CAPÍTULO 6.- EL CÍRCULO DE LOS IMPRESIONISTAS

Transcripción

1 CAPÍTULO 6.- EL CÍRCULO DE LOS IMPRESIONISTAS 1.- Introducción: aspectos históricos, pictóricos y sociales. 2.- Las exposiciones impresionistas. Cronología y criterios de impresión. 3.- Los pintores Impresionistas: colores, pincelados y cronologías. 4.- Los placeres y los días. 1.- INTRODUCCIÓN: ASPECTOS HISTÓRICOS, PICTÓRICOS Y SOCIALES. El impresionismo se ha considerado durante mucho tiempo el punto de partida para explicar el arte de la modernidad o de las vanguardias, pero desde los años ochenta del s. XX hasta los diez primeros años del s. XXI el arte actual está en una crisis o proceso que no sigue el modelo de las vanguardias. La Historia del Arte y la Museografía están revisando estos conceptos y se tiende hacia la contextualización, considerando en el mismo plano al arte del Impresionismo y los demás movimientos coetáneos: realismo, simbolismo, naturalismo y academicismo. Razones que vinculan el Impresionismo a la modernidad del arte y a las primeras vanguardias: Desde el punto de vista artístico, la pintura impresionista se relaciona con las vanguardias por la ruptura entre el tema del cuadro y sus aspectos formales (composición, dibujo, colorido), prevaleciendo estos últimos sobre el tema, abandonando los principios académicos, y como continuación, en cierto sentido, del Romanticismo, se centra en el desarrollo emocional del color. Desde el punto de vista social, el Impresionismo ofrece un retrato del pintor moderno, que según descripción de Charles Baudelaire en «El pintor de la vida moderna», que se relaciona con dos conceptos clave del artista: el primitivismo o primera mirada de la infancia y la originalidad de la mirada, ya que el valor del artista moderno reside en su personalidad, no en el tema en sí mismo. El artista es un personaje inconformista que debe interesarse necesariamente por la actualidad. La modernidad es lo transitorio, lo fugitivo, la mitad del arte, siendo la otra mitad lo eterno e inmutable. El Impresionismo es también la lucha de un grupo de pintores contra la sociedad de su tiempo, que separa a los artistas innovadores de los que siguen el sistema Académico. La Academia pierde la hegemonía en cuanto al juicio especializado que mantenía desde su creación en el s. XVI. Ese gusto especializado favorecido por el Estado y su política de exposiciones, es desafiado y vencido por el nuevo gusto, un gusto minoritario, sólo para entendidos, que se apoya también en un nuevo modo de exponer y vender arte como negocio, con una clientela que apuesta por artistas que se convertirán en valores en el futuro y nuevas maneras de propaganda y validación artística

2 Desde el punto de vista filosófico-científico, el Impresionismo se ha considerado como un arte objetivo de verdad visual. Pero, a la vez, el Impresionismo presupone la importancia de lo subjetivo en el arte. El tema del cuadro es la impresión que los pintores sienten frente a la naturaleza, y no la naturaleza en sí misma. Emile Zola defiende el arte de Manet y sus seguidores como un naturalismo, un análisis y una traducción de la naturaleza, por oposición al realismo, seguimiento pictórico mimético, rutinario. Podría decirse que Gustave Courbet inició el camino atribuido a Manet, aunque la personalidad pictórica de Manet es más moderna, su pincelada está cargada de intención, siguiendo la técnica de la pintura italiana y española del s. XVII, que combina las cualidades del esbozo con el juego de los contrastes de luz, en detrimento del modelado habitual. Los temas de Manet son una crítica a las convenciones visuales de una forma más indirecta y sutil que Courbet. Las obras de Courbet tienen un carácter ejemplarizante, mientras que en las de Manet hay un mutismo moral. En los cuadros de Manet hay una narratividad distinta de la literaria: indeterminación en los personajes, ambigüedad en el tema del cuadro; y la imagen defiende su propia autonomía. 2.- LAS EXPOSICIONES IMPRESIONISTAS. CRONOLOGÍA Y CRITERIOS DE IMPRESIÓN. El Impresionismo no tiene una estética programática con unas características estilísticas y temáticas. La determinación de qué artistas son impresionistas varía según los historiadores. Pueden considerarse impresionistas aquellos artistas cuyas características estilísticas (importancia de la pincelada, de la luz, del abocetamiento o aspecto inacabado de la obra), temáticas (pintura de la vida cotidiana y el paisaje) y cronológicas o sociales (generaciones nacidas entra 1830 y 1840, ligados de manera constante a las exposiciones Impresionistas) permiten encuadrarles así, teniendo en cuenta que el Impresionismo es un movimiento no programático ni cohesionado de forma clara. Desde 1860 hay conceptos pictóricos característico del arte de la modernidad: la pintura al aire libre, lo inacabado, importancia de la sensación frente al motivo, la búsqueda de una pintura espontánea, voluntad de captar la impresión y el pintar la vida cotidiana. Parte de su herencia se debe al romanticismo de Delacroix frente al legado de Ingres, el color frente al dibujo. La pintura fomentada por la Academia parecía quedarse atrás frente al desarrollo de una literatura que describía el funcionamiento social y psicológico del siglo. La nueva concepción artística se asocia a Edouard Manet que, aun siendo un pintor de estudio, es considerado jefe de filas por su pincelada muy suelta, su temática actual, el uso intencionado del inacabado y por su fuerte personalidad

3 En 1868 se crea el grupo de Batignolles, barrio donde Manet tenía su estudio, formado por pintores, escritores y periodistas que se reúnen informalmente para hablar de temas artísticos y sociales, y que fueron inmortalizados en el óleo de Fantin Latour, «Un taller en Batignolles», en el que aparecen pintores como Renoir, Bazille y Monet, el músico Edmond Maître, el escritor Zola, y el poeta y escultor Zacharie Astruc que está siendo pintado por Manet. El elemento de unión de los impresionistas es la oposición al criterio académico y al sistema de los Salones. En 1873 Monet, Renoir, Morisot, Sisley, Pissarro y Degas, entre otros, crean la Sociedad Anónima de pintores, escultores y grabadores, con normas inspiradas en las del sindicato de panaderos, siguiendo las directrices de Pissarro. Exposiciones de esta Sociedad: Primera Exposición (1874).- Se llamó Exposición de los Independientes. Participaron Monet, Renoir, Morisot, Sisley, Pissarro y Degas (los seis centrales), Paul Cézanne y Eugène Boudin. Segunda Exposición (1876).- Participaron Monet, Renoir, Morisot, Sisley, Pissarro, Degas y Gustave Caillebotte. Tercera Exposición (1877).- Los seis centrales, Caillebotte y Cézanne. En esta exposición el éxito del epíteto impresionistas es tan grande que deciden adoptarlo. Cuarta Exposición (1879).- Los seis centrales (excepto Renoir, Morisot, Sisley), y Mary Cassat. Quinta Exposición (1880).- Los seis centrales (excepto Monet, Renoir, Sisley), Cassat, Caillebote, Marie Braquemonde y Paul Gaughin. Sexta Exposición (1881).- Los seis centrales (excepto Monet, Renoir, Sisley), Cassat, y Paul Gaughin. Séptima Exposición (1882).- Los seis centrales (excepto Degas), Caillebotte y Gaughin

4 En 1883 falleció Manet y se realizó una exposición impresionista en la Exposición Internacional de Boston. Octava Exposición (1884).-Los seis centrales (excepto Monet, Renoir, Sisley), Cassat, Gaughin, Odilon Redon, Georges Seurat y Paul Signac. En 1884 se producen tres hechos que suponen el triunfo de la pintura independiente: una retrospectiva de Edouard Manet en la Escuela de Bellas Artes de París, una gran exposición realizada en Nueva York, y las teorías del neoimpresionismo que presenta Félix Feneón confirmando las observaciones del arte impresionista. En estas exposiciones participan artistas como Gaughin, Redon, Seurat y Signac, que pertenecen a una fase más científica y posterior del impresionismo, el neo-impresionismo, con pin celadas de color más pequeñas y contrastadas, realizando cuadros con figuras casi estáticas. En 1881 se interrumpe definitivamente el patrocinio del Estado al Salón que se celebraba anualmente, lo que supuso la derrota definitiva del arte Académico. 3.- LOS PINTORES IMPRESIONISTAS: COLORES, PINCELADAS Y SIGNIFICADOS. La denominación de pintura impresionista proviene del juicio emitido por un crítico en la primera exposición de 1874, acerca del cuadro de Monet «Impression: soleil levant», denominado así para señalar su carácter de esbozo y de pintura no terminada. Los antecedentes de los impresionistas serían Delacroix, que aporta la maestría del color, y Courbet, que planta su caballete en medio de la realidad social y visual de su tiempo, y es un pintor rebelde que da importancia al individualismo creador frente a los dictados de la Academia. Aspectos pictóricos del Impresionismo: Pincelada: Se pretende representar la impresión general: Manet construye en torno a formas anchas Monet: construye un tapiz de colores a base de pequeños toques Morrisot da al pincel un uso caligráfico La gama de colores: Por oposición al Neoclasicismo, se aclara la paleta del pintor por la necesidad de pintar al aire libre, a base de verdes pálidos, rosas delicados y azules porcelana, presentándose yuxtapuestos. El colorido del cuadro no se estructura en base a luces y sombras en su definición de blancos y negros; los impresionistas no utilizan directamente el negro

5 Temas y esquemas compositivos: Se eligen perspectivas, escenas y paisajes separados de la tradición pictórica del pasado, incorporando la influencia de la fotografía y la moda de las xilografías japonesas. Edouard Manet. Enlaza el arte tradicional y el Impresionismo, aunque no participó en ninguna de las exposiciones, pero aglutina el movimiento de los independientes (posteriormente impresionistas) desde su rebelión contra la pintura de Salón. Estudió en el taller de Thomas Couture durante seis años, y después viajó por Italia, Alemania, Holanda y España, descubriendo a Velázquez y Goya que le mostraron un pintura más libre en la forma y en el tema. Sus primeros cuadros fueron aceptados en el Salón, pero las posteriores fueron rechazadas, y «El almuerzo campestre» se expuso en el Salón de los Rechazados. Su obra «Olimpia» fue aceptada en el Salón, pero fue muy criticada por el desafío a las convenciones pictóricas y sexuales. Esta obra tiene como precedente las venus de Giorgone, Tiziano, Velázquez y la «Maja desnuda» de Goya, con algunas variaciones; y siguiendo los consejos de Baudelaire, combina la tradición y lo contemporáneo. Esta rebeldía de Manet llega a su extremo con la acusación política que representa el cuadro «La ejecución del emperador Maximiliano», y casi va a la cárcel. Durante la III República su obra era aceptada en el salón, aunque siguen causando incomprensión y extrañeza obras como «El balcón» y «El bar del Folies Bergère». Manet nunca quiso exponer con los impresionistas, aunque eran sus compañeros de tertulia y les instruía sobre la apropiación del pasado pictórico como camino hacia la verdad contemporánea, el uso liberado de la pincelada, el encuadre y el uso de temas sacados de la vida cotidiana. No obstante, los impresionistas también influyen en Manet, que usa una paleta cada vez más clara. Claude Monet. Se le considera la figura central del Impresionismo, y fue el que más desarrolló el aspecto experimental de este estilo pictórico. Fue esencialmente un autodidacta, aunque asistió a la Académie Suisse. Fue el más preocupado por el estudio de la luz, el más paisajista y su obra es la más abstracta

6 Con frecuencia el tema de sus cuadros son el cielo y el agua, y las formas sólidas tienden a desaparecer en la atmósfera. El mayor logro de las pinturas paisajísticas de Monet es un sentido de color como algo inestable, en constante transformación. Su obra típica es «El efecto de otoño en Argenteuil». Al final de su carrera estudia el proceso lumínico en series sobre La Catedral de Rouan y El almiar. Su obsesión por los efectos de luz en el agua le dejarán al borde de la abstracción con sus lienzos de nenúfares. Camille Pissarro. Fue sobre todo paisajista, y sus rasgos característicos son el equilibrio de la estructura, los motivos cotidianos y sólidos. Pissarro organiza el cuadro en unos trazos fundamentales. Bajo la influencia de Monet crea cuadros menos rígidos, más pequeños e informales y poco a poco va aclarando su paleta. Su interés por las ideas anarquistas influyen en su técnica y en su temática artística, incluyendo en sus obras edificios industriales. Posteriormente, y durante un tiempo, adopta la técnica neoimpresionista, y defiende un impresionismo científico frente al impresionismo romántico de Monet. Más adelante abandona esa técnica y se hace dada vez más impresionista en el uso libre del pincel, la composición y la paleta. Finalmente plasma en sus cuadros imágenes de intercambios humanos (mujeres en el mercado, gente trabajando), distinguiendo entre clases sociales. Pierre-Auguste Renoir. Empezó como artesano pintando porcelana y decorando telas y abanicos. En la Escuela de Bellas Artes conoció a Monet y a Sisley. Su estilo es fluctuante, influenciado por el amigo al que estuviese más ligado. Es un pintor de figuras, especialmente femeninas, aunque también pintó al aire libre, tanto cuando se ajusta al estilo convencional («Retrato de Mme. Charpentier e hijos»), como en sus desnudos de mujer al aire libre, reflejando un tipo de mujer risueña y voluptuosa, con una piel nacarada que parece reflejar el aspecto cambiante de la luz. También recoge escenas de diversión popular, como «Le Moulin de la Galette», «Los paraguas» y «El almuerzo de los barqueros», que es un bodegón de comida y bebida ya consumida, alternando luces y sombras, y en - 6 -

7 el que están representadas las clases sociales que se pueden distinguir por su vestimenta, y en el que tanto el uso del colorido, como el trazo rítmico d la pincelada señalan un momento de gran dinamismo y felicidad. Renoir viajó a Italia, y quedó marcado por la obra de Rafael y el clasicismo, y procuró conjugar los descubrimientos impresionistas dentro de un esquema compositivo modélico que puede apreciarse en una serie de bañistas, en la que se da más importancia al dibujo, en detrimento del color. Al final de su vida recupera la paleta veneciana y modelos tipo Rubens, armonizando lo moderno y lo antiguo. Alfred Sisley Es el menos conocido. En su paleta predominan los tonos grises influido por artistas ingleses. Se dedicó a la pintura al aire libre siguiendo la influencia de Monet. Fue un pintor paisajista, incorporando en sus cuadros elementos como el agua, la nieve, el cielo y la niebla. Tuvo escasa fortuna crítica. Edgar Degas No es partidario de la pintura al aire libre y de la espontaneidad impresionista, pero su obra, tanto por la temática como por la forma abocetada y experimental enlaza con este grupo que ayuda a formar y con el que expuso desde el principio. Recibe una educación artística esmerada. Copia en el Louvre, Ingresa en la Escuela de Bellas Artes y viaja a Italia. Participó en exposiciones del Salón con cuadros de género o de historia. También es un gran retratista, siguiendo la línea de Ingres: «Retrato de Therese Morbilli». Abandona ese tipo de obra, quizá por influencia de Manet, y refleja la vida moderna de la ciudad, cabarets y cafés, ensayando ángulos inesperados, estudia la iluminación artificial, y refleja personajes de las clases trabajadoras, casi siempre mujeres: cantantes, prostitutas, planchadoras, sombrereras... También experimenta con nuevos medios y técnicas: guache, acuarela, grabado y pastel. Más tarde inició sus series sobre carreras de caballo, bailarinas y desnudos de mujer lavándose. Elige los dos primeros temas por la dificultad para atrapar el momento fugitivo, y por la lucha que enfrenta la naturaleza a la disciplina

8 Su obra «La clase de danza» presenta ese desequilibrio calculado entre el espacio vacío y el lleno. Aunque hay en primer plano dos bailarinas, la figura principal es el maestro de danza que está en el centro y en torno a él se sitúan las bailarinas, acentuando la perspectiva y la sensación espacial. Usa el abocetamiento que se convierte en mancha para las bailarinas del fondo y una combinación por la luz, grisácea y opaca que se combina con brillos característicos del impresionismo. Las muchachas no están idealizadas, sino que adoptan posturas naturales. Presenta un contraste entre lo natural y la disciplina. En la última serie, mujeres desnudas bañándose presenta el aspecto más primitivo de la mujer, y debido a problemas en la vista, sustituye el óleo por el pastel. Berthe Morisot Es posiblemente quien más influyó, junto con Monet en la pintura final de Edouard Manet. Morisot concretó su sentido del color y de las formas en un estilo propio, con predominio de la luz y la libertad de una pincelada audaz y personal, casi como una caligrafía abstracta. Entró en la pintura de forma discreta, pues era una de las actividades permitidas a las jóvenes; ella y su hermana recibieron clases particulares y consiguieron pases de copistas en el Louvre. Allí conocieron a Fantin-Latour y a Corot y empezaron a trabajar al aire libre, con colores claros y formas abocetadas. Berthe conoció a Manet, le sirvió de modelo y aprendió mucho de sus charlas. Participó en la primera exposición impresionista con el cuadro «La cuna» que representa a su hermana con su hijo recién nacido. Esta obra de temática cotidiana y convencional Mary Cassat Se inicia en la Academia de Filadelfia. Después viaja a París y solicita su entrada en el Louvre como copista, y empieza a interesarse por la pintura al aire libre. Posteriormente viaja por Italia, España y Bélgica, Sus obras son admitidas en el Salón, y conoce a Degas, y empezó a participar en las - 8 -

9 exposiciones impresionistas por su afinidad con su forma de entender el arte: las formas, los colores y el proceso artístico, y se incorpora al grupo impresionista. El estilo de Cassat se basa en un dibujo reflexivo y sintético, y con una escala de colores claros. Sus temas son retratos de familia, reuniones informales, amistades femeninas, veladas en la Ópera, niños, y una serie sobre la maternidad. Aunque estos temas son convencionales, ella los trata de una nueva forma, sin tratar a la mujer como objeto decorativo. Su obra «Mujer de negro en la Ópera» trata un tema que gusta a los impresionistas pues la forma del palco permite enmarcar la figura como un cuadro. El cuadro representa a una mujer mirando con unos binóculos, alterando el estereotipo de hombre (sujeto que mira) / mujer (objeto que es mirado). Para que su obra no parezca tan atrevida se trata de una mujer de cierta edad, vestida de negro, quizá indicando que es viuda. Posteriormente, su trabajo recibe la influencia de una exposición de arte japonés, simplificándose sus composiciones y sus figuras adquieren mayor solidez, afectando tanto a su obra pictórica como al grabado. Su arte se construye sobre un conocimiento del dibujo y las técnicas artísticas, a la vez que es moderno, por la elección de colores, pinceladas abocetadas y una arriesgada sintaxis en sus grabados. 4.- LOS PLACERES Y LOS DÍAS. El Impresionismo no está patrocinado por la Iglesia, el Estado, la aristocracia o la Academia, sino que aparece con el surgimiento del capitalismo de la revolución industrial y su sistema de mercado libre. Sus obras van dirigidas a un público burgués que quiere verse reflejado en ellas. Es una clientela de carácter urbano. Las redes sociales de la ciudad permite mayor libertad de movimiento, pero lleva fácilmente a la soledad. Para los habitantes de la ciudad la naturaleza se considera un lugar idílico, de momentos de placer, y el campo es un sueño nostálgico de un mundo mejor. Los artistas impresionistas eligen principalmente dos zonas: París, sus alrededores y la zona del Sena, más acorde con la situación económica y social de los impresionistas, y la costa de Normandía, aprovechando el ferrocarril para alojarse en lugares más económicos. La nueva moda es hacer estas escapadas estivales y los bailes populares, con el aliciente de la libre relación entre sexos y entre clases sociales, excepto para las mujeres de las clases medias altas. Se introducen nuevos conceptos de salud e higiene, en lo relacionado con los baños y con el deporte

10 La pintura impresionista ha sido considerada como obras bellas pero sin mensaje. Sin embargo, se están estudiando los aspectos socioeconómicos, en cuanto a los valores artísticos de la cultura francesa de la época, y por lo que muestran de las relaciones entre hombres y mujeres, y entre distintas clases sociales. El impresionismo se ha identificado con los placeres de la vida, sin considerar la cantidad de lacayos, camareras, cantantes, dependientas, prostitutas que aparecen en los cuadros. BIBLIOGRAFÍA: EL ARTE DEL SIGLO XIX Mª Dolores Antigüedad Del Castillo-Olivares, Victor Nieto Alcaide, Amparo Serrano de Haro Soriano, y Victoria Soto Caba. Editorial Universitaria Ramón Areces. RESUMEN REALIZADO POR: Mª JUANA GARRIDO RODRÍGUEZ. Centro Asociado GREGORIO MARAÑÓN - MADRID