XIV. El arte renacentista en Francia, España, Alemania e Inglaterra

Transcripción

1 XIV. El arte renacentista en Francia, España, Alemania e Inglaterra Renacimiento francés. El contacto con Italia va a determinar la evolución del gótico francés hacia la adopción del tipo arquitectónico italiano. La estancia de los Papas en Avignon ( ), las guerras con Italia -Carlos VIII, Luis XII, Francisco I - favorecieron el conocimiento de los hombres y las obras italianas, intensificado más tarde por la influencia ejercida en la corte francesa por artistas venidos de Italia. El Renacimiento en Francia fue un movimiento importado, de carácter real, impuesto por los reyes a la aristocracia y extendido luego al resto de la nación; en contraste con el período gótico, la centralización, el poder absoluto, que caracterizan a la Francia de esa época, van a producir ese arte áulico, que se impuso, más tarde, adquiriendo caracteres de producto nacional. El realismo gótico le preparó el camino y sus primeras manifestaciones arquitectónicas fueron una fusión del gótico -en la estructura- y el Renacimiento -en la ornamentación. Al arte gótico popular y religioso, sucede el renacentista cortesano y laico, cuyos caracteres fundamentales son la belleza, la gracia y la elegancia. Arquitectura. Tiene su mejor ejemplo en la evolución del chateau medieval al palais renacentista, donde las estructuras góticas "aderezadas a la italiana" evolucionarán hasta culminar en un tipo constructivo que, si tuvo inspiración inicial en Italia, culminó en una forma arquitectónica netamente francesa. Este proceso se realizó en tres etapas sucesivas. Época de Carlos VIII y Luis XII. Es el momento del primer contacto con Italia en que prevalece el carácter ornamental, revelado en los detalles clásicos, al modo italiano, aplicados a construcciones estructuralmente góticas, tales el Chateau d'amboise y las construcciones hechas en la época de Luis XII en el famoso castillo de Blois. Época de Francisco I. Señala la transición del gótico al Renacimiento; a impulsos del entusiasmo real por el arte de Italia, que practican en Francia artistas italianos, comienzan a erigirse o transformarse los célebres Chateaux de la Loire entre ellos los de Azay-le-Rideau, Chenonceaux, Chambord y el ala construida en el Castillo de Blois bajo Francisco I (famosa escalera diseñada por Leonardo da Vinci) y el Castillo de Valencay en el cual se acentúa el carácter renacentista. Época de Enrique II. Se intensifica en este período la influencia del clasicismo importado de Italia, desaparecen las torres, que son sustituidas por los pabellones, elementos característicos, como las lumbreras, de la arquitectura francesa; las fachadas, a la italiana, se distinguen por su sobriedad decorativa y revelan la influencia ejercida por las obras de Vitrubio, Vignola, Palladio y Serlio y la huella impresa por los artistas de Fontainebleau en el arte francés; comienzan a abrirse en las fachadas los huecos circulares (ventanas en oeil de boeuf y nace, con Filiberto Delorme, el Ilamado "orden francés" -columnas formadas de tambores unidos por cinturones decorativos. El Chateau d'anet, hecho por Delorme para Diana de Poitiers, la famosa Duquesa de - 1 -

2 - 2 - ARS Valentinois; la fachada del primitivo Palacio del Louvre (obra de Pierré Lescot), el Hotel Carnavalet -hoy museo, antigua residencia de Ligneris, de la viuda del Barón Karnevernay, de donde tomó su nombre, y, finalmente, de Mme. de Sévigné- y las Tullerías, se cuentan entre las obras más importantes de este período. Con él termina el Renacimiento francés propiamente dicho, bajo la dinastía de los Valois (de Carlos VIII a Enrique II); con el reinado de Enrique IV, que inaugura la Casa de Borbón, continúa la evolución de la arquitectura bajo la inspiración clásica que dará lugar, en su evolución posterior, al estilo nacional desarrollado bajo los Luises. Escultura. La escultura realista, que conocimos en la etapa final del arte gótico, las últimas escuelas francesas mencionadas al hablar de las manifestaciones locales en aquel período -Tours, Troyes-, la escultura borgoñona -Marville, Sluter, Werwe-, influidas por la producción italiana, que representaban artistas como Francisco Laurana y Guide Mazzoni, que llevaron a Francia las tendencias renacentistas, representan el primer aspecto ofrecido por la escultura francesa en los albores del Renacimiento. La transición estilística entre el gótico y el Renacimiento, está representada en la escultura francesa por obras que se caracterizan por su realismo formal en la versión del tema religioso del Entierro de Cristo. El de Solesmes, obra de Michel Colombe; el de Saint Mihiel, de Ligier Richier y el de Saint Germain, de Jean Goujon pueden servir de ejemplos representativos. Colombe, a quien se atribuye también la Vierge de I' Olivet, cronológicamente aún en el siglo XV, se manifiesta dentro del espíritu nuevo en su San Jorge combatiendo al Dragón. Con Richier ya entramos en el siglo XVI. Su tumba de Chalons, es una muestra de la tendencia realista con que se inicia el Renacimiento francés; la figura del difunto, cuyo esqueleto todavía cubren parcialmente fragmentos de la carne en descomposición, es una manifestación de ese realismo macabro patente en otras obras, como el Cadáver esculpido de la Iglesia de San Samson, Clermont, Oise. Otra concepción del realismo, que aspira a traducir en piedra la figura humana con el verismo de una réplica, es el Cristo atado a la Columna de la Iglesia de San Nicolás, en Troyes. A lado de ese tipo escultórico aparece el de las tumbas de influencia italiana, cultivado por los otros escultores del Renacimiento francés: Michel Colombe, Jean Juste, Pierre Bontemps, Jean Goujon y Germain Pilon, autores respectivamente de los sepulcros de Francisco II de Bretaña, Luis XII y Ana de Austria, Francisco I, Luis de Brezé y Enrique II y Catalina de Médicis. No fue la funeraria la única manifestación de la escultura renacentista francesa; el retrato y los asuntos religiosos y paganos figuran también en su temario. Las Cariátides (Museo del Louvre), el relieve de las Ninfas en el baño, y las famosas Ninfas de la Fuente de los Inocentes (Paris), figuran entre las obras más importantes de GouJon, junto a las cuales debemos recordar la Diana, muy lejos del espíritu de la escultura antigua, no es la Diana mitológica de sereno nudismo pagano, sino la bella figura que copia los encantos de la Duquesa de Valentinois desvestida. Como ilustración de la obra de Germain Pilon, pueden citarse, el Monumento para el corazón de Enrique II, en el cual sostienen la urna cineraria tres Gracias púdicas, veladas al modo de las Ninfas de Goujon, y los retratos del Obispo de Morvillier y el Canciller de Birague, en tanto que

3 el retrato de Claudia de Francia, es buena muestra del arte de Bontemps. Jean Goujon. Ninfas de la fuente de los Inocentes. París. Interiores y mobiliario. La gran época de la decoración y la ebanistería francesa es el siglo XVIII en que aparecen los verdaderos estilos nacionales, pero el Renacimiento, a través de sus etapas sucesivas bajo la dinastía Valois, marca la transición del gótico al gran arte borbónico, influido por los modelos de Italia. Los castillos, estructuralmente góticos, se aderezan interiormente a la italiana y a los motivos ornamentales medievales se unen los del clasicismo importado. Las paredes paneladas son pintadas y decoradas con estucos o cubiertas de cuero o papel, las chimeneas y puertas constituyen puntos focales de la decoración, a los techos de piedra comienzan a sustituirse los de madera tallada, policromada y dorada y en los pisos se emplean, indistintamente, el mármol y la mayólica italiana, iniciándose el uso del parquet o mosaico de madera. Comienza a extenderse en el maderamen interior y en los muebles el empleo de la "marquetería", especie de mosaico sectile - que conocimos en Italia-, pero realizado en maderas preciosas de colores variados a los cuales se añaden piezas de marfil o metal. El mobiliario revela un concepto más decorativo que funcional sacrificando al ornamento la comodidad de sus piezas. Entre estas hay algunas típicamente francesas de la época, como la caqueteuse, butaca de brazos de forma trapezoidal de alto respaldo; el armario de uno o dos cuerpos, evolución del cofre medieval, el dressoir o buffet correspondiente a la credenza italiana, el cabinet o pequeña alacena, el lecho de tipo monumental en que cuatro columnas, cariátides o balaustres sostienen la cornisa sobre la cual descansa un baldaquino o dosel. Y en todos, los motivos clásicos usados - 3 -

4 como elementos decorativos en el trabajo de talla, entre los que se destaca el de flora estilizada, que ya usó Roma y que en Francia se Ilamó rinceau. Pintura. Sobre la tradición realista de aquellos pintores del período gótico que conocimos al hablar de la iluminación de manuscritos van a gravitar dos influencias que darán tono a la producción renacentista francesa: la flamenca y la italiana; aquella podemos apreciarla en los retratistas cuya máxima figura es Clouet, ésta en los continuadores franceses de la Escuela de Fontainebleau, establecida por Francisco I con el concurso de pintores importados de Italia. En el período gótico el arte del color en Francia había tenido -aparte los vitrales- dos manifestaciones de interés: la iluminación de manuscritos y la pintura de caballete, y sus figuras más destacadas, Nicolás Froment, el Maestro de Moulins y Jean Foucquet, fueron cultivadores de ambas. El siglo XVI, caracterizado por una intensificación del influjo italiano, conservará ambas expresiones y, al lado del retrato y de la pintura religiosa y mitológica de saber clasicista, producirá notables miniaturas para ilustrar manuscritos que, a pesar de la imprenta, tenían todavía demanda entre los bibliófilos amantes de la gloriosa tradición. En el Iímite entre los siglos XV y XVI se destaca una figura de relieve, Jean Bourdichon, miniaturista y pintor de caballete, que fue iluminador oficial de Carlota de Saboya - esposa de Luis XI-, pintor de Cámara y Valet de Carlos VIII, artista favorito de Luis XII y Ana de Bretaña y pintor de corte de Francisco I. La Escuela de Fontainebleau. El hecho culminante en el arte bajo este último monarca fue la constitución de la Ilamada Escuela de Fontainebleau, en cuya órbita giraron, de manera más o menos directa, los pintores de la época. El interés y la admiración de Francisco I por la pintura italiana se tradujo en la adquisición de obras que, importadas de aquel país, figuran hoy en el Louvre y por la actuación en Francia de pintores de Italia invitados por el Rey. Entre ellos figuraron Leonardo da Vinci (que falleció en Amboise, en 1519), Gian Battista Rosso y Francesco Primaticcio, que constituyeron el núcleo de aquel grupo de artistas de Fontainebleau, que trabajaron en la decoración de dicho castillo. Se ha comparado la significación de este, en el orden artístico, con la de Versailles y se ha Ilamado a Rosso, director del grupo que trabajaba en Francia, el Le Brun de Fontainebleau

5 Gian Battista Rosso. Virgen y santos. Palacio Pitti. Rosso, discípulo de Miguel Ángel, y Primaticcio, que se había formado en la tradición de Rafael bajo su maestro Julio Romano, encabezaban aquella colmena de artistas italianos, franceses y flamencos, de cuya colaboración surgió una modalidad estilística peculiar en que se fundían elementos disímiles aportados por sus componentes sobre los que actuaba lo ambiental y lo epocal, común a todos y lo racial e individual de cada uno. La pintura de los maestros italianos, Leonardo, Miguel Ángel, Rafael, Julio Romano, Bronzino, ofrecía los modelos que este grupo de artistas se esforzaba en seguir, pero en sus realizaciones el arte francés manifestó características propias. Como en Italia, sintieron predilección por los asuntos profanes, pretexto para rendir culto al desnudo de bellos cuerpos humanos, frecuentemente velados por ligeras telas de alto sentido ornamental; la gracia, la elegancia, atenuaban, con un toque idealista, el idealismo fundamental del contenido que en su expresión formal se tradujo en aquella pintura estilizada, de figuras alargadas y cabezas pequeñas. motivos de composiciones de un sentido decorativo, suntuoso, cortesano, galante, propio de aquel arte refinado y cortesano, nuncio del que más tarde hubo de florecer bajo los Luises. Al ideal expresivo de la era medieval sustituye la perfección formal, con riesgo de caer, tratando de captar el espíritu de los modelos imitados, en una repetición de fórmulas que Ileva al amaneramiento y lo banal. En el haber de los artistas de Fontainebleau cuenta su alto sentido de la ornamentación que, combinando pintura y escultura, sienta los precedentes del modo de tratar los interiores con esa suntuosidad que ha de tener en Francia notables expresiones, y que alcanzará su culminación en Versailles. Jean Clouet y su hijo Francois, notables retratistas, figuran entre los más prominentes pintores de la época

6 DeJean, que trabajaba para Francisco I desde comienzos del siglo xvi, y que reemplazó a Bourdichon como pintor y valet de Cámara del Rey, han quedado algunos retratos del monarca, la reina y el Delfín, bastantes para cimentar su renombre como cultivador del género; de su hijo Francois, apodado "Janet", se conservan, entre otros, dos retratos famosos: el de Pierre Cuthe, del Museo del Louvre, y el de Carlos IX, del Museo Imperial de Viena. Jean Clouet. Retrato de Francisco I. Museo del Louvre. París. Renacimiento español. La influencia italiana, atemperada a la de otros elementos externos, la tradición nacional y las características raciales, imparte originalidad y rasgos inconfundibles a la manifestación artística española del siglo XVI. Arquitectura. En la España renacentista, caracterizada políticamente por la unidad obtenida bajo los Reyes Católicos, Carlos V y Felipe II, la arquitectura ofrece una interesante combinación de elementos nacionales y extranjeros -alemanes, flamencos, franceses e italianos. Las relaciones entre España e Italia, intensificadas bajo Alfonso V de Aragón - Rey de Nápoles-, con las guerras de Italia, y la influencia ejercida en España por artistas italianos y españoles formados en Italia, acentúan el carácter italiano de la arquitectura española, en la que pueden distinguirse dos períodos: Plateresco. Da carácter a este estilo la importancia concedida a la decoración, en la que se combinan elementos del gótico florido, del mudéjar -tracerías y entrelazados-, del árabe -arabescos, arcos- y clásicos, importados de Italia. Su nombre derivado de platero, revela el carácter minucioso y delicado de la talla arquitectónica, de extraordinaria - 6 -

7 riqueza ornamental. Este período, el más característico del Renacimiento español, pasó las fronteras españolas, influyó en el arte manuelino de Portugal, y fue Ilevado a Alemania por Carlos V. El Hospital dela Santa Cruz, en Toledo (Enrique de Egos) y la fachada de la Universidad de Salamanca, se destacan entre sus productos más notables. Hospital de la Santa Cruz. Toledo. Clásico. Llamado también grecoromano, italiano o herreriano, representa el momento de mayor apogeo de la influencia italiana y se caracteriza por su sencilla severidad, siendo su interés mucho menor que el señalado en el estilo anterior. El Alcázar de Carlos V en la Alhambra -obra de Pedro Machuca- y el famoso Monasterio del Escorial -Juan Bautista de Toledo y Juan de Herrera- son sus manifestaciones más características. Escultura. El arte de la forma, como la arquitectura, muestra el vigor con que el elemento nacional se impone sobre los importados. A las influencias recibidas de Flandes, Francia y Alemania, durante el siglo XV, hay que añadir, desde el inicio del siglo XVI, la fuerte tendencia clasicista venida de Italia. Escultores franceses, como Gabriel Joly y Felipe Bigarny, artistas italianos, entre los que descuellan Jacopo L'Indaco, Domenico Fancelli y Pietro Torrigiano, son factores que contribuyen en España a la transición del plateresco (dominante en la escultura decorativa) a la manifestación renacentista. Pero, sobre el aporte de los extranjeros, triunfa lo nacional que se traduce por la religiosidad de los temas, el dramatismo del contenido y el realismo de la forma

8 Alonso Berrugete. San Sebastián. Museo de Valladolid. Otra figura de especial interés es Juan de Juni, originario de Champaña (Francia); era ya un artista hecho a su llegada a España con cuyo ambiente y carácter racial se identifica de tal modo que, en pleno siglo XVI, es el primer "imaginero" que anuncia la serie de famosos tallistas de estatuas piadosas que caracterizarán la producción escultórica de España en el siglo siguiente. Su Virgen de los Cuchillos, de la Iglesia de los Agustinos, en Valladolid, es una de las muestras más bellas de la escultura española de la época, en que hallamos el emocionalismo un tanto teatral que será nota frecuente en las obras de los grandes imagineros del siglo XVII. En contraste con esta dirección, el grupo, escurialense, escultores clasicistas al servicio de Felipe II, está representado por los Leoni, Leone, que trabajó para Carlos V, y su hijo Pompeo, autor de obras de carácter religioso y funerario, que tuvo como colaborador, para la fundición y dorado de algunas de sus estatuas, a Juan de Arfe, tercero de aquella ilustre familia de orfebres en cuyas custodias célebres se funden las técnicas de tres artes: arquitectura, escultura y orfebrería. Decoración interior y mobiliario. En la decoración renacentista española intervienen los siguientes factores: a) la influencia mora, que se traduce en el motivo ornamental del arabesco, el uso de las incrustaciones y azulejos y la talla y pintura de los artesonados; b) la influencia flamenca, notable especialmente en el mobiliario y en el uso de las ricas tapicerías de Flandes; c) la italiana, que introduce el empleo del estuco y la pintura al fresco

9 Todos estos elementos, fundidos en el crisol del genio nacional, producirán un estilo característico que se extendió a las colonias ultramarinas de España y tuvo devotos hasta época muy reciente. Ello se explica por la severa suntuosidad que lo caracteriza. Sobre los fondos neutros de las paredes lisas resaltan los tapices, los brillantes azulejos, los ricos reposteros o colgaduras bordadas, frecuentemente, con motivos heráldicos, el mobiliario oscuro y severo en que intervienen, con la madera, el hierro y el cuero trabajado en Córdoba. La riqueza se concentra en los techos, artesonados, enriquecidos con tallas y pinturas, en los frisos de yeso que adornan la parte superior de los muros y en los azulejos polícromos que les sirven de zócalos. En el mobiliario renacentista español merecen consideración especial: el arca; de maderas finas y taraceas de marfil, cuya decoración muestra la influencia oriental; la arquimesa, que como su nombre indica, combina dos muebles, el arca y la mesa; el vargueño, pieza típica, suntuosa, en cuya profusa decoración intervienen la talla, la pintura, la taracea y las aplicaciones de metal; el banco de respaldo tallado, análogo al de Italia, y las mesas en que son característicos los "fiadores" de hierro, que le dan solidez y los sillones fraileros, con terciopelo o cuero y claveteado ornamental. Pintura. En la pintura gótica española es apreciable la huella delos primitivos flamencos e italianos. En Luis Dalmau señalamos la ostensible influencia de los Van Eyck, en tanto que los murales del Monasterio de Pedralbes, obra de Ferrer Bassa, tienen un marcado carácter giottesco. Estas dos corrientes extranjeras han de seguir enriqueciendo el caudal pictórico de España en el siglo XVI, que nos dará, de una parte, la Ilamada tendencia "romanista", italianizante y en la cual, sobre toda otra influencia italiana, prevalece la de Rafael, y de otra, la serie de retratistas oficiales, derivación española del arte del holandés Antonio Moro (Anthonis van Dashorat). Al grupo de los italianizantes pertenecen los pintores del Escorial, entre los que descuella Juan Fernández Navarrete, Ilamado el Mudo, que trabajó para Felipe II desde mediados de siglo. Las dos figuras más notables entre los romanistas son las de Luis de Morales y Vicente Juan Macip. Morales, cuyo sobrenombre de el Divino solo se explica por el temario que le sirvió de inspiración, auna a la suavidad rafaelesca cierta unción religiosa y un austero realismo que recuerda las imágenes religiosas de los primitivos germanos y flamencos. Macip, más conocido por Juan de Juanes, estudió en Italia, mostrando en la factura de sus obras, la huella de los maestros que allí conociera y admirara, aunque en alguna ofrece su pintura una combinación del dibujo, el colorido, la idealización de la escuela romana con un sentido dramático muy español en el que a veces falta verdadera unción religiosa, por ejemplo en su Martirio de San Esteban, en el que los personajes son verdaderos actores representando lo que alguien ha Ilamado "un drama en cinco actos" - 9 -

10 En contraste con esta pintura religiosa, dulzona, de inspiración italiana, nos ofrece el Renacimiento español otra laica, mundana y de raigambre flamenca, representada por los retratistas oficiales. Alonso S. Coello. Infanta Isabel Clara Eugenia. Madrid. Alonso Sánchez Coello y su discípulo Juan Pantoja de la Cruz nos dicen en sus obras cuál fue el concepto que de este género pictórico tuvieron aquellos antiguos pintores cortesanos: "discípulos de Moro, talentos antiguos, neutros, protocolares, grandes bordadores, grandes orfebres, grandes heráldicos", que conciben el retrato como un espejo, tipo de pintura que es aún para muchos el desideratum del género. El Retrato de Don Carlos de Sánchez Coello (Museo del Prado), que tantos puntos de contacto presenta con el de María de Inglaterra, pintado por Antonio Moro, y el retrato de Isabel de Valois, obra de Pantoja de la Cruz, son exponentes sintomáticos de este tipo de pintura. Una figura excepcional: El Greco. En las últimas décadas del siglo XVI Ilega a España un pintor, figura de excepción, que señala en el arte español el inicio de un nuevo estilo pictórico: el Greco. Kyriakos Theotokopoulus, el Greco (1545 ó ). Llamado en Espana Domenico Teotocopuli, nació en Candía (Creta) entonces posesión veneciana, fue en Venecia discípulo de Tintoretto y Ticiano, Ilega a Roma en 1570 y estudia allí la pintura de Miguel Ángel y Rafael, lo encontramos más tarde en España donde es presentado en 1580 a Felipe II, para quien pinta el San Mauricio (Escorial); finalmente se establece en Toledo donde la vida de aquel pintor de clérigos y religiosos se desarrolla entre los disgustos que su carácter le proporciona con los clientes y el Fisco. La figura del Greco ha dado lugar a los más encontrados comentarios y juicios. Para los clásicos el Greco fue un loco: "problema patológico, caso monumental de degeneración artística, sin igual en su historia ni en la del arte", según Carlos Justi; Max Nordau nos habla de la locura circular o demencia alternativa de este artista. Para los modernos el Greco es el origen del impresionismo y su originalidad, su espiritualidad le colocan entre

11 los genios. El clasicismo no entendió sus complicaciones y extravagancias, que necesitaban el espíritu moderno para ser apreciadas, ha dicho Piedad Zenea refiriéndose a la obra, cada día más admirada, del Greco. El Dr. Germán Beritens, oftalmólogo español, ha escrito una obra titulada Aberraciones del Greco científicamente consideradas donde explica el defecto visual que en su opinión dio origen a la manera peculiar de este artista (estrabismo divergente del ojo derecho y astigmatismo) e ilustra su estudio con interesantes fotografías de obras del Greco en la forma en que este las pintó y vistas a través de lentes anastigmáticas. Otro punto discutido en relación con este artista es el relativo a su españolismo o su bizantinismo. Mientras unos ven en Teotocopuli el símbolo de la Imperial Toledo, otros le consideran como el último pintor bizantino, haciendo notar el helenismo de sus cuadros que recuerdan las pinturas de Fayum y las de la Karieh Djami (véase como ejemplo su retrato de Fray Hortensio Félix Paravicino). El Greco paisajista, que nos revelan obras como la Vista de Toledo y la Virra del Tajo y el Puente de Alcántara, nos sorprende por su sentido de modernidad que hace pensar en algunos pintores contemporáneos nuestros. El Caballero de la mano en el pecho, el Cardenal Niño de Guevara, la Dama del Armiño Y la Dama de la Flor, figuran en la interesante galería de retratos pintados por el Greco, obras impregnadas de un profundo sentido espiritual y de caracterización. La influencia ejercida por el Greco sobre Velázquez, apuntada por Palomino (biógrafo de este) y aceptada por los modernos, señala en los negros del Greco el origen de los grises de Velázquez, y hace notar la relación existente entre la armadura del Conde de Orgaz (en el Entierro del Conde de Orgaz pintado por el Greco) y la del Conde de Benavent de Velázquez y entre la versión de ambos pintores del tema de la coronación de la Virgen. La Purificación del Templo puede servirnos como una muestra de la producción del Greco influida por la pintura veneciana, la Trinidad, la Sagrada Familia, el Espolio, el ya mencionado Entierro del Conde de Orgaz, Cristo en brazos del Padre Eterno, la Venida del Espíritu Santo y el San Pedro nos presentan al Greco en el apogeo de sus características propias, pudiendo en ellas señalarse los defectos que maculan su producción: pobreza de imaginación, repetición de fórmulas y asuntos, pobre disposición y errores en la manera de componer

12 Greco. El caballero de la mano en el pecho. Museo del Prado Madrid. Renacimiento aiemán. Una fuerte tradición nacional, sobre la cual actúa, menos intensamente que en otros países la influencia italiana, presta al arte renacentista alemán fisonomía propia. Arquitectura. Bajo el nombre genérico de Renacimiento alemán se comprenden las manifestaciones arquitectónicas de la Europa central en este período, caracterizada por el espíritu racial y las circunstancias históricas, entre las cuales la Reforma y la Guerra de Treinta Años tienen especial interés. La arquitectura no es el arte mayor si no que está subordinada a la decoración, que ocupa el primer piano de interés. Como en Italia el gótico, el Renacimiento no arraigó nunca completamente en Alemania, en el cual se imponía el elemento tradicional, y de aquí esa fusión característica de factores góticos (piñones)y renacentista importados de Italia (loggie, decoración), la adaptación de elementos italianos tales como los pináculos, versión alemana de los candelabros italianos y los miradores que son, en la arquitectura alemana, el equivalente de los balcones de Italia. Los techos inclinados, los piñones característicos, la tendencia decorativa, que prevalece en edificios donde se combinan sobre un fondo tradicional elementos inspirados en el arte flamenco y en el italiano, con la valoración del material, principio señalado por Hartmann como fundamental en la técnica arquitectónica del Renacimiento alemán, que no disfraza los materiales sino que los combina, dejando que conserven su carácter propio, son las notas distintivas del Renacimiento en esta parte de Europa

13 Palacio de Heidelberg. La arquitectura alemana es principalmente de carácter profano: palacios, castillos, casas ayuntamientos, edificios gremiales y corporativos; la arquitectura religiosa ofrece menos interés. La Otto Heinrichsbau, la Friederichsbau (alas correspondientes a las épocas de Otón Enrique y Federico) del Castillo de Heidelberg, el Ayuntamiento (Rathaus) de Rotemburg y el de Bremen, la Gewandehaus (Brunswick) y la Pellerhaus (Nuremberg) figuran entre las obras más notables de la arquitectura civil renacentista; el Belvedere y el Palacio Wallenstein en Praga, son las dos manifestaciones más importantes del formalismo clásico en esta época del desarrollo arquitectónico de la Europa central, y la Marien Kirche (Wolfenbüttel) y la Iglesia de San Miguel en Munich (el templo más notable de la Contra-Reforma en Alemania, que se inspira en el Gesú de Roma), pueden servirnos de ilustración. Escultura. En Alemania, más que en país alguno, es la escultura renacentista la natural evolución del realismo gótico. De los dos grandes centros en que se manifiesta (Norte y Sur) el más notable fue la escuela de Franconia y en esta Nuremberg. Veit Stoss (escultura en madera), Adam Kraft (escultura en piedra), Peter Vischer (escultura en bronce), son las figuras de mayor interés en cuya obra podemos apreciar los caracteres del arte de la época realizados en materiales diversos. Tilman Riemenschneider, completa el cuadro de los grandes intérpretes del Renacimiento de la escultura alemana. El Retablo de la Virgen de V. Stoss, la Quinta Estación de A. Kraft, la estatua del Rey, Arturo de P. Vischer y la Cena de T. Riemenschneider, se cuentan entre las más caracterizadas manifestaciones de este arte, cuyo interés esencial está en el contenido, en la expresión dramática del sentimiento, más que en la forma externa burguesa y barroca

14 Peter Fisher. Rey Arturo. Instituto de la Corte. Innsbruck. La Bella Madonna de Nuremberg, nos ofrece la interpretación alemana del tipo renacentista de la Virgen, obra Ilena de encanto espiritual y que resiste con éxito el parangón con sus congéneres de Italia. Estilísticamente, la escultura renacentista alemana es un interesante caso en que el arte de la forma pasa de la fase tardía del gótico a la reacción barroca frente a los ideales italianizantes renacentistas, de manera insensible y sin una solución de continuidad apreciable. Pintura. La Alemania del siglo XVI, al que pertenecen las grandes figuras que se destacan en el arte pictórico, Durero, Holbein, Cranach y Grünewald, centro del movimiento protestante, es por sus circunstancias históricas la nación europea más alejada de Italia, por lo cual se explica que no muestre su arte, como el de otros países, una tan marcada influencia italiana. Otro factor da carácter a su pintura, el realismo racial que se revela en el cuidado que ponen sus artistas en la expresión minuciosa de detalles y accesorios. Alberto Durero ( ). Hombre del Renacimiento, que en su afán de saber y en su multiforme actividad artística (orfebre, grabador, pintor, escultor y arquitecto) nos recuerda a Leonardo, es, por los caracteres de su variada producción, un verdadero teutón. Las amarguras de su vida privada, los sinsabores conyugales trascienden a su obra, impregnada de un hondo y melancólico sentido

15 Alberto Durero. Autorretrato. Pinacoteca Anatigua. Munich. Más dibujante que colorista, el arte de Durero, bajo cualquiera de sus manifestaciones, revela al grabador que fue esencialmente este artista y la austeridad, la complicación, la profundidad, la reflexión, le imprimen un sello inconfundible. El realismo que extrema el detalle, sobre todo en sus grabados en cobre cuya técnica permite una mayor finura y complejidad en el diseño es, con las características apuntadas, lo que constituye el denominador común de la obra de Durero. Los Cuatro Jinetes del Apocalipsis (grabado en madera), el Hijo Pródigo y El Caballero, la Muerte y el Diablo (grabados en cobre), nos revelan las cualidades distintivas señaladas en su obra; San Jerónimo en su celda (cobre), a despecho de la meticulosa exactitud de los detalles, conserva la unidad de composición, y otra plancha, quizás la más célebre, Melancolía, es la más cabal muestra de su temperamento y de su arte. Ecce Homo nos ofrece otro aspecto de Durero, el dibujo a la pluma realzado con toques en blanco, y el Molino (acuarela), el Altar Paumgärtner (tempera) y los Cuatro Apóstoles (óleo) ilustran el colorido de Durero. En todos ellos el dibujo tiene más importancia que el pigmento y la última de las obras citadas revela cómo influyó en el artista el viaje a Italia: la amplitud y sobriedad con que están tratadas las telas y el colorido revelan el contacto con el arte italiano, mientras que la expresión realista de los rostros conserva el carácter personal de su autor. La Adoración (Galería Uffizi), la Virgen del Gorrión (K.F.M., Berlín), el Nacimiento de Jesús (Pinacoteca Antigua, Munich), Adán y Eva (Museo del Prado) pueden servir de ilustración de sus obras de asuntos religiosos y los autorretratos del Museo del Prado y de la Pinacoteca Antigua de Munich, el Jerónimo Holzschuher (K.F.M., Berlín) y el Hans lmhoff (Museo del Prado) nos muestran otra interesante faceta de su arte: el retrato. Hans Holbein, el Joven, ( ). Su vida presenta puntos de analogía con la de Durero, tuvo en Erasmo el apoyo que le abrió el camino del éxito en el extranjero alcanzado bajo la protección de Antonio Moro y Enrique VIII

16 Hans Holbein (El Joven) Retrato del mercader Gisze de Danzig. Museo de Berlín. Holbein, gran retratista, tuvo de este género pictórico un concepto en que descansa su mérito esencial. En sus retratos existe el parecido pero no un parecido trivial; hace de la perfección técnica y la minuciosidad en los detalles los medios para lograr la expresión individual de sus modelos, de los que sabe captar los rasgos esenciales, produciendo en el espectador la impresión de que aquellos retratos se parecen a los personajes representados. Se le ha Ilamado "el pintor de la verdad que habla y piensa", hay en sus retratos fidelidad y detalle, pero hay algo más: sinceridad y vida espiritual. Los retratos de Juana Seymour, de Erasmo (Museo del Louvre) y el del Comerciante Gisze (Berlín) son pruebas de ello. Como ilustración de la obra de Lucas Cranach (el Viejo) es notable su Cristo en la Cruz en la que el movimiento tiene un ritmo barroco. Lucas Cranach. (Viejo) Cristo en la Cruz

17 Matias Grünewald (ca ca. 1522). Ha sido, con razón, considerando como un descubrimiento reciente de la Historia del Arte, cada vez más interesada en su obra. Hombre de la Edad Media por su inspiración, gran colorista, visionario y realista a la vez, pinta figuras tras de cuyo verismo late un profundo sentido meditativo. Para sus imágenes del crucificado toma como modelos las carnes dolientes de los enfermos del Hospital de Isenheim, pero hay, además del realismo crudo, un sentido expresivo que presta a su obra cierto interesante carácter de modernidad. Su Crucifixión, impresionante, es un antecedente del expresionismo contemporáneo. Matías Grünewald. Cristo en la Cruz. Museo del Colmar. GrüneWald ha sido Ilamado el Correggio alemán y en la Adoración de Colmar se manifiesta su peculiar delicadeza en la pintura de rostros femeninos. En la Conversión de San Mauricio por San Erasmo (Pinacoteca Antigua, Munich) está más cerca, que en los anteriormente citados, del realismo propio de la pintura alemana. Renacimiento inglés. La manifestación sobresaliente del movimiento renacentista inglés es la arquitectura a la cual hemos de limitarnos. Cronológicamente abarca un lapso de dos siglos (XVI y XVII) que suelen dividirse en la forma siguiente: Renacimiento primitivo ( ). Representa la transición del gótico perpendicular al estilo del Renacimiento, y comprende las épocas que los tratadistas ingleses Ilaman Tudor, Isabelina y Jacobina. Su manifestación más notable son las grandes mansiones señoriales, los manors, como ejemplo de los cuales podemos citar a Kirby Hall (Northamptonshire). Segundo Renacimiento o apogeo ( ). Llenan este período las dos grandes figuras de los arquitectos Iñigo Jones y Sir Christopher Wren, junto a los cuales deben mencionarse otros nombres también dignos de nota como Vanbrugh, Gibbs y Chambers

18 El clasicismo, importado de Italia por Jones y de Francia por Wren, se manifiesta en dos obras características de la Inglaterra de esta época: la Banqueting House (única parte construida del proyecto de Jones para White Hall) y la Catedral de San Pablo, la más célebre entre las numerosas iglesias levantadas por Wren en Londres. Christopher Wren. Catedral de San Pablo. Londres. En ambas la distribución de las plantas (hall, escaleras, galerías); las construcciones en forma de E, H, F, la manera de ensanchar las piezas por medio de bay windows, la arquitectura de jardines, son los elementos que distinguen y dan carácter a la arquitectura inglesa de la época del Renacimiento. No obstante las diferencias de latitud y raza, tiene para nosotros esta arquitectura especial interés ya que inspiró los cambios radicales en la planta que nuestra construcción ha experimentado en época reciente, bajo el influjo directo de Estados Unidos de América, que han servido de cauce al elemento anglosajón en la arquitectura cubana. Otro aspecto de este elemento que se debe considerar es la producción inglesa del siglo XVIII, cuyas grandes figuras de la ebanistería artística y de la organización de interiores han servido de inspiración y modelo a los artistas de Cuba