y cordón, cosa que no tenía precedentes, abriendo así, una nueva posibilidad en ese arte. Por lo general, las obras incluían un objeto más claro, varios colores y texturas, fragmentos confeccionados a partir del mundo real y una parte de texto. No obstante, aunque en conjunto las composiciones resultan simples y monumentales, con frecuencia la relación espacial es muy compleja. La estratificación y superposición de formas planas crea simultáneamente una sensación de espacio por delante del plano de la imagen y empuja otro espacio más atrás. La distinción entre la profundidad retratada y la profundidad real fracasa, lo que da lugar a cierto carácter arquitectónico, como si uno viera cosas planas pero también elevadas. Las asociaciones de significados también son más complejas. En la obra de Picasso Naturaleza muerta con asiento de rejilla, el objeto real pegado al lienzo se convierte por sí mismo en una ilusión, pues no es una rejilla de silla real, sino un trozo de hule grabado a máquina con un patrón de rejilla. Las letras JOU con el significado de JOURNAL ( periódico ) se encuentran allí como el periódico que uno podría encontrar en una mesa de café. El conjunto se halla rodeado de un trozo de cuerda que enmarca tanto la naturaleza muerta como la obra de arte en sí, y llama la atención hacia la existencia del cuadro como objeto.

7 En último extremo, este tipo de obra pugna entre lo real y la ficción, asimismo desafía la creencia en una única definición de realidad y abre las obras a múltiples interpretaciones. Los cubistas defendían la primacía de la imaginación del artista y reclamaban para el arte una existencia alternativa a la suya propia, independientemente del mundo exterior. Sin embargo, la verdadera novedad del cubismo es su elocuencia en sus comentarios sobre un mundo extraño. Sobre ello, Picasso diría unos años más tarde: Esta rareza es lo que queríamos para hacer pensar a la gente sobre ella, porque éramos plenamente conscientes de que nuestro mundo se estaba haciendo muy extraño y no exactamente alentador. Aunque Picasso y Braque prefirieron crear sus experimentos en relativa soledad, mostrando en público una pequeña parte de su obra hasta la primera guerra mundial, su obra era bien conocida por otros artistas. Desde aproximadamente 1910, el cubismo pasó de ser un estilo a convertirse en un movimiento, ya que otros artistas desarrollaron sus propias visiones a partir de las innovaciones de Braque, Picasso y Gris. El cubismo no se diferencia de otras escuelas pictóricas. Todas tienen en común los mismos principios y los elementos. El hecho de que el cubismo no fuese entendido durante mucho tiempo y de que todavía haya personas que no vean nada en él, no significa nada. Yo no sé leer inglés, y para mí, un libro en inglés está hecho de hojas en blanco. Pero esto no significa que no exista el inglés, y por qué iba a echar la culpa a otro y no a mí mismo, si no puedo entender algo de lo que no tengo ni idea? Picasso Fernand Léger ( ), por ejemplo, elaboró un vocabulario cubista en el que predominaban las formas cilíndricas, de ahí que se le denominase tubista ya que juega con el contraste de formas planas y formas tubulares, a veces con un brillo metálico, llegando en ciertos momentos a la abstracción. Su fusión del cubismo con la estética de la máquina, dio lugar a un arte fácilmente trasladable a otros medios como el teatro Robert Delaunay ( ) incorporó a la descomposición cubista las teorías sobre el contraste simultáneo de los colores ya que se interesó por Chevreul y Seurat; producto de ello son unas pinturas en las que se multiplican los planos luminosos, y cuya mejor expresión es la serie dedicada a las ventanas (que derivan de la serie de la torre Eiffel) en la que alcanza la abstracción. Otra serie característica de Delaunay es la de las formas circulares. Su esposa Sonia Delaunay, trabajó también esta línea, que Apollinaire calificó de orfismo.

8 Roger de la Fresnaye ( ), Francis Picabia ( ), Marcel Duchamp ( ), y su hermano Jacques Villon ( ), André Derain ( ), Henri Le Fauconnier ( ), el polaco Henri Hayden ( ), Auguste Herbin ( ), el húngaro Alfred Reth ( ), Georges Valmier ( ), el ruso Léopold Survage ( ), el polaco Louis Marcoussis ( ), André Lhote ( ), Albert Gleizes ( ) y Jean Metzinger ( ) se encuentran entre los más conocidos representantes del movimiento cubista. Es importante señalar que la periodización del movimiento cubista tiene diferentes clasificaciones, la arriba descrita corresponde a la más aceptada, pero hay quienes agregan otra primera fase con la que dividen en cuatro el movimiento: la cezanniana en la que se expresan los volúmenes por medio de las formas geométricas básicas, a la manera de Paul Cézanne; la del cubismo analítico en la que yendo más allá de la descomposición del objeto abarca, en forma simultánea, las vistas que presenta desde diversas perspectivas con lo que incluso se llevaría en algunas obras hasta el límite de la descomposición y desmenuzamiento del objeto creando un cubismo hermético, y la última fase, denominada cubismo sintético, en la que se recurre a la invención de signos plásticos, equiparable al uso de metáforas en la poesía. Así, el cubismo dejó de ser un punto de vista de la realidad o una técnica empírica para convertirse en una filosofía de la estética. Asimismo, merece la pena recordar que el mismo Guillaume Apollinaire, desempeñó un papel crucial para el movimiento cubista pues fue uno de los primeros escritores que publicó textos sobre el nacimiento del cubismo y representó para el movimiento un apoyo intelectual; a él se debe la primera clasificación del cubismo en científico, físico, órfico e instintivo. Braque decía siempre que en la pintura lo único que cuenta es la intención. Y es verdad. Lo que cuenta es lo que se quiere hacer, no lo que se hace. Y en el cubismo lo que tuvo importancia fue sobre todo lo que se quiso hacer, la intención que se tuvo. Y ésta no se puede pintar. Picasso El nuevo lenguaje plástico alcanzó su pleno desarrollo en 1914, pero con el estallido de la primera guerra mundial sus más dotados creadores se dispersaron y cada uno siguió su propio destino creativo. Se considera que para 1918 el cubismo había terminado como movimiento histórico. El cubismo reemplazó al fauvismo como el principal movimiento artístico de París.

9 Gleizes y Metzinger publicaron en 1912 su famosa obra titulada Du cubismo (quince ediciones en menos de un año y una traducción al inglés en 1913), seguida de la obra del poeta y crítico francés Guillaume Apollinaire Les Peintres cubistas (Los pintores cubistas), en Los métodos revolucionarios utilizados por los cubistas sirvieron como detonadores de una catálisis para otros estilos y movimientos, incluidos el expresionismo, el futurismo, el constructivismo, el dadaísmo, el surrealismo y el precisionismo. Aunque Picasso, Braque y Gris no perseguían el camino hacia la abstracción, otros artistas sí lo hacían, como es el caso de los orfistas, los sincromistas, los rayonistas y los vorticistas. Las ideas cubistas también fueron absorbidas y, posteriormente adaptadas, por aquellos que trabajaban en otras disciplinas como la escultura, la aquitectura y las artes aplicadas. La escultura cubista se desarrolló a partir del collage y del papier collé, y las nuevas técnicas no sólo liberaron a los escultores y facilitaron la elección de nuevos temas (no humanos) sino que también les obligaron a pensar en la escultura como un objeto construido y no sólo como un objeto modelado. Las cualidades matemáticas y arquitectónicas que se observan en la obra de Gris tuvieron una influencia en este sentido, como puede verse en la obra de Alexander Archipenko ( ) y Ossip Zadkine ( ); Raymond Duchamp-Villon ( , hermano de Duchamp y Villon) y Henri Laurens ( ), ambos franceses; el lituano Jacques Lipchitz ( ); el escultor húngaro de origen francés Joseph Csáky ( ), y los escultores checos Emil Filla ( ) y Otto Gutfreund ( ). Cubismo checo Las teorías cubistas fueron adoptadas con entusiasmo en Checoslovaquia por artistas, escultores, diseñadores y arquitectos, los cuales trasladaron las características de la pintura cubista (formas geométricas simplificadas, contrastes de luz y oscuridad, facetas en forma de prisma, líneas angulares) a la arquitectura y las artes aplicadas, incluso el mobiliario, la joyería, la porcelana, los muebles empotrados, la cerámica y los paisajes.

10 Fueron importantes los miembros del Grupo de Artes Plásticas, fundado en 1911 por Filla y centrado en el cubismo. El grupo estuvo activo en Praga hasta 1914, e incluía escultores como Filla y Gutfreund, así como los arquitectos y diseñadores como Pavel Janák, Josef Gocár ( ), Josef Chochol ( ), Josef Capek, Vlastilav Hofman ( ) y Otoñar Novotny. Gutfreund publicó artículos de gran influencia en la revista mensual del grupo. La casa de la Virgen Negra ( ), unos grandes almacenes diseñados por Gocár, fue el primer edificio de la arquitectura cubista. El Grand Café Orient, situado en la primera planta, con su interior de acabados cubistas y luces fijas cubistas, se convirtió en un punto de encuentro de la vanguardia hasta su cierre, a mediados de los años veinte. Hoy en día, el edificio forma parte del Museo Checo de Bellas Artes y alberga el Museo Checo del Cubismo, inaugurado en 1994, y con una exposición permanente de cuadros, muebles, esculturas y porcelanas cubistas. Este museo también cuenta con una exposición de collages del artista y poeta checo Jira Kolár, quien también trabajó en Francia. Más adelante, sus ideas introdujeron el collage en un contexto más amplio. París pudo haber sido el lugar del nacimiento del cubismo, pero fue Praga donde sus posibilidades fueron exploradas totalmente, dando lugar incluso a una forma de vida. Escultura cubista Es otra vez la figura de Picasso a quien se le atribuye la incorporación de la escultura dentro del lenguaje cubista con su pieza Cabeza femenina (Fernande) de , aunque no es una gran obra, se orientaba hacia formas que posteriormente conocerían un desarrollo más coherente. Aplicó al volumen escultórico la descomposición en planos geométricos que en buena parte, apuntaban el desarrollo de una escultura de estructuras abstractas, e introdujo concavidades que esbozaban de forma incipiente la incorporación del vacío como valor escultórico. Aunado a lo anterior, las realizaciones tridimensionales derivadas del collage como sus construcciones: Guitarra de chapa (1912) o Mandolina y clarinete (1913), introducía en escultura nuevos materiales (chapa metálica, alambre, cordeles, madera sin tallar). Con Vaso de ajenjo (1914), una pequeña pieza de yeso (luego pasada a bronce y pintada), a la que incorporó un objeto de uso cotidiano no realizado por el artista (una cucharilla de plata), iniciaba el assemblage o ensamblado de objetos ya existentes que, con las manipulaciones del artista adquieren nueva vida.

11 Estas innovaciones incidieron en movimientos muy diversos: Dadaísmo, surrealismo, pop-art hasta el presente. La escultura deja de ser imitación de la naturaleza; la anatomía y fisiología dejaron de ser el único vocabulario y la única gramática; surgió un nuevo lenguaje, con el que la escultura, como dice Essen, desarrolló su propia organización lógica. Alexander Archipenko ( ), Henri Laurens ( ), Jacques Lipchitz ( ), Raymond Duchamp-Villon (ya citado) y Constantin Brancusi ( ) son de las figuras más destacadas dentro de la escultura cubista. Poesía cubista Por último, cabe mencionar la presencia de Guillaume Apollinaire dentro de la poesía cubista a través de sus caligramas que son poemas en los cuales la tipografía, la caligrafía o el texto manuscrito se arregla de manera que forme una imagen visual precisamente representativa de aquello que dice. Principales colecciones: Museo Checo del Cubismo, Praga, República Checa. Museo Picasso. París, Francia. Museum of Modern Art. Nueva York. Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York. Tate Gallery. Londres.