Trabajo de historia: Rembrandt

Transcripción

1 Trabajo de historia: Rembrandt Gastón Muñiz Abad G1B

2 Índice Introducción al tema....pág. 1 Breve contexto histórico artístico.....pág. 1 Una mirada a su vida. Breve biografía. Pág. 1-2 Características de la obra de Rembrandt...Pág. 3 Comentario de obra Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp..Pág. 4-5 La ronda de noche.. Pág. 6-8 Autorretrato con bastón Pág Conclusión personal..... Pág. 10 Curiosidad: The Next Rembrandt.... Pág. 10 Webgrafía... Pág

3 Introducción al tema El pintor de la Edad de Oro por excelencia, uno de los más grandes retratistas de todos los tiempos. Hablamos de Rembrandt Harmenszoon Van Rijn, sin duda uno de los pintores más grandes del barroco, se convirtió en una figura eminente no solo en cuanto al arte holandés, sino que su huella ha sobrevivido al paso de los siglos en la historia del arte. La elección de realizar un trabajo sobre Rembrandt está impulsada por lo que consigue crear en el espectador. Sus obras denotan una sublime maestría. Los juegos de luces y sombras, muchas veces colocando el foco de luz de manera estratégica para destacar un personaje y el dinamismo que crea haciendo esto. La teatralidad con la que se acompañan sus pinturas, los ambientes oscuros, su técnica y una larga lista hacen de Rembrandt uno de mis autores predilectos. Por esto lo he elegido para llevar a cabo este trabajo. Breve contexto histórico artístico La producción artística de Rembrandt se constituye a lo largo del siglo XVII, época conocida como el Siglo de Oro o la Edad de Oro neerlandesa. Esto se debe a los grandes cambios ocurridos durante este siglo, así como la victoria de Holanda sobre España en la guerra de los Ochenta años, la cual finalizó hacia la mitad del siglo. También se dieron sucesivos descubrimientos geográficos por parte de los exploradores. Esta fue la época en la que los grandes autores holandeses prosperaron gracias al increíble dominio que tenían sobre las técnicas pictóricas. Uno de los cambios más importantes en la pintura se debe al protagonismo del mercantilismo y la exploración de nuevos lugares, pues estos relegaron a la Iglesia a un segundo plano, pasando de lo que habíamos visto hasta ahora (tratamiento de temas religiosos, los cuales recuperará Rembrandt en su producción) al mundo real. Los temas más comunes oscilaban desde naturalezas muertas a temas marinos, reflejando el poder naval que tenía Holanda por aquel entonces. Una mirada a su vida. Breve biografía del autor Rembrandt Harmenszoon Van Rijn nace el 15 de julio de Su padre, molinero, pudo enviarlo a la Escuela latina. A la edad 14 años, empezó a estudiar en la Universidad de Leiden (algo raro al ser hijo de un molinero), pero pronto abandonó sus estudios en esta universidad al no ajustarse a su vida académica. Rembrandt quería ser pintor. Y pronto comenzó a tomar clases de la mano de un pintor local, Jacob van Swanenburch. Leiden, su ciudad natal, no le ofrecía mucho en el ámbito artístico. Así pues, en 1624 decidió partir hacia Ámsterdam, donde recibió clases de la mano del pintor Pieter Lastman. Un año más tarde regresó a Lieden y abrió un taller junto a uno de sus compañeros. A partir del 1628, comienza a admitir alumnos en su taller. Un dato curioso sobre Rembrandt es que no quiso viajar a Italia, ya que creía que todo lo que podía ver sobre los maestros renacentistas podía verlo en su país natal.

4 La lapidación de San Esteban (1625) Museo BB.AA. Lyon. 89,5 x 124 cm. Óleo sobre tela. Hacia 1631, al morir su padre, se instaló en Ámsterdam, viviendo al principio en la casa del marchante de arte Hendrick van Uylenburgh. Allí prosperó como artista. En el año 1632 se le presenta una gran oportunidad y realiza La lección de anatomía del doctor Tulp, la cual se convertiría en una de sus obras más conocidas. Contrajo matrimonio en el año 1633 con la prima de Hendrick van Uylenburgh, Saskia. Sus numerosas pinturas y dibujos acerca de este aspecto de su vida sugieren que estuvo felizmente casado. Rembrandt y Saskia tuvieron un total de cuatro hijos, aunque solo sobrevivió el último de ellos, Titus. Esta época de su vida culminó con un importante encargo para la sede principal de la Milicia Cívica de Ámsterdam: La ronda nocturna, probablemente su cuadro más famoso. Saskia muere en 1642, un año después de dar a luz a Titus. Pese a que su mujer le dejó una gran fortuna, el afán de Rembrandt por adquirir bienes (cuadros, esculturas, etc.) y la gran depresión que sufrió Ámsterdam hacia mitad de siglo lo llevaron a un estado precario. En 1649 la que fuera su sirvienta, Henrickje Stoffels, se convirtió en su compañera de vida y en una madre adoptiva para Titus. Con ella tendría una hija, Cornelia. Henrickje se convierte en su musa, y ambos viven una etapa relativamente feliz. En 1653 los apuros económicos lo hicieron llevar a cabo una cessio bonorum (una liquidación rápida y eficiente de sus bienes para proceder al pago de los acreedores). Todos sus bienes, incluyendo una impresionante colección de pinturas, fueron subastadas. Pese a esto su producción artística no cesó, sino todo lo contrario. Rembrandt siguió recibiendo encargos, pintando obras como La novia judía (1666) o Jacob bendiciendo a los hijos de José ( ). Henrickje murió en el año 1663, y Titus en el 1668, con tan solo 27 años de edad. Once meses después, el 4 de octubre de 1669, Rembrandt murió en Ámsterdam bajo el umbral del dolor por los fallecimientos de sus familiares y la pobreza que acaecía.

5 Características de la obra de Rembrandt. La innovación que incorporaba la obra del maestro se centraba en el dinamismo que provocaba en sus cuadros. Intentaba que las figuras que pintaba actuaran, no que posaran. Dota a sus obras de focos de luz con mucha fuerza. Desarrolla una forma para describir los gestos en los rostros que pintaba a través de juegos con luces y sombras contrastadas. La sombra alrededor de los ojos de sus retratos hace complicada una lectura precisa de las expresiones, pero sin duda reflejan más allá del cuerpo, a la mente y el alma retratadas. Los temas en los que ahonda la pintura de Rembrandt podemos dividirlos en cuatro grupos: El género religioso. Tema bíblico: Jeremías llorando la destrucción de Jerusalén (1630) El retrato de grupo: Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp (1632) El retrato individual: Retrato de Johannes Wtenbogaert (1633) El autorretrato: Autorretrato con dos círculos. En cuanto a las técnicas utilizadas por el maestro son el óleo (madera, lienzo, etc.) y no solo pintura, Rembrandt era también un gran grabador. Autorretrato con capa y ojos muy abiertos (1630), Rijksmuseum, Ámsterdam. Grabado al aguafuerte y buril. 41 x41 mm. En cuanto a los colores utilizados por Rembrandt podemos hablar de una paleta limitada: negros, marrones y grises, aunque también resaltaba los cuadros con rojos vivos. Muy inclinado a intensificar la superficie de sus cuadros.

6 Comentario de obra. Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp (1632), Mauritshuis, La Haya. Óleo sobre lienzo. 213,5 x 169,5 cm Este cuadro fue el primer retrato colectivo que Rembrandt pinto en Ámsterdam, uno de los primeros encargos importantes que recibió el maestro. Fue encargado por el Dr. Nicolaes Tulp, el cirujano más famoso de Ámsterdam, en el año Los retratos colectivos eran encargados por un grupo de personas en los cuales cada individuo pagaba su propia parte. En él, podemos ver como el Dr. Tulp esta disecando un brazo mientras los demás doctores le observan. Pese a que las disecciones solían ser acontecimientos a los que asistía mucha gente, ya que la cofradía de cirujanos de Ámsterdam permitía una disección púbica anual, podría afirmarse que esta, en concreto, se trata de una disección privada. Esto se debe a que, por lo general, las disecciones públicas comienzan por el abdomen o por la cabeza, y esta lo hace por el brazo. En cuanto a la composición podemos ver claramente como Rembrandt optó por una composición triangular. Se consigue un alto dinamismo en la obra, pese a ser una obra con una temática tranquila (estamos hablando de una disección en la que la observación y el silencio son los aspectos más importantes) gracias al juego de miradas que ocurre en la escena. Cada personaje se ve representado de manera individual. El foco de luz se centra en el cadáver, el cual actúa como eje compositivo para poder entender la obra. (Este cadáver podría recordarnos a la Lamentación sobre Cristo muerto de Andrea Mantegna). Desde aquí, el ojo del espectador se mueve hacia las cabezas iluminadas del resto de cirujanos. El claroscuro

7 utilizado dota a la obra de una gran intensidad. Recordemos que la manera en la que trata Rembrandt este estilo nos hace acordar a otro gran maestro de la pintura, Caravaggio. Simbólicamente podríamos hablar de un mensaje oculto acerca de la moral. Enfatiza la conexión entre la criminalidad y una muerte terrible (Aris Kindt, murió ahorcado el mismo día de la disección por robo a mano armada). Mantegna, Lamentación sobre Cristo Muerto (1480). Pinacoteca de Brea, Milán. Pintura al temple, 68 x 81 cm Detalle Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp (1632)

8 La ronda de noche (1642), Rijksmuseum, Ámsterdam. Óleo sobre tela. 359 x 438 cm Nos encontramos sin duda ante una obra maestra de la pintura, no solo holandesa, si no universal. Quizá la obra más conocida de Rembrandt. Una obra cargada de dinamismo, de movimiento. Se trata de un encargo a Rembrandt para decorar la sede principal de la Milicia Cívica de Ámsterdam. Su título, La ronda de noche o La ronda nocturna (De Nachwatcht en neerlandés) es erróneo, pues es una escena diurna. Su título se debe a que en su descubrimiento, el barniz había oscurecido la pintura debido a su oxidación y el cuadro estaba deteriorado y sucio. Fue después de su restauración en 1947 que se conoció que realmente es una escena diurna. Su verdadero título es: La compañía militar del capitán Frans Banning Cocq y el teniente Willen van Ruytenburg Es un retrato colectivo. Representa el momento en el que la compañía de La Guardia cívica de Ámsterdam comienza su marcha, capitaneada por Frans Banning Cocq (en el centro de la escena) junto a su lugarteniente, Van Ruytenburgh. Tras ellos, vemos la puesta en marcha de toda la guardia. Los cuadros con esta temática eran muy comunes en Holanda. Es un tema acorde con las tradiciones de la pintura holandesa. Aún así, Rembrandt logra romper con el estilo y carga la escena de tensión dramática y de significados ocultos en el propio lienzo.

9 Compositivamente hablamos de una obra muy compleja, a priori desordenada. Los personajes no están posando, más bien parece la fotografía de un instante en el que todos los personajes tienen actitudes distintas. Podemos ver en el centro de la imagen al capitán y el lugarteniente dispuestos verticalmente. A su alrededor, el resto de personajes se halla en grupos marcados por un movimiento diagonal. El cuadro contiene mucha agitación y movimiento gracias al efecto producido por estas líneas compositivas. En cuanto a la luz, podemos ver a un Rembrandt que en su maestría, dispone una penumbra que rodea todo el cuadro, acentuando bruscamente la luz en algunos puntos. Figurantes que parecen disponer de un punto de luz propio, como si de una escena teatral se tratase. Rembrandt es consciente de que haciendo esto, refuerza la tensión y el dramatismo perpetrado en la escena. Cromáticamente estamos ante una composición cálida, dorada. Rembrandt aplica pinceladas pastosas, anchas y espontáneas por una parte y por otro, trazos delicados y pequeños. Hay una marcada penumbra en la obra, casi lúgubre, salvada por la disposición de esos colores cálidos. En lo que a los símbolos escondidos en la obra se refiere, observamos que la figura femenina que destaca en la obra parece brillar gracias a ese foco de luz propio que la toca. La penumbra parece no llegar a ella. Los elementos que lleva podrían ser una alusión a los elementos del escudo de la Guardia cívica: la gallina que cuelga de su cinturón, un pequeño saco como el que llevan los guardias para la pólvora y los colores del traje.

10 Apreciación sobre los cambios de valor: es más sencillo distinguir los cambios de valor en una imagen en blanco y negro. Aquí se puede observar como el centro del lado izquierdo de la obra es la figura femenina, ya que parece que literalmente está brillando. Frans Hals, La flaca compañía ( ). Rijkmuseum, Ámsterdam. Óleo sobre lienzo. 209 x 429 cm Apreciación sobre la diferencia de estilo entre Rembrandt y Frans Hals.

11 Autorretrato con bastón (1658), Frick Collection, Nueva York. Óleo sobre lienzo. 133,5 x 104 cm. Rembrandt no solo fue un excelente pintor y grabador del mundo que lo rodeaba, sino que también lo fue de sí mismo, de su persona. No se concibe la obra de Rembrandt sin sus autorretratos, los cuales fueron más de cien entre pinturas, grabados y dibujos. Estos conforman un hilo biográfico a lo largo de más de cuarenta años, ilustrando sus cambios tanto personales como físicos. Juventud y vejez se ven reunidas a lo largo de cuarenta pinturas que hacen de este artista uno de los más grandes maestros de toda la historia del arte. Nos encontramos ante un autorretrato que llevó a cabo a la edad de 58 años.

12 Compositivamente es una obra que contrariamente a lo que hemos visto hasta ahora, destaca por su calma, acentuando la serenidad del maestro, quien reposa en una silla. En cuanto a la luz podemos ver una penumbra característica en la obra de Rembrandt, con acentuaciones de luz sobre su cuerpo, sobretodo en su mano derecha y en su rostro. Los ojos permanecen en la sombra y esta dota a su mirada de una cierta melancolía y tristeza por un pasado que se fue. En cuanto al color vemos un ambiente de colores cálidos, amarillos, ocres y tierras y rojo. Estos colores dorados podrían denotar la grandeza con la que se representa el autor. Sus ropas son vanidosas y el color dorado hace justicia a estas. Simbolismo en la obra: hablamos de una época en la que Rembrandt estaba pasando por una situación económica muy precaria. Había ocurrido la tercera subasta de todos sus bienes y se encontraba casi en la miseria. Rembrandt había sido famoso y venerado en toda Holanda. Su fortuna lo acompañó desde la juventud y vivió una vida lujosa y derrochadora. Era coleccionista, conocido por hacer pujas tan altas en las subastas que los otros compradores solían perder el interés por los bienes. Pero esa vida había llegado a su fin. Económicamente se encontraba en decadencia. Por qué pues, se representa en esta obra de manera vanidosa, con ropas lujosas? Porque pese a encontrarse prácticamente en la ruina, Rembrandt seguía siendo uno de los más grandes maestros de la historia del arte y tenía plena consciencia sobre ello. Pese a su mirada triste, humilde, serena, seguía enfrentándose al mundo. Conclusión personal Personalmente, Rembrandt me parece un genio. Su manera de representar la realidad es sublime cuanto menos, la teatralidad y el movimiento con el que carga escenas que en principio no tendrían por qué tener ese dramatismo me parece única. El trazo que utiliza, que a mi parecer influye en gran medida a otro gran maestro, Goya. Los colores pastosos, los amarillos, los claroscuros (esa influencia caravaggista que parece tener), la penumbra constante que rodea su obra. Sin duda Rembrandt es uno de los más grandes maestros en la historia del arte. Curiosidad: The Next Rembrandt Una galería de Ámsterdam exhibió una obra realizada por un software a través de algoritmos. Tras el análisis de 326 obras, la máquina realizó un retrato. Ver vídeo: Webgrafía -Rembrandt en la memoria de Goya y Picasso. -Rembrandt Biography and Chronology.

13 -Rembrandt artist National Gallery, London -El Museo de arte Thyssen Rembrandt -Historia de la Edad de Oro holandesa -Siglo de Oro de Holanda Economía de las Provincias Unidas -Análisis histórico artístico de La ronda de noche de Rembrandt / Arte / Homines. Portal de Arte y Cultura -Rembrandt van Rijn -Estudi-Arte: El Arte en la Historia: Rembrandt: La ronda nocturna -Anatomy Lesson of Doctor Nicolaes Tulp, Rembrandt: Analysis, Interpretation -Genios de la Pintura 12 de 024 Rembrandt [Documental] YouTube -Rembrandt Van Rijn. Autorretrato, Óleo sobre tela, Departamento de Educación Departamento de Educación