Visita a la exposición del Museo del Prado ( ) Fotos y texto de la web del Museo del Prado

Transcripción

1 Grupo de Gays Visita a la exposición del Museo del Prado ( ) Fotos y texto de la web del Museo del Prado La exposición reúne el conjunto más importante de obras maestras de Picasso vistas en España desde 1981 con motivo de la exposición organizada para celebrar la llegada del Guernica. Dentro de la doble visión de Picasso entre la tradición y la vanguardia El Prado ofrece una ocasión inédita de confrontar la obra del malagueño con la de los maestros del pasado que tanto admiró desde su juventud, al exponer más de treinta obras de Picasso junto a una selección de las de los genios universales representados en sus colecciones. Retrospectiva esencial: La magnífica selección de obras de Picasso que componen esta retrospectiva esencial del artista arranca con el Autorretrato con paleta de 1906 del Museo de Filadelfia, realizado cuando contaba 25 años, y culmina con el primer retrato de la serie de mosqueteros de 1967, donde a sus 86 años no esconde la deuda con los maestros del pasado sino que la manifiesta firmando significativamente la obra como Domenicos Theotocopoulos van Rijn da Silva. La ordenación de la exposición sigue una rigurosa secuencia cronológica donde se dan cita algunas de las obras maestras del pintor desde el modernismo de las primeras etapas azul y rosa ( ), la radical experiencia cubista ( ), el retorno al orden y al canon clásico en el periodo de entreguerras ( ), los difíciles años de la guerra ( ), hasta las últimas décadas ( ) del pintor. Picasso y las Meninas: Adquiere una especial significación la serie pintada entre agosto y septiembre de 1957 sobre las Meninas, que se conserva en el Museo Picasso de Barcelona gracias a la donación del artista. El pintor desarrolla un centenar de estudios y versiones sobre la más célebre composición del Velázquez. La exposición permitirá confrontar por primera vez un conjunto importante de obras de la serie picasiana con el original de Velázquez en un diálogo sin precedentes. La vida Barcelona, primavera verano, 1903 Esta es una de las obras fundamentales del llamado período azul ( ), difícil para Picasso en lo personal y dominado por representaciones desoladas, muy influidas por la pintura del Greco. El joven amante tiene los rasgos de Carlos Casagemas, íntimo amigo de Picasso cuyo suicidio en 1901, por una crisis amorosa y artística, influyó en el inicio de esta etapa creativa. El tema es de difícil interpretación, aunque hay claras alusiones religiosas. Cleveland, The Cleveland Museum of Art. Gift of the Hanna Fund La planchadora París, primavera, 1904 Esta obra, una de las últimas del período azul ( ),se relaciona con la corriente pictórica que retrató a las clases trabajadoras y a los excluidos de la sociedad urbana industrializada del cambio de siglo. En este sentido, las imágenes de mujeres trabajadoras de Edgar Degas ( ) son una referencia cercana.por otra parte, la figura frágil y abatida, ubicada en un espacio sobrio e indefinido junto a sus útiles de trabajo, recuerda por el tratamiento formal y el tono introspectivo a las imágenes barrocas de santos eremitas. Nueva York, The Solomon R. Guggenheim Museum Thannhauser Collection, Gift, Justin K. Thannhauser, 1978 Mujer en camisa París, invierno, Este retrato de una joven de aspecto enfermizo muestra la transición del período azul al período rosa ( ), aunando los tonos que dominan este último y la tristeza del primero, que no es abandonada por completo en la nueva etapa. En la delgadez y el alargamiento de la figura está presente la admiración de Picasso por el Greco, cuya influencia en su producción de estos años es muy visible. La joven es probablemente una modelo de artistas llamada Madeleine, con la que Picasso tuvo una corta relación. Londres, Tate Modern. Bequeathed by C. Frank Stoop, 1933 Muchacho conduciendo un caballo París, primavera, 1906 Esta obra es uno de los grandes ejemplos del retorno de Picasso al clasicismo en El muchacho, de rasgos impersonales, deriva de la estatuaria griega arcaica, que Picasso conoció y estudió en las salas de escultura clásica del Museo del Louvre. La escena se ambienta en un paisaje neutro y aplanado y evidencia el interés por el estudio de los ritmos compositivos y la búsqueda del equilibrio y la belleza formal, que Picasso valora en este momento por encima de la narración pictórica o la transmisión de emociones. Nueva York, The Museum of Modern Art. The William S. Paley Collection, 1964

2 El harén Gósol, comienzo de verano, 1906 Picasso elaboró esta composición durante una productiva estancia estival en el pueblo pirenaico de Gósol (Lérida) con su amante Fernande Olivier, cuya imagen se repite en las jóvenes del lienzo. Los tonos terrosos y la reflexión sobre el clasicismo, especialmente el encarnado por Ingres ( ), son rasgos definitorios de la creación de Picasso en este período. La escena es, de hecho, un homenaje al Baño turco de Ingres (Museo del Louvre). Al mismo tiempo, esta etapa es definitiva en el avance de Picasso hacia el lenguaje de vanguardia. Cleveland, The Cleveland Museum of Art. Bequest of Leonard C. Hanna, Jr El peinado París o Gósol, primavera otoño, 1906 El vínculo de Picasso con la tradición artística que le precede resulta evidente en este lienzo, ligado a la tradición de escenas de toilette femenina, desde las Venus del Renacimiento y el Barroco a las mujeres, a menudo prostitutas, del postimpresionismo. El tratamiento de las figuras y las masas de color, resueltas en un contenido cromatismo de ocres, azules y blancos anuncia, por otra parte, los próximos experimentos formales de Picasso, influidos por la pintura de volúmenes geométricos de Cézanne ( ). Nueva York, The Metropolitan Museum of Art, Catharine Lorillard Wolfe Collection, Wolfe Fund, 1951; acquired from The Museum of Modern Art, Anonymous Gift. Autorretrato con la paleta en la mano París, otoño, 1906 Picasso realizó este autorretrato bajo la influencia del conocimiento del arte ibérico prerromano, el arte medieval catalán y el arte primitivo africano y oceánico, que empleó para crear un lenguaje alternativo a la tradición artística occidental. El autorretrato del artista forma parte de esta tradición, pero aquí los rasgos faciales abreviados y geométricos adquieren un aspecto de máscara. El rostro despersonalizado y el cuerpo compuesto por contraposición entre masas planas y volúmenes modelados muestran el camino emprendido por Picasso hacia el cubismo. Filadelfia, Philadelphia Museum of Art. A.E. Gallatin Collection, 1950 Mujer con abanico París, final de primavera, 1908 En esta obra que se sitúa ya en los comienzos del cubismo, Picasso descompone la realidad visual en planos geométricos, para representar la figura de una mujer sentada en un sillón. Mediante áreas de color de una gama contenida, delimitadas por líneas muy definidas, sugiere el espacio y señala los volúmenes, característicamente asimétricos. La imagen contiene referencias a la estatuaria de las culturas primitivas, que interesó especialmente a Picasso y a la vanguardia. El recuerdo de las vírgenes sedentes y hieráticas de la pintura románica está también presente. San Petersburgo, State Hermitage Museum Panes y frutero con frutas encima de una mesa París, invierno, 1909 La génesis de esta obra está en una escena de taberna con figuras alrededor de la mesa. Tras una compleja elaboración, los personajes desaparecieron, transformándose en los elementos que vemos. Su brazos se convirtieron en barras de pan, el frutero reemplazó a la figura de una mujer y, como últimos vestigios de la presencia humana, unas piernas asoman bajo el tablero abatible de la mesa. El cortinaje y la disposición de la mesa y los objetos confieren a esta composición marcadamente frontal una apariencia casi escénica o incluso religiosa. Basilea, Kunstmuseum Basel El aficionado Sorgues-sur-Ouvèze, verano otoño, 1912 El aficionado se cuenta entre las obras más memorables del cubismo pleno. Su origen, como indican los letreros Nîmes, TOR y Le Torero nombre de un periódico taurino está en una corrida de toros en la mencionada ciudad francesa. La estructura ortogonal facilita la lectura de la imagen, y varios elementos ayudan a reconstruir los planos facetados de la composición: la cabeza y los rasgos del rostro, la vestimenta, la banderilla, una guitarra y una botella que, como insinúan las letras que contiene, es de manzanilla. Basilea, Kunstmuseum Basel. Gift of Raoul La Roche. Picasso: visita a la exposición del Museo del Prado, del Grupo de Gays de COGAM - 2

3 Garrafa y tres tazones Óleo sobre cartón. París, verano, 1908 Picasso realizó numerosos bodegones durante los años de experimentación con el lenguaje pictórico que desembocaron en el cubismo. La naturaleza muerta es un género de gran arraigo en la tradición pictórica española, y se convertiría en seña de identidad de la temática cubista. Por otra parte, el tratamiento geométrico de las formas es deudor de las composiciones de un artista al que Picasso consideró su maestro, Cézanne ( ), quien también había encontrado en el bodegón un excelente campo de estudio de los volúmenes y las posibilidades del espacio pictórico. San Petersburgo, State Hermitage Museum El poeta Céret, agosto, 1911 En 1911 Georges Braque ( ) y Picasso, trabajando en estrecha sintonía en la elaboración de un lenguaje pictórico alternativo con el que recrear la realidad, llevaron el cubismo a su fase analítica. En este lienzo emblemático, la figura de un hombre sentado en un sillón y fumando una pipa ha sido descompuesta en sus formas básicas y reelaborada en una estructura piramidal, a base de planos casi monocromáticos que ofrecen múltiples puntos de vista simultáneos. Una fragmentación menos acusada alrededor de la figura sugiere someramente el espacio, prácticamente anulado. The Solomon R. Guggenheim Foundation Venecia. Peggy Guggenheim Collection, 1976 La flauta de Pan Cap d Antibes, verano, 1923 La plenitud del nuevo retorno de Picasso a las raíces mediterráneas del clasicismo está condensada en esta versión personal del mito clásico de Apolo, dios del sol, y Pan, dios pastoril de la música y la danza que desafió a aquél a un duelo musical. El lienzo muestra a un artista conscientemente incardinado en una gran tradición pictórica, que aborda siempre con espíritu de parangón. La escena, bañada por la luminosidad del sol y el mar mediterráneos, está compuesta según los cánones de grandeza y monumentalidad del arte clásico. París, Musée National Picasso Paulo vestido de arlequín París, 1924 Paulo era hijo de Picasso y Olga Koklova, bailarina de los Ballets Rusos de Diaghilev a la que el artista conoció en Italia en 1917, cuando trabajaba en los decorados y figurines del ballet Parade. A principios de la década de 1920, una época sosegada y satisfactoria en lo personal, Picasso pintó varias maternidades y efigies de personas de su círculo íntimo y familiar, entre ellas esta delicada y cálida imagen de su hijo, a la que las grandes áreas inacabadas dan un aspecto de bosquejo. París, Musée National Picasso Tres músicos Fontainebleau, verano, 1921 Esta composición es la culminación del cubismo sintético, que muestra la realidad como una síntesis de sus formas básicas, definidas por áreas de color. Es, además, un gran ejemplo de la influencia de las vivencias personales en el arte de Picasso. Se representó aquí vestido de Arlequín junto a sus amigos escritores Apollinaire ( ) y Max Jacob ( ) como Pierrot y en hábito de monje, respectivamente, en un homenaje a los años de bohemia y fructífero intercambio artístico e intelectual que vivieron juntos en París. Filadelfia, Philadelphia Museum of Art. A.E. Gallatin Collection, 1952 El idilio Óleo y lápiz sobre lienzo. Cap d Antibes, verano, 1923 Tras la consternación de la I Guerra Mundial se impuso en el arte una llamada al orden, reacción contra la vanguardia que reclamó el retorno a la figuración tradicional y al clasicismo, es decir, a las raíces que constituyen la identidad cultural europea. Ello, junto al conocimiento directo de la antigüedad clásica durante una estancia en Italia en 1917, sin duda influyó en el renovado interés de Picasso por el arte clásico. Su interpretación personal de lo que éste representa es visible en esta sencilla composición, equilibrada y monumental. Colección Jan Krugier y Marie-Anne Krugier-Poniatowski Picasso: visita a la exposición del Museo del Prado, del Grupo de Gays de COGAM - 3

4 Hombre sentado con vaso Aviñón, verano, 1914 Picasso pintó esta obra en Aviñón, donde pasó el verano de 1914 y el comienzo de la Gran Guerra. Tras los años de trabajo conjunto con Georges Braque ( ) en el lenguaje cubista, buscó vías que lo complementaran para traducir la realidad visual al lienzo. Aquí representa a un hombre, reducido a figuras geométricas y ondulantes, sentado o apoyado junto a una barra o una mesa. La composición, inacabada y conscientemente confusa, posee rasgos del cubismo tardío, como el vivo colorido o las áreas decorativamente punteadas y rayadas. Colección privada Instrumentos de música en una mesa Juan-les-Pins, verano 1926 Este es uno de los bodegones sobre-realistas que Picasso pintó a mediados de los años veinte. Partiendo de las premisas del cubismo, estructuró el espacio mediante grandes áreas planas de color que representan una mesa con mantel ante una ventana, una guitarra, un frutero, un plato y una mandolina. Esta transformación profunda del objeto visto produce una composición que representa su propia realidad referencial, exclusivamente pictórica, mediante un código igualmente propio y exclusivo. Madrid, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía Las meninas (conjunto), según Velázquez Cannes, 3 de octubre, 1957 Aunque Picasso continuó trabajando sobre Las meninas después de pintar este lienzo, en él representó por última vez la escena completa. El propio Picasso había afirmado, poco antes de acometer la serie, que si tratara de copiar Las meninas, el resultado no sería una copia al uso, sino sus propias Meninas. En esta última variación sobre la obra de Velázquez, Picasso transformó la construcción espacial velazqueña en una estructura compositiva de formas geométricas simples y bien definidas. Las meninas (conjunto), según Velázquez Cannes, 17 de agosto, 1957 Picasso afirmó haberse sentido impresionado por Velázquez desde su primera visita al Museo del Prado, en Los cuadernos de sus visitas posteriores al museo como estudiante muestran numerosos dibujos sobre obras del maestro. Entre agosto y diciembre de 1957, en su villa La Californie (Cannes), Picasso trabajó casi obsesivamente sobre Las meninas, creando una serie formada por cincuenta y ocho lienzos. Su primera aproximación a la obra fue este estudio de conjunto, el más similar a la composición velazqueña. Las meninas (conjunto), según Velázquez Cannes, 18 de septiembre, 1957 Picasso volvió a representar la escena completa después de dedicar varios lienzos al estudio de motivos aislados de la obra de Velázquez. En esta ocasión, procedió a una descomposición cubista del espacio y las figuras en planos que ofrecen una visión caleidoscópica y muy dinámica. La infanta Margarita María (Las meninas), según Velázquez Cannes, 14 de septiembre, 1957 En su proceso de meditación sobre la obra de Velázquez, Picasso fue centrando sucesivamente su atención en determinados grupos o figuras de la composición. En cada obra parece hallarse el estímulo para abordar un nuevo motivo, o bien para volver sobre alguno de los ya explorados. En el caso de la infanta Margarita, retomó el estudio de su figura aislada en varias ocasiones durante la elaboración de la serie. Picasso: visita a la exposición del Museo del Prado, del Grupo de Gays de COGAM - 4

5 La infanta Margarita María (Las meninas), según Velázquez Cannes, 21 de agosto, 1957 Tras la primera composición de conjunto que inauguró la reflexión de Picasso sobre Las meninas, fechada el 17 de agosto, el artista se centró durante varios días en el estudio de la imagen de la infanta. Mujer sentada en un sillón rojo Boisgeloup, 1932 En el taller que instaló en su château de Boisgeloup, cerca de París, Picasso vivió durante los primeros años treinta una prolífica etapa de creación pictórica y escultórica. Entonces, su musa y amante era Marie-Thérèse Walter. La relación ambigua de Picasso con lo femenino y sus conexiones con el surrealismo, con el que compartió la visión del arte como expresión de deseos, miedos e instintos ocultos en el subconsciente, laten en las formas curvas, orgánicas, intensamente moduladas de esta figura. París, Musée National Picasso Desnudo tumbado París, 30 de septiembre, 1942 Picasso permaneció en París durante la ocupación alemana de Francia. No pintó escenas bélicas durante la II Guerra Mundial, pero en sus obras se filtraron la desolación y la angustia del conflicto. A comienzos de los años cuarenta dedicó a la figura femenina desnuda y tumbada varias obras, entre las que esta es un ejemplo destacado. Tomó la imagen del desnudo tumbado, empleada tradicionalmente para mostrar personajes en estados de lasitud, relajación o ensoñación, y la transformó en protagonista de una escena sombría y claustrofóbica. Berlín, Staatliche Museen zu Berlin, Nationalgalerie. Museum Berggruen Mujer sentada en un sillón (Dora) París, 31 de mayo, 1938 Picasso pintó mujeres sentadas durante toda su carrera, y especialmente en los años siguientes a la ejecución del Guernica, empleando a menudo como modelo a la fotógrafa surrealista Dora Maar, con la que mantenía una tormentosa y apasionada relación desde Las deformaciones y fragmentaciones geométricas a las que somete la efigie de Dora, convertida en imagen del sufrimiento, junto a la reducida gama cromática, forman parte de la respuesta creativa del artista a la época turbulenta y azarosa que entonces vivían su propio país y toda Europa. Riehen / Basilea, Fondation Beyeler La alborada París, 4 de mayo, 1942 La pintura europea, desde el Renacimiento representado por Tiziano (c ) hasta el neoclasicismo de Ingres ( ), que Picasso admiró, ofrece multitud de imágenes de mujeres desnudas acompañadas por otro personaje, masculino o femenino, que pudieron inspirar esta escena pintada en el París ocupado por los nazis. Picasso, artista con una aguda conciencia de su individualidad creativa, partió de ese referente pero se alejó del tratamiento convencional del desnudo y usó para el tema, según sus propias palabras, una expresión revolucionaria. París.Centre Georges Pompidou. Musée national d art moderne/centre de création industrielle.don de l artiste Cabeza de mujer llorando con pañuelo III París, 17 de octubre, 1937 Esta imagen trágica es uno de los numerosos estudios derivados de la madre con el hijo muerto del Guernica, motivo sobre el que Picasso trabajó casi obsesivamente tras acabar el gran lienzo. Para componer este rostro, encarnación de la atrocidad de la guerra, combinó elementos del cubismo con otros de su particular poética surrealista, como los ojos convertidos en cuencos que manan lágrimas. Aunque existe un recuerdo de las dolorosas de la imaginería católica, el resignado sufrimiento de éstas ha desaparecido, convertido en desesperación. Madrid, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía Picasso: visita a la exposición del Museo del Prado, del Grupo de Gays de COGAM - 5

6 Las mujeres de Argel, según Delacroix (versión final O ) París, 14 de febrero, 1955 Entre 1954 y 1962 Picasso realizó varias series sobre obras de grandes artistas. Dedicó la primera a Las mujres de Argel (1834, Museo del Louvre) del pintor romántico Eugène Delacroix ( ). En este lienzo, el último de la serie, Picasso transformó la obra original en una composición cubista en la que destaca la figura de Jacqueline Roque, su última compañera y esposa. A través de este homenaje, Picasso honraba también la memoria de Matisse ( ), amigo y rival artístico con el que compartió la admiración por Delacroix. Colección privada europea El almuerzo campestre, según Manet Vauvenargues, 29 de febrero, 1960 Picasso dedicó al Almuerzo campestre (1863, Museo de Orsay) la serie más numerosa de estudios de las que realizó sobre obras de grandes maestros. El lienzo de Édouard Manet ( ) es un icono del nacimiento del arte moderno y representa el espíritu de un creador que, como Picasso, se inspiró en temas y artistas clásicos para reelaborarlos en un nuevo lenguaje pictórico. En su versión de la obra de Manet, Picasso redujo al máximo la ambientación paisajística de la escena original para centrarse en la relación entre sus personajes. Colección Privada El rapto de las sabinas Mougins, 9 de enero 7 de febrero, 1963 Picasso pasó el curso en Madrid, matriculado en la Academia de Bellas Artes. En sus visitas al Museo del Prado conoció la obra de Nicolas Poussin ( ), y desde entonces admiró a este pintor clasicista, al que consideró un gigante. Poussin y el neoclásico Jacques-Louis David ( ) fueron la principal fuente de inspiración para la última serie de Picasso sobre obras de grandes maestros, que concluye con este lienzo. Boston, Museum of Fine Arts. Juliana Cheney Edwards Collection, Tompkins Collection and Fanny P. Mason Fund in memory of Alice Thevin Gran desnudo Mougins, 20/22 de febrero 5 de marzo, 1964 Picasso pintó este lienzo en su villa de Mougins, localidad cercana a Cannes donde vivió desde 1961 hasta su muerte. La modelo de gran parte de sus obras de estos años fue su última esposa, Jacqueline Roque, con quien compartió su vida desde Esta imagen de Jacqueline, construida con las distorsiones formales características del artista, posee la serenidad propia de las figuras femeninas del Picasso más maduro. Con toda probabilidad se trata de una evocación de la Maja desnuda de Goya. Zúrich, Kunsthaus Zürich El mosquetero Óleo sobre contrachapado. Mougins, 28 de marzo, 1967 Durante sus últimos años Picasso trabajó el motivo del mosquetero repetidamente. En el dorso de esta obra escribió Domenico Theotocopoulos van Rijn da Silva, inscripción que da testimonio del espíritu de emulación de las figuras del Greco, Rembrandt y Velázquez que alienta en estos mosqueteros. Al mismo tiempo está presente su gusto por el disfraz y la mascarada, como se aprecia en el aire caricaturesco y la factura intencionadamente infantil de la figura. Budapest, Ludwig Museum of Contemporary Art Depósito de Peter und Irene Ludwig Stiftung, Aquisgrán Mosquetero y Amor Mougins, 18 de febrero, 1969 Las series de mosqueteros que se repiten en la producción de los últimos años de Picasso, desde mediados de los años sesenta, tienen su germen en la admiración del artista por Rembrandt y la pintura española del Siglo de Oro. En algunas versiones del tema, como ésta, Picasso se representó a sí mismo tanto en la figura del hombre como en la del niño, expresando en esa imagen doble la posibilidad de renovación y renacimiento, que también transmiten otras obras de su etapa final. Colonia, Museum Ludwig Picasso: visita a la exposición del Museo del Prado, del Grupo de Gays de COGAM - 6