-Concepto de arte escénica

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1 B l o q u e 1. L a s a r t e s e s c é n i c a s. S u c o n t e x t o h i s t ó r i c o CAPÍTULO 1.-LAS ARTES ESCÉNICAS -Concepto de arte escénica El término "Artes Escénicas se usa para referirse a aquellas manifestaciones socioculturales y artísticas que utilizan para su expresión y comunicación técnicas teatrales sobre un escenario, integrando otras expresiones artísticas literarias (pensamiento, lenguaje, texto dramático etc.), plásticas (iluminación, escenografía, vestuario, caracterización ) y usicales. Las Artes Escénicas encuentran su primera característica en que resultan de la conjunción de lo visual y de lo auditivo, en un espacio tridimensional y con sus elementos en movimiento. Son artes temporales y espaciales a la vez, visuales y auditivas al mismo tiempo. Su finalidad es la exhibición pública, generalmente ante una colectividad de espectadores, aunque sus fines artísticos son, como en todas las artes, la creación de belleza mediante la armonización de determinados elementos en una estructura concreta, la expresión artística de un individuo o grupo de individuos, la creación de formas culturales propias de un colectivo o grupo humano, y la celebración lúdica. Por tanto, una definición de artes escénicas sería la siguiente: Las artes escénicas comprenden el estudio y la práctica de formas expresivas que se inscriben en el universo de la interpretación, como el teatro, la danza y la música, así como otras formas de espectáculo, como el circo, la performance, etc., que utilizan a la vez todos estos recursos y tengan como fin la exhibición pública. Los elementos fundamentales comunes a todas las Artes Escénicas son los siguientes: a) El espacio y el tiempo utilizados en estrecha relación como elementos estructurales y de expresión. Lo que es propio de las Artes Escénicas en este aspecto es la presencia inmediata de la interpretación, lo que se llama el aquí y ahora. b) La acción (física o verbal). La representación escénica nunca es estática, ni en lo físico, ni en lo expresivo ni en lo emocional: el movimiento en todos estos sentidos es lo que les da fundamento. c) La estructura y sus componentes (texto, personaje, conflicto, situación). De la ordenación de los elementos en una estructura nace la belleza y la expresión. -Clases de artes escénicas Las Artes Escénicas incluyen a la Danza, la Ópera, el Teatro y las Artes Circenses. A los artistas que participan en estas artes los llamamos intérpretes o ejecutantes, incluidos los actores, comediantes, bailarines, músicos y cantantes. Las Artes Escénicas también están apoyadas por trabajadores en ámbitos conexos, como escritores, compositores, escenógrafos, iluminadores, vestuaristas, maquilladores, tramoya, productores. Existe, además, una forma especializada de arte escénico en el que las y los artistas realizan su trabajo de cara al espectador como si se tratara de una obra plástica viva, a la que se le llama Performance y a la que, por lo mismo, junto con la Danza Moderna o Contemporánea, suele considerársele como más cercana a la Plástica. Elementos comunes a las artes escénicas Dramaticidad: poseen el rasgo básico que caracteriza al drama (representación de una acción llevada a cabo por unos personajes en un espacio determinado). Es decir, presentan una determinada situación o hecho. La obra dramática es sólo literatura, es decir, es una creación de lenguaje concebida por un autor llamado dramaturgo, quien inventa y desarrolla, a partir de un conflicto, una o más acciones en un espacio y tiempo determinado. La obra dramática IES Alborán. Bachillerato de Artes Escénicas. Página 1

2 es todo aquel mundo creado por un autor y susceptible de ser representado escénicamente ante un público, por tanto, posee una virtualidad teatral, es decir, la posibilidad de ser representada. El objetivo de su creación es su representación, aunque muchas de ellas no logran este propósito. Para la creación de una obra dramática, el dramaturgo puede hacer uso de algunos elementos técnicos, como: acto, cuadro, escena, acotación, aparte y mutis. Teatralidad: Poseen características específicamente teatrales (unos intérpretes, unas escenas, un público, una adaptación a unos espacios ). La teatralidad es la concreción, o representación, de la obra dramática; mediante la puesta en escena se muestra de manera directa audible y visible el texto, para que los espectadores participen, se interesen y se conmuevan. En una representación teatral intervienen una serie de elementos que contribuyen a su realización, como actores, maquillaje, vestuario, iluminación, escenografía, música, ambientación, interpretación, dicción. Diferencias con otras artes Las Artes Escénicas difieren de las Artes Plásticas en la medida en que aquellas usan el propio cuerpo del artista, la cara y la presencia como medio de expresión estética, mientras ésta utiliza materiales como la arcilla, el metal o la pintura que pueden ser moldeados o transformados para crear arte objeto físico. Elementos específicos y diferentes en las diferentes artes escénicas a.- La danza o el baile es la ejecución de movimientos acompasados con el cuerpo, los brazos y las piernas. La danza, por tanto, es movimiento. Y un movimiento muy especial ya que requiere de cinco elementos fundamentales, los cuales se interrelacionan para transmitir un mensaje artístico: ritmo; expresión corporal; movimiento; espacio y color. b.- El teatro musical. La ópera (del italiano opera, "obra musical") designa, desde aproximadamente el año 1350, un género de música teatral en el que una acción escénica es, cantada armoniosamente por los actores-cantantes y tiene acompañamiento instrumental y musical. Otros géneros de teatro musical, que están estrechamente relacionados con la ópera, son la zarzuela española, el Singspiel alemán, la Opereta vienesa, la Opéra-comique francesa y el musical inglés y estadounidense. Cada una de estas variantes del teatro musical tiene sus características propias, sin que tales les sean privativas y, en no pocas ocasiones, provocando que las fronteras entre tales géneros no sean claras. c.- Un circo es un espectáculo artístico, normalmente itinerante, que incluye a acróbatas, payasos, magos, adiestradores de animales y otros artistas. d.- La performance y otras formas escénicas de vanguardia. Una performance es una muestra escénica, muchas veces con un importante factor de improvisación, en que la provocación o el asombro, así como cierto sentido especial de la estética juegan un rol principal. Una performance, por lo tanto, intenta sorprender al público ya sea por su temática o por su estética. Este tipo de acciones están vinculadas a la improvisación, el arte conceptual y los happenings (manifestaciones artísticas que contemplan la participación del público). La historia del performance art empieza a principios del siglo XX, con las acciones en vivo de artistas de movimientos vanguardistas. Creadores ligados al futurismo, al dadaísmo y al surrealismo realizaban exhibiciones no convencionales en el Cabaret Voltaire. El arte de la performance es aquel en el que el trabajo escénico lo constituyen las acciones de un individuo o un grupo, en un lugar determinado y durante un tiempo concreto siempre y cuando se involucre cuatro elementos básicos: tiempo, espacio, el cuerpo del artista y una relación entre éste y el público. IES Alborán. Bachillerato de Artes Escénicas. Página 2

3 CAPÍTULO 2.- LAS ARTES ESCÉNICAS COMO OBRAS DRAMÁTICAS Texto principal Una obra dramática es un texto escrito o de transmisión oral- que recoge un material lingüístico (parlamentos de un unos personajes o parlamentos y acotaciones) destinado a una representación y, por tanto, ajustado a las convenciones propias del teatro, lo que le otorga un carácter diferente al de los otros textos literarios, independientemente del proceso de comunicación en que entrará este texto. En el lenguaje dramático predomina una estructura dialógica, que implica tener siempre un tú al cual constantemente se interpela. El interlocutor se identifica mediante expresiones calificadas como vocativos, ubicadas en el texto entre comas. El mundo se representa directamente ante el lector o el espectador (en el caso de que esté representada), a través de las diversas formas del discurso de los personajes: diálogo, monólogo, soliloquio y aparte: a) Diálogo: intercambio de mensajes entre dos o más personajes, alternando los papeles de emisor y receptor. Se presenta a través de los parlamentos de los personajes, o voces dramáticas. b) Monólogo Es la forma de discurso que permite que un personaje solo en escena pueda expresar sus ideas sin dirigirse a nadie, sino como revelación de su pensamiento más íntimo. Hoy en día el término monólogo se ha puesto de moda gracias a las intervenciones que ciertos humoristas realizan sobre un escenario ante el público. c) Soliloquio: Es también una forma de discurso para un personaje que está solo en escena, pero la ligera diferencia que tiene con respecto al monólogo es que el personaje dirige sus palabras a alguien. Muchos autores no advierten diferencias entre monólogo y soliloquio, ocupándolos como sinónimos. d) Aparte: forma discursiva en donde un personaje habla en voz alta, suponiendo que los otros personajes presentes en la escena, no lo escuchan, estableciendo, además, una cierta complicidad con otro personaje o con el público. Muchas veces, en estos apartes se manifiestan sentimientos o pensamientos personales. e) Mutis: se conceptualiza como el silencio de un personaje que señala su retiro de la escena. f) Voz en off: Cuando se habla fuera de escena. g) Coro: se daba en el teatro grecolatino, en ciertos momentos de la representación; era la voz de la conciencia del personaje, el narrador o una comunidad de personas. Este personaje colectivo IES Alborán. Bachillerato de Artes Escénicas. Página 3

4 solía poner el punto final a cada uno de los episodios en los que estaban divididas las obras dramáticas. El texto secundario 1. No se ve ni oye durante la representación. Llega al espectador solo si aparece en el programa de mano que se entrega junto con la entrada, o si lee una versión impresa de toda la obra. 2. Forman parte de ese texto secundario: Título de la obra. Drammatis personnae. Relación inicial de todos los personajes que intervienen. Aportan al lector información sobre edad, parentesco, nombre, relaciones entre ellos. Suelen aparecer por orden de importancia. En realidad, se trata de una acotación. Acotaciones (didascalias). Son orientaciones que intentan clarificar la comprensión de la obra, por lo cual, aunque aparezcan ante nuestros ojos cuando leemos una obra dramática (normalmente entre paréntesis o con letra cursiva), no pueden ser pronunciadas durante una representación, sino que el autor las incluye, bien para el lector, bien para el director de la puesta en escena. 3. Las acotaciones pueden ser de varios tipos: 1. Hacen referencia a la acción. Indican el lugar, la iluminación, el decorado, los sonidos o ruidos, pero también, la presencia de materiales expresivos diferentes del contenido y la forma de los parlamentos y elementos técnicos como sonidos, música, iluminación, objetos, cambios, etc. o cuestiones relacionadas con el espectáculo, por ejemplo, proyección de un audiovisual, audición de música antes de levantarse el telón, etc. 2. Las referidas a los personajes. Informan sobre el vestuario, gestos, tono de voz, por dónde entran y salen los personajes, qué hacen, etc. Se trata de aclaraciones que el autor de la obra dramática realiza sobre cómo debe ser el decorado, cómo se tienen que mover los personajes, qué gestos deben hacer La Información sobre la ficción. Acotaciones, con frecuencia, dirigidas más a un lector que no propias de un texto para ser representado: desde la localización espacial y temporal (macroespacio, siglo, año ) hasta acotaciones sobre la interioridad de los personajes. Ofrecen instrucciones sobre los aspectos no verbales de la puesta en escena. Características del género dramático La palabra dramático deriva de drama y este término procede de la palabra griega que significa 'hacer', por esa razón se asocia normalmente a la idea de acción. El adjetivo dramático es el nombre genérico de toda creación literaria en la que un artista llamado dramaturgo concibe y desarrolla un acontecimiento dentro de un espacio y tiempos determinados. Los hechos se refieren a personas o caracteres que simbolizan en forma concreta y directa un conflicto humano. El mundo dramático se construye a partir de un doble eje organizador capaz de lograr su unidad específica. Este doble eje sobre el cual estructura el mundo dramático está compuesto por la ACCIÓN y el CONFLICTO, que constituyen los dos núcleos temáticos de toda obra dramática. Las obras dramáticas tienen como eje central el desarrollo de un conflicto, es decir, una lucha entre dos fuerzas opuestas que luchan por alcanzar su objetivo. El conflicto adquiere el carácter de dramático al interior de la obra y puede referirse a diversos temas: amor, guerra, venganza, etc. Además, el conflicto puede ser consigo mismo (conflicto interno) o en relación con otra persona, la sociedad, el universo o la naturaleza. IES Alborán. Bachillerato de Artes Escénicas. Página 4

5 El desarrollo del conflicto supone la realización de actos por parte de quienes encarnan las fuerzas que luchan (los personajes). Así, la acción dramática es la forma estructurada que supone la interacción entre los personajes y asegura el desarrollo y solución del conflicto. Los géneros dramáticos. El teatro occidental adoptó ya en sus orígenes en Grecia dos formas diferenciadas: la tragedia y la comedia. A estos dos géneros teatrales mayores vendría a sumársele en el s. XIX el drama, cuyo antecedentes hay que buscar en la Tragicomedia renacentista y la mezcla de géneros que se dio en el teatro español del Siglo de Oro o en el teatro Isabelino inglés. Géneros dramáticos mayores TRAGEDIA: La gran época de la tragedia corresponde a la Grecia y la Roma clásicas con Esquilo, Sófocles, Eurípides y Séneca. Shakespeare y otros autores ingleses y franceses como Corneille y Racine la renovaron en los siglos XVI y XVII. A partir del s. XIX, la tragedia adopta la forma de drama y, en lugar de enfrentar a los personajes con una fuerza ciega contra la que no pueden luchar, los enfrenta con conflictos morales, consigo mismos, con sus pasiones, temores y fracasos o con el sinsentido de la existencia humana. Los elementos que la caracterizan son los siguientes (según la Poética de Aristóteles): a) Superioridad social y jerárquica de los personajes: dioses, reyes, héroes mitológicos. b) La acción del héroe trágico, que pone en movimiento el proceso que lo conducirá a su perdición, suelen estar causadas por un error trágico (hamartía) o por verse arrastrado por una pasión incontenible. c) El orgullo y obstinación del héroe que persevera a pesar de las advertencias y que se niega a claudicar (hibris). d) El sufrimiento del héroe que la tragedia comunica al público (pathos). e) El sufrimiento del héroe trágico debe producir en los espectadores la purgación de las pasiones del temor y la compasión (catarsis). COMEDIA.- En las comedias los personajes protagonistas suelen ser hombres y mujeres comunes, a menudo ridiculizados o caricaturizados, que son puestos en situaciones absurdas o irrisorias para diversión de los espectadores. El desenlace de las comedias suele ser feliz y optimista. Su fin es conseguir la risa del público y el reconocimiento de ciertos vicios, defectos y lacras sociales cuando no la crítica a determinadas personas e instituciones; el enredo y equívoco de las situaciones, son característicos de este género teatral cómico. El autor griego Aristófanes llevó este género a su plenitud en el s. V a. de C. Plauto y Terencio lo desarrollaron en Roma. Shakespeare, Lope de Vega, Molière lo hicieron entre los siglos XVI y XVII. Desde el siglo XIX es, junto con el drama, el género teatral con más vitalidad. DRAMA.- Es el subgénero dramático intermedio entre la tragedia y la comedia. Las pasiones en el drama no alcanzan la intensidad que poseen en la tragedia. A veces, se intercalan elementos cómicos (de ahí que se le denomine también con el nombre de tragicomedia). El final suele ser desgraciado, pudiendo llegarse, incluso, a la muerte de alguno de sus personajes. Los dramas son muy frecuentes en el teatro isabelino inglés y en el teatro español del siglo de oro (Lope de Vega, Tirso de Molina y Calderón de la Barca), con nombres, entre otros, de IES Alborán. Bachillerato de Artes Escénicas. Página 5

6 comedia nueva o comedia famosa. En el siglo XIX autores como Chejov o Ibsen confirieron al drama una gran profundidad simbólica y ética. Los géneros dramáticos menores PASO.- ENTREMÉS.- SAINETE.- FARSA.- AUTO SACRAMENTAL MONÓLOGO.- VODEVIL.- Pieza dramática de breve duración, asunto sencillo y tratamiento cómico. El paso, denominado así por Lope de Rueda en el siglo XVI, está considerado como el precursor del entremés y se caracteriza por su lenguaje realista. En un solo acto y de trama cómica y jocosa; surgió en España, en el siglo XVI; los entremeses eran representados en los intermedios de las jornadas de una obra. Pieza jocosa de breve duración de carácter y argumento popular, en la que se ridiculizan los vicios y convenciones sociales; derivado del entremés y con o sin canciones. Es propio del siglo XVIII y su principal cultivador fue Ramón de la Cruz Pieza cómica destinada a hacer reír. La diferencia entre la farsa y la comedia reside en el asunto; que en la primera al contrario que en la segunda, no necesariamente tiene que ser convincente o cercano a la realidad. Obra dramática en un solo acto y escrita en verso. Trata temas profundos mediante personajes alegóricos. El gran teatro del mundo de Calderón de la Barca. Muy frecuente en el siglo de oro español. Pieza dramática interpretada por un solo actor, aun cuando en ella puedan intervenir varios personajes; es un parlamento de extensión superior a lo habitual en los diálogos, pronunciado en solitario o en presencia de otros personajes. Comedia aligerada con canciones y bailes, de carácter marcadamente frívolo, alegre y de asunto amoroso, con marcada intriga y enredo; muy popular en Francia en los siglos XVIII y XIX. Los géneros dramáticos musicales ÓPERA ZARZUELA OPERETA REVISTA MUSICAL o Representación teatral a lo largo de cuyo desarrollo, cantan los distintos personajes; en ella la acción dramática se conjuga con la intervención de la orquesta, danza, palabra, decorado y otros elementos. Conforme a su estilo y contenido, se puede hablar de ópera seria, bufa, idílica romántica, legendaria, etc. El origen de la ópera se sitúa en la Italia de finales del siglo XVI, cuando el músico Emilio Cavalieri y el libretista Laura Guidiccioni, estrenan las primeras piezas de este género. Obra dramática y musical, en la que alternativamente se declama y se canta. Como género específicamente español, tiene sus orígenes remotos en la musicalización de distintos misterios y dramas. El creador fue Calderón de la Barca, con su pieza El jardín de Farelina, estrenada en 1648 y otros dicen que fue Lope de Vega con La selva sin amor de 1629; el hecho de que muchas piezas de este género fueran representadas en la casa de recreo denominada La Zarzuela que la familia real poseía en el Pardo, acabó por conferirle su nombre. Especie de ópera, de asunto frívolo y carácter alegre, en el que predomina la sátira. Espectáculo teatral de carácter frívolo en el que alternan elementos dialogados y números musicales. IES Alborán. Bachillerato de Artes Escénicas. Página 6

7 Los códigos de significación escénica En las artes escénicas el signo se manifiesta con la mayor riqueza, variedad y densidad. En un espectáculo escénico todo se convierte en signo, todo adquiere significado. La escena se sirve tanto de la palabra como de códigos no lingüísticos. Utiliza signos procedentes de cualquier actividad o campo: de la naturaleza, de la vida social, de las profesiones, y también de todos los demás dominios artísticos. TABLA DE LOS TRECE SIGNOS DEL ESPECTÁCULO (TADEUSZ KOWZAN) Para un análisis del significado de un espectáculo teatral, se proponen trece sistemas de signos. 1. Palabra 2. Tono Texto Oral auditivos Tiempo auditivos (actor) 3. Mímica 4. Gesto 5. Movimiento Expresión corporal Actor visuales Espacio y tiempo visuales (actor) 6. Maquillaje 7. Peinado 8. Vestuario Apariencia del actor externa Espacio 9. Accesorios 10. Decorado 11. Iluminación 12. Música 13. Efectos sonoros Características espacio escénico del Efectos sonoros no articulados Externos al actor auditivos Espacio y tiempo Tiempo visuales (externos actor) auditivos (externos actor) al al IES Alborán. Bachillerato de Artes Escénicas. Página 7

8 (Este texto es resumen y adaptación del articulo de Tadeusz Kowzan El signo en el teatro, en el libro Teoría del Teatro, Edit. Arcolibros S.L.) En el comentario de estos signos escénicos, que señaló por Kowzan, en un espectáculo escénico concreto podemos considerar lo siguiente: LA PALABRA O TEXTO. La palabra o texto está presente en casi todas las manifestaciones teatrales, excepto en el ballet y en la pantomima. Su papel y sus cargas significativas, en relación con los demás sistemas, dependerá de los géneros dramáticos, de las modas literarias, de los estilos de puesta en escena, etc. Puede ocurrir que haya ruptura intencional entre la fuente de la voz y el sujeto hablante, como en el caso de las marionetas o en el uso de voces pregrabadas, y en ese caso también ese hecho adquiere un valor significativo. EL TONO. La entonación, el ritmo, la velocidad, la intensidad y la dicción modulan y matizan el signo lingüístico. Las variaciones en este aspecto pueden tener valor estético, pero también significativo. LA MÍMICA DEL ROSTRO. Se trata del sistema de signos más próximo a la expresión verbal. Existe toda una serie de signos mímicos afines a formas de comunicación no lingüística, a las emociones y a las sensaciones corporales de agrado y desagrado. LOS GESTOS. Un gesto es cualquier movimiento o actitud de las manos, los brazos, las piernas, la cabeza o el cuerpo entero, con el fin de comunicar signos. LOS MOVIMIENTOS ESCÉNICOS DEL ACTOR. Son los desplazamientos del actor en el espacio y pueden ser: Espacios sucesivos ocupados en relación a otros actores, a los accesorios, a la escenografía y a los espectadores. Modos de desplazamiento (velocidad, ritmo, etc.) Entradas y salidas. Movimientos colectivos. EL MAQUILLAJE O LA MÁSCARA. Destaca el rostro del actor bajo determinadas condiciones de luz. Si es una máscara tipifica y fija el personaje. El maquillaje, junto con la mímica, crea la fisonomía del personaje. El PEINADO. Viene asociado al vestuario y al maquillaje, pero en realidad es un elemento independiente que puede proporcionar significados importantes, como tiempo, edad, momento histórico, estado de ánimo, etc. IES Alborán. Bachillerato de Artes Escénicas. Página 8

9 EL VESTUARIO. CAPÍTULO 1.-LAS ARTES ESCÉNICAS Es, como en la vida, vehículo de signos artificiales de gran variedad. En teatro es el medio más externo y convencional de definir al personaje. LOS ACCESORIOS. Constituyen un sistema autónomo de signos. Pueden tener un significado identificador de lugares y situaciones, pero a veces adquieren una función teatral, cuando su presencia o ausencia puede modificar comportamientos o cobran un valor significativo dentro de la representación. Si representan simplemente objetos presentes en la vida con signos de esos objetos en primer grado. EL DECORADO O ESCENOGRAFÍA. Su finalidad es representar un lugar, geográfico, social, o ambas cosas a la vez. Puede expresar tiempo, estación del año, parte del día, pero también puede transmitir atmósferas, ambientes, conceptos y situaciones. No se limita a los elementos que contenga, sino que también influye su colocación, sus cambios, etc. Puede incluso no existir y esto también tiene un valor significativo. LA ILUMINACIÓN La luz sobre el escenario es un elemento introducido recientemente, pues su primera aparición se produce a finales del siglo XVII. Se aprovecha para destacar otros medios de expresión, pero en sí misma puede tener valor significativo. La luz teatral tiene un uso cada vez más amplio y rico desde el punto de vista del significado, tanto en espectáculo cubierto como al aire libre. Permite limitar el campo escénico; las luces, polarizadas sobre una parte del escenario, expresan un lugar determinado de la acción, y el foco del proyector aíslan un actor o un accesorio del resto de la escenografía. Intensifica o atenúa el valor de un gesto, de un movimiento. Dentro de la iluminación entraría también la proyección, aunque su función significativa puede sobrepasar el aspecto de iluminación. Puede haberlas fijas o móviles, pudiendo incluso sustituir al decorado. Actualmente, la proyección tiene formas muy variadas y se ha convertido en un medio de aportar signos de otros sistemas o incluso más allá de ellos. LA MÚSICA. El valor significativo de la música aplicada al espectáculo es indudable. Su papel consiste en subrayar, ampliar, desarrollar, o a veces contradecir, signos de otros sistemas, o incluso reemplazarlos. Las asociaciones rítmicas o melódicas unidas a cierto tipo de música pueden evocar tiempos, ambientes, situaciones, lugar o época de la acción. El tema musical que acompaña las entradas y salidas de cada personaje se convierte en signo de cada uno de ellos, así como los motivos musicales para escenas retrospectivas. El caso más extremo es el del teatro musical, donde la música tiene el valor de la entonación y la dicción en la palabra. LOS EFECTOS SONOROS. No pertenecen ni a la palabra ni a la música; son los ruidos. Hay signos naturales propios del mismo movimiento de la representación, pero los que interesan a efectos de lo significativo son los producidos con intencionalidad, pues siendo ruidos naturales o artificiales en la vida son reproducidos artificialmente para los fines del espectáculo y forman el sistema de los efectos sonoros. IES Alborán. Bachillerato de Artes Escénicas. Página 9