TEMAS DE HISTORIA DEL ARTE 2º DE BACHILLERATO

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1 TEMAS DE HISTORIA DEL ARTE 2º DE BACHILLERATO Rafael Montes Gutiérrez - Docente RESUMEN: El objeto de estudio de la Historia del arte es la obra de arte como producto resultante de la creatividad y actuación humana que se expresa con sus propios códigos y enriquece la visión global de la realidad y sus múltiples formas de hacerse manifiesta. La finalidad principal de esta materia, presente en una educación artística vinculada al mundo de las humanidades y para quienes optan por una formación específica en el campo de las artes, consiste en observar, analizar, interpretar, sistematizar y valorar las obras de arte, situándolas en su contexto temporal y espacial. A través de ella se aprende a percibir el arte como un lenguaje con múltiples códigos que permiten comunicar ideas y compartir sensaciones, proporcionando conocimientos específicos para percibir el lenguaje de las formas de las artes plásticas, enriquecido progresivamente con la aportación de otras manifestaciones procedentes de la creación y comunicación visual. Todo ello contribuye, a su vez, a ampliar la capacidad de ver y al desarrollo de la sensibilidad estética. [temario, historia del Arte] ABSTRACT: The object of art history is the artwork as a product of human creativity and human performance is expressed with its own codes and enriches the global vision of reality and its multiple forms become manifest. The main purpose of this issue, which is present in an arts education linked to the world of the humanities and for people who seek an specific training in the field of the arts, is to observe, analyze, interpret, organize and evaluate artworks, placing in their temporal and spatial context. Through it we learn to perceive art as a language with multiple codes that allow communicating ideas and share feelings, providing a specific knowledge to perceive the language of visual art forms, gradually enriched with the contribution of other events from the creation and visual communication. This contributes, in turn, to expand the ability to "see" and the development of aesthetic sensibility. [list o topics, history Art] TEMA 1: Teoría y función del arte Teoría del arte

2 CONCEPTO DE ARTE No resulta nada fácil acertar con una definición válida sobre el arte. Puede valer la siguiente definición un tanto académica e imprecisa, que considera como artística a toda obra humana que tenga como finalidad, la de producir una emoción de tipo estético, es decir, el arte se concibe como la facultad de producir emociones estéticas. No obstante, existen muchas otras definiciones, valga por ejemplo una definición tradicional que considera el arte como la expresión de lo bello, lo cual conduce al estudio de las ideas estéticas a lo largo de la historia, porque el concepto de belleza constituye una apreciación subjetiva y mutable a lo largo de la historia, podemos decir que esta definición alcanza su culminación con las teorías del "arte por el arte". Pero no es menos válida que esta otra definición que considera al arte como el producto de una sociedad tecnológica, precisamente esta definición alcanza su culminación con la integración del arte en el proceso productivo industrial que ha llevado al futurismo, constructivismo... y finalmente a la propia negación del arte por las vanguardias (dadaísmo). De cualquier forma, todas las definiciones coinciden en introducir tres elementos de manera constante en la definición de arte, y son: el hombre, la civilización y la naturaleza. Todas ellas consideran al hombre como un elemento del arte. El hombre aparece tanto como sujeto activo (creador) y como sujeto pasivo, ya que es el receptor de la obra artística. De entre los seres de la naturaleza, el único creador de arte es el hombre, hasta el punto de que muchos autores han considerado al arte como manifestación innata del ser humano, como algo casi instintivo. De ahí la famosa expresión: No hay arte sin hombre, pero quizá tampoco hombre sin arte. El otro elemento es la civilización, entendemos por civilización un conjunto de caracteres propios que presenta la vida colectiva de un grupo, y cuyos elementos son: el espacio geográfico; la sociedad; las formas económicas; las formas políticas; y la cultura, en tanto que entendemos el arte como parte de la vida cultural de un grupo podemos decir, que una civilización se caracteriza por desarrollar unas formas artísticas determinadas. Y es que el arte es el resultado más elaborado de la sociedad que lo crea, Platón lo definía como el idioma que todas las naciones pueden comprender. El último elemento es la naturaleza, el hombre no se limita a copiar y reproducir la naturaleza en sus obras artísticas, por el contrario, el hombre crea. El arte se entiende como la plasmación de un diseño mental en el que se produce una transformación intencionada de la naturaleza. Finalmente añadir que el ámbito del arte se extiende por igual a la realización de obras encaminadas a la satisfacción de necesidades humanas, por ejemplo un bastón de mando del Magdaleniense, como a la satisfacción de las necesidades del espíritu, por ejemplo El beso de Klimt. Es en este último caso cuando se puede hablar de Arte con mayúsculas, y de artistas al referirnos a sus protagonistas.

3 ORIGEN DEL ARTE La aparición del arte (a comienzos del Paleolítico superior) no implica que la humanidad en sus orígenes fuese incapaz de crear arte, sino que necesitó un largo camino hasta adquirir "conciencia creadora". Esto explicaría que su obra, representaciones pictóricas de gran naturalismo en las zonas más profundas de las cuevas, con un carácter de santuario, tuviese una finalidad mágica relacionada con la caza. Así pues, el arte es casi tan antiguo como el hombre, en la medida en que es una particular forma de trabajo, y el trabajo es tan antiguo como la humanidad. Y es que el hombre trata de transformar la naturaleza mediante el trabajo, lo que nos conduce a la definición anterior: el arte se entiende como la plasmación de un diseño mental en el que se produce una transformación intencionada de la naturaleza. LA HISTORIA DEL ARTE Es Winckelmann es creador de la Historia de Arte como disciplina científica con su obra Historia del arte en la Antigüedad publicado en Dresde en Se ha definido la Historia del arte como aquella ciencia que trata de analizar e interpretar las obras artísticas desde el punto de vista de sus relaciones con las épocas anteriores y sucesivas, de esta manera, la Historia del arte estudia la evolución de las sociedades humanas a través de la obra de arte. Puesto que el objeto formal de la Historia del Arte son las obras artísticas, conviene precisar que en toda obra se distinguen dos aspectos: la forma y su significado. La función del arte Estudiar la evolución de las sociedades humanas. Sacando a la luz aspectos económicos, sociales e incluso políticos. En no pocas ocasiones, los únicos vestigios que han quedado de civilizaciones del pasado han sido los objetos artísticos, del estudio de dichas obras se ha podido reconstruir la vida de los pueblos que han creado esa manifestación artística. Formar estéticamente al contemplador de la obra de arte. Es pues un instrumento de la educación. Fue Ernst Fischer autor de La necesidad del arte 1959 quien estudie la función auténtica del arte, para Fisher el arte desempeña una función de primer orden en la sociedad, en parte porque el arte puede elevar al hombre desde el estado de fragmentación al de ser integrado, en parte porque el arte le permite comprender la realidad y el mundo que le rodea, y por ello el arte no sólo ha sido necesario en el pasado, sino que lo será siempre. Análisis e interpretación de la obra de arte

4 ASPECTOS DE VALORACIÓN DE UNA OBRA DE ARTE A la hora de hacer el análisis e interpretación de una obra de arte, son tres los aspectos que se valoran: la técnica, la belleza y el hecho de ser representativa de un momento histórico. Imaginemos que estamos delante de una obra de arte, esta puede ser digna de nuestra atención en la medida en que se acerque o se aleje de unos patrones académicos establecidos, lo cual no significa que sea "bella" (como dijimos el concepto de belleza constituye una apreciación subjetiva y mutable a lo largo de la historia), esta obra puede ser bella, y, sin embargo, también puede ser técnicamente muy superable, pero no por ello dejaremos de prestarle nuestra atención. También puede ocurrir que esta obra tenga una valoración estética y técnica bastante escasa, pero presente un gran valor como documento histórico que permita reconstruir la vida de los pueblos que han creado esa manifestación artística, sólo por ello también reclamará nuestra atención como obra de arte. No obstante, quisiera introducir aquí un comentario de Lessing en el s. XVIII que demuestra que esta consideración no siempre ha sido así, decía que obras de arte eran aquellas en las que la belleza ha sido para el artista su primera y última intención, y por ello negaba el valor artístico de una Iglesia románica, porque esta no es sino un mero auxilio de la religión. En toda obra de arte se distinguen dos elementos: una forma y un contenido. La forma artística hace referencia a su apariencia externa, en ella se plasma no sólo la genialidad del artista, sino también toda la sabiduría y las experiencias acumuladas por los artistas precedentes. El contenido de una obra de arte hace referencia al "fondo" o la esencia de dicha obra artística. EL ESTUDIO DE LA FORMA DE LA OBRA DE ARTE El estudio de la forma de la obra de arte nos adentra en el estudio evolutivo de los estilos artísticos. El término estilo -del griego stylos (punzón, estilete para escribir) viene a significar etimológicamente la "letra" o el modo especial de escribir de un artista, de un grupo, de una región o de todo un periodo. Estilo es por lo tanto, un concepto fundamental en la historia del arte, sin él tendríamos sólo una historia de los artistas con su catálogo de obras. En el fondo, la Historia del Arte, tal como la concebimos y la estudiamos, es en realidad la historia formal de los estilos artísticos, lo cual ofrece una considerable ventaja a la concepción de la Historia del Arte como el estudio formal de las obras artísticas. Estas son sus ventajas: Enunciar las características principales que definen dicho estilo artístico; Distinguir los rasgos

5 comunes de un grupo, región o periodo, al mismo tiempo que permite estudiar la evolución "estilística" de un artista concreto; Situar la obra de arte y los artistas en una cronología precisa, e incluso en un ámbito geográfico (nacional, regional etc.) concreto; Reconocer y diferenciar al genio del artista de segunda fila. El ESTUDIO DEL CONTENIDO DE LA OBRA DE ARTE Cuando se analiza el contenido de una obra de arte, es decir, el "fondo" o la esencia de dicha obra artística, nos adentramos en la interpretación del significado de la misma. Siempre que estudiemos el contenido de una obra, debemos realizar el estudio a cuatro niveles, un nivel sociológico, psicológico, iconográfico e iconológico. NIVEL SOCIOLÓGICO A este nivel estudiamos la sociedad en la que surge la obra y en la que vive el artista, el grado de valoración social del mismo, la clase social que patrocina la obra de arte, etc. Los primeros estudios en este sentido se deben al historiador húngaro Hauser quién investigó el origen de los estilos artísticos a partir de las transformaciones sociales. NIVEL PSICOLÓGICO A nivel psicológico centraremos nuestra atención en los aspectos de la personalidad del artista, así como la actitud del mismo hacia su propia obra, hacia el mundo que le rodea, hacia su vida y hacia la vida en general. Dicha actitud puede ser muy variada: Impasibilidad (cuando el artista se desentiende de su obra y pretende plasmar la realidad objetiva, como el caso de Velázquez); Expresionista (el artista influye en la obra de tal manera que incluso llega a la deformación intencionada de la realidad, en no pocas ocasiones, ello es el reflejo de un espíritu atormentado, tal y como se aprecia en Goya, Van Gogh, los maestros expresionistas alemanes del XX, o los artistas del Barroco español); Surrealista (esta actitud es propia de la pintura, el artista manifiesta un rechazo a lo racional; un interés por el mundo de lo onírico (sueño), el subconsciente y lo fantástico; afirma todo lo negado por la moral convencional; es siempre un arte individualista, ello es patente en El Bosco, Blake, Goya Dalí, etc). NIVEL ICONOGRAFICO Y ICONOLÓGICO El estudio iconográfico supone la explicación de las representaciones figuradas, que pueden referirse a un personaje histórico, a una entidad, a una idea, o bien ser imágenes relativas de una época, una civilización o una religión. Finalmente es estudio

6 iconológico es aquel que se encarga de la interpretación de las representaciones gráficas que gozan de carácter simbólico, es decir, imágenes que quieren decir mucho más de lo que aparentan. TEMA 2: El arte de Grecia Evolución del arte griego El arte griego evolucionó mucho a lo largo de la historia de Grecia, tuvo como precedentes más inmediatos el arte de la cultura minoica (los cretenses) y el arte de la cultura micénica (los aqueos). La época arcaica, que se extendió del siglo VIII al año 500 a.c., fue la fase en la que los artistas lucharon por el dominio de la técnica (todavía incipiente) y la creación de la forma artística. La época clásica, localizada cronológicamente entre los años a.c. fecha de la muerte de Alejandro Magno en Babilonia, fue la fase donde la forma artística alcanzó el equilibrio y perfección, convirtiéndose en modelo ideal a imitar por las generaciones venideras. La crisis del siglo IV inaugura una fase de inicio de la decadencia y ruptura de la forma equilibrada y perfecta del clasicismo. La época helenística, vivida entre los años a.c. fecha de la destrucción de Corinto por Roma que marcó el inicio del poder romano sobre el Mediterráneo oriental y supuso el fin de Grecia, fue una fase de ruptura total con el lenguaje clásico. Podemos decir que el arte griego fue la síntesis de dos corrientes culturales antagónicas, la jonia (elegante que aporta el sentido dinámico y erótico) y la doria (sobria que aporta el sentido estático y ordenado). La arquitectura griega CARACTERISTICAS Elementos sustentantes y cubiertas. Los griegos hicieron uso de la arquitectura arquitrabada en ausencia del arco y de la bóveda, donde el predominio de la línea recta es absoluto. Materiales. Los principales materiales de su arquitectura fueron la piedra y el mármol, hecho por el cual muchas de sus construcciones perduran hasta nuestros días y que demuestra el espíritu eterno de la cultura griega, con frecuencia el exterior de los edificios era policromado, lamentablemente esta policromía se ha perdido con el paso del tiempo lo que nos impide conocer con exactitud cuál sería el verdadero aspecto de sus construcciones. Ornamentación. Los edificios griegos eran bastante sobrios en cuanto elementos ornamentales se refiere, fueron los órdenes arquitectónicos dórico, jónico y corintio sus principales elementos decorativos. Peculiaridad. Quizá la mayor peculiaridad de la arquitectura de este periodo es la búsqueda de la armonía visual, esto llevaba a refinamientos ópticos como sucede en el Partenón, donde Fidias no duda en

7 curvar las columnas del pórtico con el fin de corregir la ligera aberración visual de ondulación. Veamos los órdenes arquitectónicos: El orden dórico: Se inicia en su parte inferior con un krepis o basamento de peldaños. La columna carece de basa, su fuste tiene un ligero abombamiento en la parte central, el capitel está formado por un collarino, equino y se remata con el ábaco. El entablamento está formado por: el arquitrabe o dintel; el friso en el que alternan los triglifos y las metopas; y la cornisa. El frontón es triangular, en su parte central (el tímpano) presenta decoración escultórica de bulto redondo. El orden jónico: También presenta krepis. La columna dispone de basa que está formada por un plinto, escocia y toro, su fuste es más fino y alto que en el orden dórico, el capitel está formado por un collarino llamado cimacio, un equino con volutas y un ábaco. El entablamento está constituido por: un arquitrabe; el friso que muestra decoración figurativa; y la cornisa. El frontón es igual al del órden dórico. Las columnas se pueden sustituir por cariátides (figuras femeninas) o atlantes (figuras masculinas). El orden corintio: Es semejante al jónico excepto por su capitel que está formado por un collarino, un equino de hojas de acanto y caulículos (volutas muy pequeñas) y un ábaco con rosetas. Se difundió en período helenístico, el Templo de Apolo en Basa de Fidias es su mejor ejemplo. EL TEMPLO Tamaño. En comparación con los templos orientales el templo griego es de pequeño tamaño, esto se debe a que no se trata de un lugar de culto por parte de la comunidad de fieles sino la morada de una divinidad, hecho que sucede igual con los romanos. Forma. El plano es rectangular con la excepción del tipo tholos que es circular. Estructura. El templo griego se articula en torno a varias naves, generalmente de una a tres, que están separadas por columnas de diferentes órdenes. Partes. Las partes son: la pronaos que actuaba de vestíbulo; la naos o cella, que era la capilla con la estatua del dios correspondiente; y el opistodomos donde se guardaba el tesoro; algunos disponían de sala auxiliar llamada adytón. Clasificación. Podemos clasificar los templos griegos por el número de columnas del pórtico, así encontraríamos templos dístilos o de dos columnas, templos tetrástilos de cuatro columnas en el pórtico, templos hexástilos de seis columnas, octástilos de ocho, etc... Otra clasificación se puede realizar según el número de pórticos, de modo que tenemos templos próstilos de un solo pórtico, y templos anfipróstilos de dos pórticos. También podemos clasificar los templos según el número de columnas que le rodean, siendo períptero cuando el edificio está rodeado de columnas alineadas en cada uno de sus lados, y díptero cuando el templo está completamente rodeado por dos filas de columnas. Veamos ahora los templos más importantes a lo largo de los tres períodos del arte griego:

8 Período arcaico: En Jonia destaca el Templo de Artemis en Éfeso, que servirá de modelo a imitar por el uso prematuro del orden jónico. En la Magna Grecia se utilizó un orden dórico de gigantescas proporciones, es el caso del Templo de Hera en Paestum. En la Doria el orden dórico está perfectamente establecido tal y como vemos en el Templo de Artemis en Corfú. Período clásico: A partir del año 500 a.c. se vive una época de máximo esplendor artístico, tanto arquitectónico como escultórico. En la Atenas de Pericles se reconstruye su acrópolis que había sido destruida por los persas durante las Guerras Médicas, esta reconstrucción fue posible gracias a las contribuciones económicas de la Liga de Delos monopolizada por Atenas, los principales edificios de la acrópolis ateniense son: Los Propíleos que servían de puerta de acceso al recinto sagrado; El Parten6n, que literalmente significa habitación de las vírgenes, estaba situado en la parte más alta de la colina, no era un templo de culto sino un monumento exaltador de la gloria de Atenas, fue construido por Ictinos y Kalícrates, realizado en mármol con orden dórico, era anfipróstilo y octástilo, estaba articulado en tres partes; El Erecteion fue levantado en honor a Poseidón y Erecteo, se trata de un templo de compleja estructura y orden jónico donde destaca la tribuna de las cariátides; El Templete de Atenea Niké, templo dedicado a la victoria, era de pequeñas dimensiones, orden jónico, tetrástilo y anfipróstilo. Período helenístico: Es la época del gigantismo arquitectónico, el segundo Templo de Apolo en Dídima en Jonia, se trata de uno de los más grandes nunca construido en la zona mediterránea, la cella está rodeada por una doble columnata de 108 columnas jónicas de casi 20 metros de altura, cuyas bases y capiteles están ricamente tallados. OTROS EDIFICIOS Teatro. El teatro griego siempre se construía en la falda de una montaña, con el fin de aprovechar la pendiente natural y los efectos sonoros, podía llegar a ser de grandes dimensiones, como es el caso del Teatro de Epidauro construido por Polícleto el Joven en periodo helenístico, albergaba un aforo de espectadores. El teatro griego estaba dividido en varias partes: la grada o cavea (en denominación latina) reservada para el público, tenía forma de herradura; la orchestra era de planta circular, era el lugar donde el coro danzaba; la escena, el espacio donde tenían lugar las representaciones; y finalmente un fondo de escenario.

9 Stoas. Eran estructuras porticadas de variada función, generalmente centro comercial y cívico. Una estoa completamente restaurada, la Stoa de Átalo, puede verse en Atenas. Palestras y gimnasios. Eran edificios donde se practicaban los ejercicios físicos y concursos atléticos. Las ciudades griegas de cierto tamaño tenían al menos una palestra o un gimnasio como centro social para los ciudadanos varones. Son espacios cerrados perípteramente, pero a cielo abierto. Estadios. Tenían una gradería recta a lo largo y semicircular en un extremo para carreras a pie y pugilatos. Estaba destinado a espectáculos de carácter deportivo. El estadio griego más antiguo es el que se encuentra en Olimpia, medía 600 pies griegos. Bouleuterion. Era la cámara del consejo de la ciudad (boulé), un gran edificio público que servía como tribunal y lugar de reuniones. URBANISMO La civilización griega fue ante todo una sociedad urbanizada. Las ciudades griegas seguían un esquema poco regular (plano hipodámico), articulado en torno al ágora (plaza pública), rodeado de pórticos (stoas), a cuyo alrededor se disponía los edificios públicos, albergando en la acrópolis los templos. En el período helenístico surgieron dos tipologías urbanas nuevas: la ciudad portuaria, con Mileto como mejor ejemplo, dividida en una zona residencial y otra portuaria; y la ciudad-jardín, con Pérgamo como ejemplo, situada en terrenos montañosos, estaba articulada en tres sectores (ciudadela defensiva, ciudad administrativa y de recreo y ciudad residencial). La escultura griega CARACTERÍSTICAS Técnica. La escultura griega manifiesta un predominio absoluto del mármol y del bronce como materiales, la mayoría de las obras de bronce han desaparecido porque a lo largo de la historia han sido habitualmente fundidas para la fabricación de cañones, de ellas hoy sólo conservamos copias romanas realizadas en mármol y aquellas que ha encontrado la arqueología submarina por el hundimiento de las naves que las transportaban. Sabemos que la mayoría de las esculturas estaban policromadas.

10 Temática. Existe un predominio de la figura humana sobre la animalística y sobre las formas vegetales, algo que está relacionado con la visión antropocéntrica del mundo por parte de los griegos donde el hombre era la medida de todas las cosas. Tipologías. Se realizaron esculturas de bulto redondo exentas y relieves. Función. La función de la escultura era propagandística (política), didáctica (exaltaba las virtudes griegas qu e debían poseer los varones, prudencia, justicia, fortaleza y templanza) y también función religiosa. Estética. Veamos su evolución. EL PERÍODO ARCAICO Tras los años oscuros dorios del a.c. de los que no tenemos documentación, las únicas manifestaciones artísticas griegas fueron cerámicas pertenecientes al periodo geométrico de los siglos IX-XVIII, a ellas pertenece el conocido Dipilon, una urna funeraria de fabulosa decoración. Junto a ellas son escasas las esculturas, estas nos muestran una influencia oriental por el predominio de lo animalístico y lo fantástico, es el caso de la Esfinge de Delfos del siglo VI a.c. A lo largo del periodo arcaico se fue imponiendo progresivamente la figura humana, así aparecieron los kurós y las korai. Los kurós eran figuras masculinas que bien pudieron ser representaciones de atletas o semidioses, se caracterizan por su frontalismo en actitud de marcha (tienen un pie delante del otro), desnudez total, estudio muy elemental de su anatomía, sonrisa arcaica, ojos almendrados, cabello y rostro geometrizado, debemos mencionar los famosos Kurós del Ática. Las korai (en singular koré), eran semejantes a los kurós en todos sus aspectos excepto que aparecen vestidas, pudieran ser sacerdotisas, destaca la Dama de Auxerre. A lo largo del siglo VI se aprecia una tendencia cada vez más naturalista de la figura humana, es el caso de los frontones del Templo de Afaya en Egina y del Templo de Zeus en Olimpia que se sitúan en el cambio de tendencia entre el siglo VI y el V a.c., en ellos las figuras dejaban de adaptarse al marco con diferentes tamaños, ahora adoptan distintas posturas con las que se ajustan al espacio de los frontones. EL PERÍODO CLÁSICO Siglo V. El periodo clásico se caracteriza por la búsqueda de la proporción, belleza y armonía, tres términos que están íntimamente ligados entre sí, la belleza se consigue con la correcta proporción matemática de las figuras, lo que conduce a la idea de armonía. Se trata por lo tanto de una belleza idealizada. Sus primeras manifestaciones son de principios del s. V con el denominado "estilo severo", se representaban dioses, héroes y atletas en esculturas como Los tiranicidas, El Auriga de Delfos y El Poseidón del Artemisio. Este estilo adolece todavía una marcada severidad aunque se ha superado el hieratismo anterior, tras él vendrán los tres grandes escultores clásicos: Mirón: Estudió como ningún otro artista la representación del movimiento de la figura humana, en su teoría esta representación consistía en un esquema a base de triángulos, algo evidente en su Discóbolo, escultura de anatomía un poco

11 elemental y rostro impasible que contrasta con el esfuerzo físico del lanzamiento del disco. Polícleto: Se concentró en el estudio del canon ideal del cuerpo humano varonil en reposo, a él se debe el canon en siete cabezas, que aplica en el Doríforo (portador de lanza) y el Diadúmeno (atleta que se ciñe las cintas). Fidias: Llevará a sus últimas consecuencias la belleza idealizada dotándole de espiritualidad, se encargó de la decoración del Partenón y asesoró a Ictinos y Kalícrates en su construcción, es autor de las metopas del friso, de la decoración escultórica en bulto redondo del tímpano con los temas del Nacimiento de Atenea y Disputa con Poseidón, y de las esculturas de Atenea y Zeus en oro y marfil (crisoelefantinas) hoy perdidas y que decoraron la acrópolis ateniense. Su estilo se fundamenta en tres principios: La majestuosidad, es decir, la solemnidad de sus figuras; La gracia que consigue con las vestimentas, bien mediante la técnica de los "paños mojados" en la que la tela se adhiere al cuerpo, bien mediante el sistema de vaina donde la figura está desnuda de cintura para arriba, o bien mediante el sistema de enmarcamiento donde el personaje lleva una tira de tela que cuelga de su brazo; El efectismo es el último de sus principios que se consigue mediante el movimiento en sus grupos escultóricos. Siglo IV. La crisis económica, política y social del siglo IV introdujo novedades artísticas, la forma abandonó el equilibrio y adoptó tensión dramática a la vez que ganaba fuerza expresiva, también se abandonó el lenguaje sencillo por temas y composiciones complejas de muy difícil entendimiento, el arte del siglo IV es un estilo intelectual y elitista. Sus principales autores fueron: Praxíteles: Se define por la gracia, fue un escultor de formas blandas y curvas, hacía bascular a sus figuras sobre una de sus extremidades dando lugar a la denominada "curva praxiteliana", entre sus obras destacan la Afrodita de Gnido (el primer desnudo femenino del arte griego), el Apolo Sauróctono, Hermes y Baco. Scopas: Se caracteriza por su patetismo, trabajó en el mausoleo de Halicarnaso, sepulcro del sátrapa Mausolo, estuvo siempre preocupado por la representación de los distintos estados del alma, lo que se traduce en cuerpos contorsionados, tal y como vemos en sus Ménades. Lisipo: Retratista oficial de Alejandro Magno, creó su propio canon más esbelto y más espiritual de ocho cabezas, pretenderá captar el mayor número de puntos de vista en sus obras, que deben ser disfrutadas desde todos los ángulos.

12 Debemos mencionar su Apoxiómeno, el Retrato de Sócrates con rasgos de sileno y Heracles Farnesio. EL PERÍODO HELENÍSTICO El periodo helenístico presenta un conjunto de nuevas características: La expresión de los sentimientos por encima de la razón; Tendencia a lo artificioso y complicado para sorprender y causar admiración; Tendencia al dinamismo, a plasmar el movimiento, lo que se traduce en composiciones complejas; Tendencia al realismo que en ocasiones llega a mostrar los aspectos más dolorosos de la vida; Tendencia a juegos de luces y sombras; Tendencia a la representación de los volúmenes desde varios puntos de vista. Además de estos cambios en la forma también aparecen nuevos temas, es el caso de las Venus como la de Milo y la Afrodita en cuclillas, son frecuentes las escenas de la vida cotidiana como muestra Las jugadoras de tabas. Rodas, Pérgamo y Alejandría se convierten en sedes de nuevas escuelas, en Pérgamo destacan los temas de galos tras la victoria de Átalo I sobre los galos en Caicos en el 237 a.c., es el caso del Galo Capitolino muriendo, a Pérgamo también pertenece el Altar de Zeus decorado por orden de Eumenes II con una gigantomaquia que se extiende más de 110 metros de largo para ilustrar en piedra un poema compuesto especialmente para la corte. A la escuela de Rodas pertenece el Grupo del Laooconte y la Victoria de Samotracia, en Alejandría abundan las escenas cotidianas. La pintura y la cerámica griega En la actualidad es muy poco lo que se conserva de la pintura griega, siendo conocida fundamentalmente por las descripciones literarias y por las copias romanas. Las muestras más importantes que se han conservado son las que adornan la bellísima cerámica griega, que nos pueden dar una idea del nivel alcanzado por los pintores helenos. La cerámica griega alcanzó un desarrollo no conocido por la cerámica de ningún otro lugar en la época. Dada su tremenda calidad se extendió por todo el Mediterráneo como un elemento de lujo que hacía referencia a la alta posición social de su poseedor. El primer período pictórico griego (siglos IX-VIII a.c.) recibe el nombre de geométrico debido a que los diseños, muy elementales, presentaban formas geométricas que prácticamente no destacaban de la superficie. Ya en el período arcaico surgieron las primeras figuras humanas muy estilizadas. A lo largo de periodo clásico los diseños se fueron haciendo más complejos, la figura humana fue ocupando cada vez más importancia y dotada de mayor naturalismo, la temática fue esencialmente mitológica, pintores clásicos como Polignoto, Zeuxis, Timantes y Apeles han sido frecuentemente tomados como modelos de perfección, sin que realmente se conozca ninguna de sus obras originales. La época helenística es la del declive de los jarrones pintados, los recipientes más difundidos son de color liso o decorados con motivos sencillos y festones, aparecen los jarrones en relieve, probablemente a imitación de los jarrones hechos de metales preciosos.

13 Estudio de una obra representativa: el Partenón El Partenón es un templo dórico griego construido por orden de Pericles para reconstruir en la Acrópolis de Atenas el templo dedicado a Atenea, patrona protectora del Ática, que había sido destruido por los persas en los años 480 y 479 a.c. Fue el arquitecto Ictino, por consejo de Fidias, que llevaba la dirección de todas las obras que se realizaban en la Acrópolis, quien comenzó la planificación del templo en el año 448 ó 447 a.c. posteriormente fue ayudado por Kalícrates El Partenón es el más perfecto templo griego jamás construido. En su estilo dórico se han fundido otros elementos jónicos especialmente visibles en el interior. Su peristilo tiene la clásica proporción de 8 columnas por frente y 17 en los laterales. Respecto a otros templos griegos anteriores presenta algunas novedades, tales como la gran sala interior dividida en tres naves separadas por una fila de columnas superpuestas en dos pisos, formando una galería circundante en cuyo centro se colocaba la gran imagen de oro y marfil (criselefantina) de la diosa Atenea realizada por Fidias. En el recinto occidental de la cella estaba el Partenón, que ha dado nombre a todo el edificio, era una sala cuadrada donde estaban las doncellas vírgenes de la diosa, cuya cubierta se sustentaba con cuatro esbeltas columnas jónicas. Los detalles de la construcción de este templo son increíbles: no hay en él un bloque de mármol igual a otro; cada uno fue labrado individualmente y con un destino preciso. Cada elemento fue concebido en razón de las correcciones ópticas que eliminan las aberraciones que produce la perspectiva: todas las horizontales, desde el basamento hasta el entablamento, están combadas convexamente y todas las verticales ligeramente inclinadas hacia dentro. La equilibrada armonía del edificio, tiene sin embargo su más alta expresión en las esculturas que le adornan. La decoración escultórica, que se realizó entre los años 447 y 432 a.c., es la plasmación de un lenguaje formal homogéneo atribuible a Fidias, amigo personal de Pericles, y a sus colaboradores. Buena parte de estas obras fueron realizadas por Fidias, sin que se sepa con exactitud cuáles, pues cuando fue procesado aún no estaban terminadas. El conjunto de esta decoración nos ha llegado muy mutilada como consecuencia de los avatares que este templo ha corrido en su historia. De ser iglesia cristiana en la Edad Media, pasó a ser polvorín durante el siglo XVII, en la guerra que mantenían turcos y venecianos. En el frontón de la fachada occidental se representaba la contienda entre Atenea y Poseidón por el Ática; ambos hieren con sus armas el suelo de la Acrópolis, pero ofrecen a los atenienses sus dones más preciados: la diosa hace brotar el olivo de la roca y Poseidón ofrece el caballo. En las esculturas del frontón oriental, dice Pausanias, que se representa el nacimiento de Atenea de la frente de Zeus abierta por un hachazo de Hefesto. Las 92 metopas son altorrelieves, muestran en la parte este, la lucha de los

14 dioses contra los gigantes y, en la parte oeste, la lucha de los griegos contra las amazonas; en el lado norte, las luchas contra Troya y, en el meridional, las luchas contra los centauros. En contrate con estas composiciones heroicas se desarrollaba bajo el gran pórtico un friso con una procesión en la que desfilaban todos los ciudadanos de Atenas, los cuales acudían fielmente al santuario de la Acrópolis. Era una ceremonia que congregaba cada año a todo el pueblo de Atenas para llevar un nuevo manto a la diosa. El antiguo ídolo necesitaba que se le vistiera con un manto o peplo de lana tejido por las muchas vírgenes, panateneas, consagradas a la diosa. El Partenón es, por muchos conceptos, el más alto resultado artístico que ha producido la Humanidad. Desde la Antigüedad se ha alabado su perfección. Pericles lo calificaba de milagro sorprendente y reprochaba a los atenienses que no supieran admirarlo. Tema 3: El arte de Roma El arte romano tiene como precedentes las escasas manifestaciones artísticas de las antiguas culturas itálicas, el arte etrusco y sobre todo el arte griego, el cual ellos admiraban al igual que toda su cultura. Hasta finales del siglo II a.c. no podemos hablar de arte romano, esto se debe a que los romanos pensaban que el arte corrompía a los pueblos. Las escasas realizaciones artísticas de tiempos de la monarquía y principios de la República se limitaban a restos de cerámicas, altares de piedra y sarcófagos de basta factura, lo más señero son las obras de ingeniería entre las que destaca la Cloaca Máxima en Roma. Será en época de Sila y de César en el siglo I a.c., cuando Roma se enriquezca artísticamente por la influencia de los "decadentes" pueblos conquistados por los romanos. La arquitectura romana CARACTERÍSTICAS Elementos sustentantes y cubiertas. Los principales elementos sustentantes y cubiertas de la arquitectura romana son el arco de medio punto y la bóveda, ambos tomados del arte etrusco, además utilizará cúpulas de media naranja y de cuarto de esfera. Materiales. Otra de sus características es la pobreza general de sus materiales, no dudarán en utilizar la madera, el ladrillo y la estructura caementicia (una especie de hormigón), pero también realizan construcciones de piedra con paramento isodomo o almohadillado alla rustica, es frecuente el empleo de placas de mármol para ocultar la pobreza del material constructivo. Ornamentación. En cuanto a elementos ornamentales destaca la superposición de los órdenes arquitectónicos de origen griego (dórico, jónico y corintio). Inventarán el orden toscano, se trata de un tipo de orden muy semejante al dórico pero con decoración de medallones en las metopas. No obstante, el orden más

15 utilizado fue el compuesto, en realidad era un orden corintio enriquecido con volutas jónicas. Otro es el orden gigante caracterizado por sus grandes proporciones. Peculiaridad. Sin duda la principal peculiaridad de la arquitectura romana es el colosalismo, singularidad que resultó por influencia oriental, y sobre todo su gran pragmatismo, a diferencia de la arquitectura griega que tiende a un cuidado exagerado de la estética, la arquitectura romana se define por la utilidad de todas sus construcciones. EL TEMPLO Tamaño. En comparación con los templos orientales el templo romano es de pequeño tamaño, esto se debe a que no se trata de un lugar de culto por parte de la comunidad de fieles sino la morada de una divinidad, hecho que sucede igual con los griegos. Forma. El plano es rectangular. Partes. La cella se dividía en tres partes y cubría todo el podio excepto la parte delantera ocupada por el pórtico. Evolución. Por influencia etrusca los templos romanos se construían sobre un podium con escalinata frontal, su plano y elevación eran diferentes de los griegos, pero más tarde padecieron su influencia aunque sin violar la tradición. Sirvan de ejemplo el Templo de Portuno en Roma del siglo II a.c. y La maisón carreé en Nîmes del siglo I a.c. (templo de culto imperial). Sin embargo, el templo más representativo del arte romano es el Panteón que comentamos más adelante. OTROS EDIFICIOS Teatro. Los teatros romanos podía construirse en la falda de una montaña igual que los griegos, o en llano. Su exterior mostraba los diferentes pisos, acornados con arquerías de medio punto, sobre columnas de diferentes órdenes según la superposición de órdenes arquitectónicos. Sus partes eran: la grada o cavea que tenía planta semicircular; la orchestra también semicircular, era el espacio para uso del coro que tiene poca importancia en la obra romana en comparación con la tragedia griega; frente a la orchestra se disponía el prescenium en el que los actores esperaban su turno; sobre un zócalo se situaba la scena, que era donde tenían lugar las representaciones teatrales; el fondo de escenario estaba decorado por un conjunto de elementos arquitectónicos, en la parte trasera del mismo se ubicaba el postcaenium y la choragia (vestuarios). El Teatro de Marcelo en Roma, terminado en tiempos de Augusto, es uno de los más representativos. Anfiteatro. El anfiteatro era el edificio público de la Antigua Roma donde se representaban las ludi venationii (luchas de gladiadores) y las bestiarii (lucha con las fieras). Estaba compuesto por una escena circular y una cavea, también circular, dividida en tres anillos, la imma cavea (la parte más cercana a la escena, reservada para los equites), la media cavea y la summa cavea (el gallinero donde acudía el pueblo). Los más importantes tenían un toldo (velum)

16 para proteger a los espectadores del sol y de la lluvia. El suelo estaba socavado y debajo de él se encontraban las carceres (celdas) donde las fieras o gladiadores aguardaban su turno. Algunos estaban acondicionados para contener agua para las luchas acuáticas de barcos llamadas naumaquias. Sin duda el anfiteatro más conocido es el Coliseum construido en el siglo I d.c. en el centro de Roma. Circo. Edificio público donde se celebraban las carreras de carros, había carreras de dos caballos llamadas bigas, y de cuatro caballos llamadas quadrigas. Tenía forma elíptica, en el centro y de modo longitudinal se disponía un muro de poca altura adornado por esculturas denominado spina, que separaba los dos sentidos de la carrera. En un extremo del edificio se situaban las carceres para los caballos. Alrededor de la pista se disponía el público formando gradas, en uno de los lados largos se situaba el palco presidencial. El Circo Máximo de Roma es un gran ejemplo, fue construido en tiempos del rey Tarquinio y ampliado por César en el año 50 a.c. Basílicas. Eran salas de reunión, bolsas de comercio y tribunales de justicia. Tenían planta rectangular, y estaban articuladas en tres naves que terminaban con un ábside semicircular. Sirve de ejemplo la Basílica de Majencio en Roma del siglo IV d.c. Termas. Las termas romanas cumplían una misión higiénica, disminuían las enfermedades de los romanos, y también de ocio ya que era el lugar al que solían acudir para relajarse. Estos edificios estaban compuestos por varias salas: el apoditherium era el espacio para desnudarse, estaba separado entre hombres y mujeres; con arreglo a la temperatura de los baños, encontrábamos el caldarium (de agua caliente), el tepidarium (piscinas de agua templada) y el frigidarium (baños de agua fría); el caldarium conseguía tan altas temperaturas gracias al hypostatum, una pared hueca por donde circulaba el aire caliente, eran construido mediante un conjunto de inmensas cúpulas con toberas para hacer escapar el aire cálido cuando el ambiente se hacía asfixiante. Las termas de Caracalla son las más representativas, datan de principios del siglo III d.c. Arquitectura doméstica. La casa romana contaba con una entrada llamada ostium que daba paso a un vestibulum, en cuyos laterales se encontraban dos estancias para cobijar las divinidades familiares. La entrada conducía al atrium, sala al aire libre, en torno a este se disponían las demás habitaciones (cubiculum), la lluvia se recogía en un estanque, el impluvium, en eje con la entrada se situaba el tablinum (una especie de archivo). En la parte posterior se situaba un peristylium, que era un patio porticado, a cuyo alrededor podía haber más habitaciones, incluyendo el triclinium (comedor), la culina (cocina) y las termas (baños).

17 Los monumentos conmemorativos. El arco de triunfo era un tipo de monumento conmemorativo inspirado en los arcos etruscos, estaban decorados por inscripciones relativas al acontecimiento a conmemorar y estatuas, uno de sus mejores ejemplos es el Arco de Tito del siglo I d.c. situado en la Vía Sacra de Roma. La columna conmemorativa es de invención genuinamente romana, se trata de una columna que se decoraba con un conjunto de relieves a modo de historieta en disposición helicoidal, la Columna Trajana en Roma del siglo II d.c. narra la conquista de Dacia por Trajano. Los monumentos funerarios. Se localizaban en las necrópolis de las afueras de las ciudades, en algunos casos llegaron a proporciones monumentales como es el caso del Mausoleo de Augusto construido tras la batalla de Actium del año 31 a.c. Las obras públicas. La arquitectura romana es también la arquitectura de las obras públicas: cloacas, sistemas de alcantarillado; puentes, como el de Alcántara; acueductos, como el de Segovia; y calzadas. URBANISMO Una de las características de la sociedad romana es el hecho de ser una sociedad urbanizada. Los romanos tomaron de los etruscos un esquema urbano regular (dameroortogonal) que hicieron universal, se trataba de una ciudad protegida por murallas y con cuatro puertas orientadas a los puntos cardinales, existían dos vías principales, la decumana y el cardum, que convergían en el foro alrededor del cual se organizaban los edificios públicos, Roma basó su civilización en el urbanismo, integrando sus ciudades en una red urbana jerarquizada. La escultura romana Técnica. La escultura romana manifiesta un predominio absoluto del mármol y del bronce como materiales. Temática. Su temática fundamental es humana, destacan el retrato y el relieve-crónica. Tipologías. Se realizaron esculturas de bulto redondo exentas y relieves. Función. Dentro del pragmatismo de la sociedad romana su escultura persigue una función concreta, por un lado religiosa, en particular como propaganda del culto imperial, también didáctica ya que exalta las virtudes tradicionales romanas, y por supuesto propagandística al hacer publicidad del poder del imperio y de sus emperadores. Estética. En la escultura romana no están muy definidas las etapas de su evolución, la mejor forma de estudiarla es por temas y dentro de ellos los cambios fundamentales que se dieron con el tiempo.

18 Retrato. El retrato de época republicana es de gran realismo, algunos de ellos fueron verdaderos estudios psicológicos, esta característica se debía a la influencia de las imágenes maiorum, que eran máscaras de cera que se tomaban directamente sobre la propia cara del difunto antes de que este fuera enterrado, posteriormente se situaban en las casas romanas donde se les rendía culto. En época de Augusto se tiende a formas ligeramente idealizadas, es el caso del conocido Augusto Prima Porta. En el siglo II d.c. continúa el idealismo y se pone especial interés en el cabello y a partir de Adriano en la barba, las esculturas más significativas de este periodo son Antinoo, Adriano y Cómodo como Hércules. Los retratos ecuestres como el de Marco Aurelio denotan categoría imperial, esta escultura se convertirá en modelo a imitar en el Renacimiento influyendo en posteriores retratos ecuestres. A finales del siglo II d.c. se empezaron a marcar las pupilas en los ojos, como es el caso de Caracalla Satanás. La decadencia del Bajo Imperio se manifiesta con un importante descenso de la producción de retratos escultóricos. El cuerpo de las esculturas era algo que no preocupaba a los romanos y por lo tanto tendían al idealismo, los cuerpos se realizaban en serie, en talleres de manera industrial, los escultores se limitaban a colocarles la cabeza. Los retratos de los emperadores se ven acompañados de los símbolos de su poder, de modo que se clasifican en tres tipos: Togata, donde el emperador aparece vistiendo una toga con la cabeza cubierta, representa así el título de Pontifex Maximus, máxima autoridad de la religión romana; Thoracata, en este caso aparece vestido con la indumentaria militar. representa el título de Imperator, jefe del ejército; Apoteósica, cuando aparece desnudo con el laurel y el águila, símbolos de Roma, representa así el título de Augusto antes reservado a las divinidades. Relieve crónica. El relieve crónica consiste en un bajo, medio o alto relieve, que se sitúa en monumentos conmemorativos como arcos del triunfo, columnas conmemorativas, altares, bajorrelieves de edificios, etc. Los primeros aparecen en la República, como es el caso del Ara de Domicio Enobarbo, no obstante su mayor profusión se dio en el Alto Imperio. Uno de los más representativos es el Ara Pacis Augustae, se trata de una obra realizada completamente en mármol, con escalera y puerta que daban acceso al altar, el tema representado trata sobre los orígenes de Roma, se realizó para conmemorar la época de paz del imperio bajo Augusto, la Pax Romana. Con los Claudios surge un nuevo tema conocido como la profectio, que consistía en la salida a una campaña militar, con los Flavios la novedad fue el adventus, que representaba la llegada triunfal del emperador tras una campaña, en tiempos de Trajano destaca la narratio, consistente en la descripción de una campaña militar como vemos en la Columna Trajana. La decadencia del relieve crónica se inició en el Bajo Imperio, así lo manifiestan las figuras isocefálicas de la época de Constantino. Relieve funerario. Se trata de un tipo de relieve que decoraba los sarcófagos, tenía una temática muy variada, generalmente religiosa, primero fueron dioses paganos como Marte y a finales del Imperio temas cristianos.

19 La pintura y el mosaico romano Conocemos la pintura romana a través de los ejemplos procedentes de Pompeya. Se reconocen cuatro estilos: el más antiguo de época republicana, es el estilo de incrustaciones, llamado así porque imitaba la decoración de mármoles; el segundo, es el estilo arquitectónico, que simulaba estructuras arquitectónicas que generaban, a través de la perspectiva, una falsa sensación de profundidad junto a temas figurativos; el estilo ornamental o de candelabros es el tercero, de la primera mitad del siglo I d.c., que usó como elementos decorativos arquitecturas fantásticas, guirnaldas y amorcillos; y el cuarto estilo llamado ilusionista de la segunda mitad del siglo I d.c. es una mezcla de los anteriores en el que se introdujeron paisajes imaginarios, formas arquitectónicas fantásticas y escenas mitológicas. Las obras más representativas son Casa de Livia (estilo de incrustaciones), Casa de los Misterios (estilo arquitectónico), Casa de los Vettii (estilo ornamental) y las pinturas de la Domus Aurea de Nerón en Roma (estilo ilusionista). Se entiende por mosaico una superficie mural o pavimental decorada mediante la incrustación de pequeños trozos de piedra u otros materiales. Sobre la evolución y características del mosaico en época romana contamos con los testimonios de Vitrubio y de Plinio, se distinguía entre opus vermiculatum, opus tessellatum y opus sectile cuyas diferencias radican en el tipo de teselas utilizadas. Los mosaicos romanos de época republicana eran en blanco y negro y representan composiciones de tipo geométrico o figurado. En época de Augusto, el mosaico que hasta entonces fue casi exclusivamente pavimental se convirtió en un arte parietal, además utilizó la policromía. A partir de finales del siglo II d.c. se desarrollan las composiciones polícromas en las que se reproducen escenas de carácter mitológico, escenas de caza, espectáculos, vida cotidiana, escenas marítimas, paisajes y también motivos geométricos y vegetales, sirva de ejemplo el mosaico de Palestrina. A partir del siglo IV d.c. tiene lugar un período de extraordinario esplendor en las villae (residencias de l os propietarios rurales), tal y como muestra la villa de Piazza Armerina en Sicilia. El arte romano en España Las primeras obras materiales de los romanos en España fueron calzadas y campamentos, es decir, obras de ingeniería que servían para la conquista y romanización del territorio, muchos de estos campamentos terminaron convirtiéndose en ciudades como Tarragona, Itálica, Mérida, Zaragoza, Astorga, León y otras tantas que se convirtieron en centros de romanización. Arquitectura. Entre los puentes que los romanos tendieron sobre los ríos de España destacamos el Puente de Mérida sobre el Guadiana, que data de los tiempos de Augusto. Aventaja a todos, sin duda, por su grandiosidad y belleza el Puente de Alcántara (Cáceres), dedicado a Trajano, un pequeño templo a la

20 salida conmemora al constructor, Cayo Lucio Lácer, que lo terminó en el año 106, en el que grabó una inscripción: durará cuanto el mundo dure. Los acueductos son otros de los grandes monumentos realizados por los romanos en Hispania. El más importante es el Acueducto de Segovia, posiblemente también el más antiguo al ser terminado en tiempos de Trajano. El de los Milagros en Mérida conducía las aguas desde el Pantano de Proserpina hasta la ciudad, su alternancia cromática luego sería utilizada por los musulmanes. En relación con las comunicaciones marítimas se construyeron obras públicas importantes como el Puerto de Ampurias o faros como la Torre de Hércules en la Coruña. Los templos, mercados, foros, se encuentran en peor estado de conservación. El mejor conocido, gracias a las recientes excavaciones, es el Templo de Diana en Mérida. Dentro de los monumentos funerarios destacan, por su armoniosa complejidad, la Tumba de los Atilios en Sádaba (Zaragoza), y por su sencillez en forma de torre, la Tumba de los Escipiones en Tarragona. Entre los arcos monumentales destacan el Arco de Cáparra en Cáceres formado por cuatro arcos, el Arco de Bará en Tarragona, ambos muy bien conservados, mientras que el más vistoso por su emplazamiento es el Arco de Medinaceli en Soria. De los dieciocho teatros romanos conservados de España, ocupa lugar preponderante el Teatro de Mérida cuya construcción fue ordenada por Agripa, terminándose en el año 16 a.c., no olvidar el de Cartagena. Los anfiteatros mejor conservados son los de Itálica (uno de los mayores del mundo romano), Mérida y Tarragona. En cuanto a termas destacan las Termas de Alange (Badajoz). Dentro de los palacios destaca el Palacio de Augusto en Tarragona, grande y sólida construcción de sillería. En los yacimientos de ciudades, poblados y villas, se ha podido estudiar la típica casa hispanorromana y en muchas de ellas se han encontrado numerosos mosaicos que cubrían sus suelos. Destaca el mosaico en el que se representa el sacrificio de Ifigenia, descubierto en Ampurias, el de la Medusa, hallado en Tarragona. Escultura. La escultura romana hallada en los diferentes yacimientos españoles ofrece una gran variedad de temas y estilos. La mayoría de las obras de calidad debieron de ser importadas de la metrópoli, aunque no puede descartarse la hipótesis de la existencia de talleres hispano-romanos. En Tarragona destacan piezas simbólicas como el Dionisios; más clásicas son las obras de Itálica o el Torso de Hércules descubierto en Valladolid que representa a un atleta de la época. En relación con el retrato se alcanzan las mismas cotas de idealismo que en la época de Augusto en Roma, disponiéndose de varias efigies de este emperador en los Museos de Mérida e Itálica. No sólo los emperadores son el objeto de los retratos. hombres del pueblo o de la nobleza, damas y matronas han sido representadas en mármol dejándonos constancia de la honda identificación que sentían con las modas de la metrópoli. Algunas cabezas presentan ciertos rasgos de arcaísmo que pueden hacer suponer el origen indígena de su autor. Pero la mayoría de las obras descubiertas son veraces testimonios del retratado como por ejemplo en los retratos de Lucio Vero en Tarragona. Estudio de una obra representativa: el Panteón