1. INTRODUCCIÓN: COORDENADAS HISTÓRICAS, CRONOLOGÍA Y CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL RENACIMIENTO 1.1. Los Orígenes italianos - Este movimiento nace

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1 1 1. INTRODUCCIÓN: COORDENADAS HISTÓRICAS, CRONOLOGÍA Y CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL RENACIMIENTO 1.1. Los Orígenes italianos - Este movimiento nace en Italia, país que tenía más cerca las fuentes que ahora van a servir de inspiración a los artistas renacentistas. Italia estaba salpicada de innumerables retos del Antiguo Imperio Romano, de los que los humanistas sacarán las mejores enseñanzas. - Además en Italia nunca se perdió el espíritu clásico, conservándose incluso, en cierta medida, durante toda la Edad Media, durante el Románico y el Gótico. - No hay que olvidar tampoco que es aquí uno de los lugares donde se desarrolla la nueva economía, apareciendo una nueva sociedad, que tiene unos nuevos intereses y que necesita un nuevo lenguaje Cronología del renacimiento en Italia El "Trecento" - Durante el siglo XIV comienza su gestación, aún en pleno Gótico. - En escultura los Pisano y en pintura los Primitivos Italianos de la Escuela de Florencia y de la Escuela de Siena nos permiten ya hablar de un Proto-Renacimiento. Como centro artístico destacan las ciudades de Pisa, Florencia o Siena El "Quattrocento" - El siglo XV es la etapa de desarrollo, todavía experimental. - Surge una nueva estética, un nuevo sentido de la belleza, un nuevo estilo, el Renacimiento (término acuñado por Vasari en el siglo XVI), debido a que "renacen" los ideales de la antigüedad clásica, la cultura grecorromana, pero no es una imitación, sino un punto de partida para el nuevo espíritu y para las nuevas realizaciones del hombre. La capital artística de este primer Renacimiento es Florencia El "Cinquecento" - El siglo XVI es el momento del pleno Renacimiento. Como centro del arte la ciudad de Roma El Manierismo - - Hacia la tercera década del siglo XVI se produce una reacción anticlásica que ponía en cuestión los ideales de belleza del Renacimiento vistos más arriba. - El origen del concepto de Manierismo está en la expresión italiana "alla maniera di...", es decir siguiendo la línea de Miguel Ángel, Rafael, Leonardo. La época del Manierismo es de cambios políticos (Italia campo de batalla entre España y Francia, "Sacco di Roma" en 1.527) y religiosos (la reforma protestante pone en entredicho la supremacía de Roma), terminando con el optimismo humanista Extensión del Renacimiento al resto de Europa y España - El Renacimiento será universal, extendiéndose desde Italia al resto de Europa. Pero no será uniforme y homogéneo, en cada país la tradición local condicionará su desarrollo y lo llenará de matices.

2 2 - Incluso el desarrollo cronológico no se hará de forma paralela: el estilo reinante durante el siglo XV será el Gótico; hay que esperar hasta el siglo XVI para atisbar la nueva estética Características generales del Renacimiento: la nueva concepción del arte El Humanismo - El Humanismo cambia la concepción medieval del hombre, el hombre vuelve a ser el centro de todas las cosas, apareciendo un nuevo hombre que introducirá cambios en todas sus manifestaciones, sobre todo en la cultura y el arte, ya que el nuevo hombre necesita un nuevo lenguaje a su medida El Racionalismo - No se trata sólo de la aparición de un nuevo lenguaje formal, aparecen nuevas exigencias vitales e intelectuales que afectan a la idea misma del arte, produciéndose cambios radicales por la nueva situación del artista y de la obra de arte, por el valor teórico de los modelos y por el planteamiento científico y racional del arte. - La realidad es comprendida a través de la razón y los artistas investigan racional y científicamente ciertos aspectos de la arquitectura, la pintura o la escultura antes de llevar a cabo sus obras La desaparición del anonimato artístico: El artista - Como consecuencia del protagonismo del hombre en esta época, desaparecerá el anonimato artístico, se comienza a valorar al autor, basándose a partir de ahora la Historia del Arte en los artistas en lugar de en las obras de arte. - También habrá una mayor valoración de la propia actividad artística, dejará de ser un oficio para convertirse en una ciencia y en un arte La figura del mecenas - Son los protectores de los artistas, quienes los incentivan, los animan a crear e incluso en ocasiones los mantienen. - Son miembros de familias acaudaladas sensibilizados con el arte (los Médici, Uficci, Rucellai, Pitti o Strozzi, en Italia o los Mendoza en España) solían ser coleccionistas de obras de arte, proporcionando así gran número de encargos Los tratadistas, críticos y biógrafos - Aparecen los teóricos del arte, que recogen en su obra escrita las experiencias artísticas pasadas y presentes. - Extensa obra escrita durante los siglos XV y XVI, a la que hay que unir la reedición de antiguos tratados, como el de Vitrubio El estudio de los prototipos clásicos y de la naturaleza - Además de estudios teóricos los artistas del Renacimiento estudian directamente los prototipos clásicos. Se fomentó la arqueología, lo que facilitó al artista el conocimiento directo de las obras de la antigüedad, difundidas por toda Europa gracias al desarrollo del grabado. - El Renacimiento supuso también el descubrimiento de la naturaleza, que se hace patente en los fondos de la pintura o el esfuerzo por representar la anatomía.

3 3 - Pero se trata de un naturalismo idealizado, se representa la idea perfecta de cada ser, persona o cosa, no apareciendo imperfecciones ni deformidades Las ideas antropométricas: orden, proporción y armonía - Junto con la idealización debemos mencionar aquí también la obsesión renacentista por el orden, la proporción y la armonía, que transmitan serenidad, mesura, equilibrio, etc. - La figura humana será el centro de interés de la obra de arte, que seguirá siempre sus proporciones, sus medidas. - El arte, la arquitectura, la escultura y la pintura, logra encontrar la medida del hombre, establece proporciones sencillas, ceñidas a una geometría simple y comprensible La visión unitaria - Belleza no sólo en las proporciones, también en el sentido unitario de la obra, un la visión unitaria que ofrece: la obra de arte debe presentarse al espectador simultáneamente y en su conjunto, debe ofrecerse unida. - En arquitectura el espacio interno se ofrece de una sola vez. - En escultura o pintura el cuadro presenta una composición unida, predominando la perspectiva central. 2. LA ESCULTURA DEL RENACIMIENTO EN ITALIA 2.1. Características generales - El sentimiento clásico aparece antes en la escultura que en la arquitectura, ya en la Europa Gótica. - En el Trecento, en Siena y Pisa, Nicolás y Juan Pisano difunden ya un arte naturalista y moderno. Es en Italia donde este temprano brote aparece debido a los abundantes restos de escultura romana que allí se conservaban. - Utiliza materiales nobles como el mármol y el bronce, con los que se alcanza gran perfección. - Los protagonistas son el hombre y la naturaleza, acentuándose el naturalismo, se busca la representación de la realidad, aunque a veces ésta se idealice, se intentan crear modelos ideales, que expresen el ideal humano tal y como se concibe en el Renacimiento. También es importante la preocupación por la expresividad de las figuras. - En bulto redondo se realizan bustos, figuras de cuerpo entero, motivos funerarios y estatuas ecuestres; tampoco se descuida el relieve, utilizándose en la misma obra el alto, medio y bajo, para dar sensación de profundidad. - Por último mencionar que la escultura renacentista se caracteriza por la proporción, la simetría y el canon; aunque continúa siendo fundamentalmente cristiana se subordina el simbolismo religioso a la consecución de la belleza, centrando su interés en la belleza formal de las figuras, estudiando así mismo la anatomía a través del desnudo y el retrato. También reaparecen los temas mitológicos La escultura del Quattrocento (siglo XV)

4 4 - El Quattrocento será en escultura un siglo florentino, dominándose ya todas las técnicas y estilos. A) Lorenzo Ghiberti - El primer gran escultor enteramente renacentista, aunque inicia su estilo con muchas supervivencias formales del mundo del gótico internacional. Destaca sobre todo por la visión pictórica de los relieves. + Segundas Puertas del Baptisterio de Florencia - En se convoca un concurso para realizar las puertas que faltaban del Baptisterio de Florencia, se presentan importantes artistas, entre ellos Brunelleschi, pero el concurso lo gana Ghiberti. Puerta con escenas evangélicas fundida en bronce, tanto el marco como la composición conservan elementos del Gótico internacional, curvas de las figuras y paisaje acartonado, pero también innovaciones clásicas, como el volumen. + Puerta de la Gloria del Baptisterio de Florencia - Auténtica revelación de la escultura renacentista, formato cuadrado, distinto al lobulado tradicional. Concepción pictórica del relieve, incluyendo perspectiva, paisaje, arquitecturas clásicas e incluso atmósfera. Relieve como espacio tridimensional, consiguiendo los efectos de profundidad graduando los volúmenes y la definición de los contornos. B) Donatello - Es el más importante escultor del siglo XV, busca siempre representar al hombre lleno de vida, mostrando su capacidad de captación de los valores humanos en sus figuras. + San Marcos - En sus obras iniciales aún formas estilizadas y curvadas propias del Gótico internacional, destaca porque la figura definitivamente se hace independiente de su posición arquitectónica. + San Jorge

5 5 - En pie, armado, representa la juventud desafiante y altanera que anuncia la terribilitá miguelangelesca. + El Profeta Habacuc - Crea un nuevo tipo de profeta, alejado de la iconografía medieval, de tremenda expresividad y realismo, transmitiendo la dignidad y nobleza del personaje. + David de bronce - Joven pensativo y melancólico y tocado con el sombrero típico toscano, la composición invita a rodearlo y admirarlo desde todos los puntos de vista y es plenamente clásica, apareciendo desnudo, en contraposto, desnudo. + El Gattamelata, Padua

6 6 - Magistral retrato ecuestre del condottiero Erasmo de Narni, recordando a los mejores retratos romanos del género. Lleno de vida y expresividad, es un auténtico análisis psicológico del guerrero y el poder. + Relieve del Festín de Herodes del Baptisterio de Siena - Relieve realizado en bronce según la técnica de Ghiberti, pero la expresividad de las figuras es donatelliana. Composición audaz, el tema central a un lado, arquitecturas renacentistas al fondo, perspectiva. + Relieves de la Cantoría de Florencia - Abandona en este caso el interés pictórico de Ghiberti. Narra la alegría infantil, predominando el equilibrio compositivo marcado por las columnas, que contrasta con la tensión y movimiento de las figuras. C) Jacopo della Quercia - Junto con Ghiberti y Donatello fue uno de los primeros escultores italianos en recuperar los modelos y técnicas de la Antigüedad. - Le interesa sobre todo la expresividad rotunda del cuerpo humano, sin preocupación alguna por el espacio ambiental y llenando todas las superficies con figuras. + Portada de San Petronio de Bolonia - Relieves en piedra sobre La Creación de Adán alejados del estilo pictórico de Ghiberti, llenos de grandeza, figuras hercúleas y monumentales que anuncian la obra de Miguel Ángel. D) Luca della Robbia

7 7 - Introduce el barro vidriado, policromado, con figuras blancas sobre fondos azules y elementos decorativos vegetales, de rico colorido. + La Virgen con el Niño - Es su tema más logrado y el que realiza con mayor frecuencia. + Cantoría de la Catedral de Florencia - Serenidad, clásica en la composición, y naturalismo, sobre todo en los pequeños gestos de las figuras. E) Andrea Verrochio - Además de escultor pintor también y maestro de Leonardo da Vinci. + David Joven - Recuerda la de Donatello, con la cabeza de Goliat entre sus pies, pero vestido y tratando de acentuar la expresividad de la cabeza. + Condottiero Colleone de Venecia - Retrato ecuestre, más teatral, dinámico y atrevido que el de Donatello, el personaje introducido en la acción, buscando sobre todo la expresividad del rostro La escultura del Cinquecento (siglo XVI) - En contraposición al siglo XV, y del mismo modo que en arquitectura, el XVI va a ser el predominio de lo romano frente a lo florentino.

8 8 - En lo estrictamente formal, las delicadezas cuatrocentistas y el amor el detalle menudo, van a ceder el paso a una grandiosidad monumental y simplificadora, ya intuida en las obras de Jacopo della Quercia. A) Miguel Ángel Buonarotti - Uno de los máximos genios de la Historia, fue poeta, pintor, arquitecto y, sobre todo, escultor. - Su calidad excepcional y su extraordinaria sabiduría frente a las formas del cuerpo y las complejidades del espíritu, hacen de Miguel Ángel el prototipo universal del escultor, capaz de expresar en mármol cualquier concepto, idea o propósito, aun el más complejo. Sus figuras, realizadas en mármol blanco de Carrara, son siempre grandiosas, monumentales y muestran una gran vitalidad. En su tiempo fue ya casi divinizado y sus obras, incluso las inacabadas, han sido durante siglos, modelos fervorosamente estudiados. - De personalidad llena de rebeldía e idealismo, pasó su vida tras la busca de la Idea de Belleza, sus figuras no son reales, sino ideales. - Sus primeras obras son aún clásicas, inspiradas directamente en las antiguas, pero tras conocer la obra de Jacopo della Quercia su monumentalidad imprimirá un giro definitivo a su obra. El equilibrio entre forma bella y movimiento, propio del Quattrocento, lo rompe en favor del movimiento, hasta llegar a reflejar en sus obras gestos y actitudes delirantes, vía que seguirán el Manierismo y el Barroco. + Pietá del Vaticano - Reflejo de sus estudios de obras clásicas al llegar a Roma. Soberbia obra de perfecto equilibrio entre una concepción monumental, de volúmenes puros y cerrados, y un acabado refinadísimo y delicado; de belleza neoplatónica y composición racional, triangular. Sorprende la extremada juventud de la Virgen en la que quiso, sin duda, expresar no la Virgen real, madre doliente y madura, sino la Virginidad eterna y sin edad. + David

9 9 - Desnudo heroico, de tamaño mayor que el natural, impresionante en su grandiosidad, rompiendo la iconografía tradicional, que lo representaba como adolescente. Realizado sobre un enorme bloque de mármol, pero de forma alargada y estrecha, lo que le obliga a hacer una obra casi plana. - En él apreciamos los rasgos de su arte: la terribilitá, el carácter terrible y amenazador de sus figuras; la tensión de la anatomía, el movimiento contenido y centrípeto, con los miembros hacia adentro; la falta de simetría en la postura; la pasión del rostro y el perfecto estudio anatómico, dando la sensación de que la figura está viva. - La postura es helénica, pero las manos, el gesto terrible, la disposición en zigzag del cuerpo, comunican una tensión que no es clásica, sino punto de partida del Manierismo + El Sepulcro del Papa Julio II: El Moisés y los Esclavos - Concebido primero como una verdadera montaña de mármol exenta bajo la Cúpula de San Pedro, con más de cuarenta figuras de tamaño colosal, hubo de irse reduciendo por presiones de todo tipo (económicas, políticas, familiares), y cuando mucho años más tarde se instaló en la Iglesia de San Pietro in Vincoli, sólo figuran en él, de su mano, el famoso Moisés y las estatuas de Lía y Raquel. - El Moisés: motivo central de la tumba, obra capital de fuerza contenida y grandiosidad terrible, pensativo y sereno, reflexivo y prudente, el ideal del Renacimiento, pero en la fiereza de su mirada destella la terribilitá miguelangelesca. - Los Esclavos: Debían ir también en el Mausoleo de Julio II, pero quedaron inacabados: hondamente patéticos, expresan el esfuerzo por liberarse de las cadenas. Mientras los realizaba se descubrió en Roma el Laocoonte, que supuso para Miguel Ángel y todos los escultores de su tiempo una verdadera revelación. A partir de este momento la expresión en sus figuras se hará más intensa, las actitudes más violentas y un halo de dramático pesimismo velará los rostros. + Sacristía Nueva de San Lorenzo: Capilla funeraria de los Médicis

10 10 - Integra arquitectura y escultura en los Sepulcros de Julián y Lorenzo Médici, sentados, uno desafiante, el otro pensativo: no sólo dominio de la anatomía, es más importante el sentimiento que transmiten. A sus pies, recostadas sobre los sarcófagos, otras cuatro figuras, dos y dos, la Aurora y el Crepúsculo, el Día y la Noche, entendidas como robustos cuerpos desnudos, desde la juventud esplendorosa de la Aurora, a la poderosa vejez del Crepúsculo. + Pietá Rondanini - En los últimos años de su vida siente una fuerte religiosidad, por lo que se sentirá atraído por el tema de la Piedad. Las últimas que realiza son dramáticas, cada vez muestran mayor dolor y desesperación, sobre todo ésta, que no llegó a terminar. En ésta la expresividad llega a deformar las proporciones y la técnica empleada es sumaria y sugestiva (como en los escultores impresionistas del siglo XX) La Escultura Manierista - También en escultura quebranto del ideal clásico: rasgo definitorio del Manierismo escultórico es la figura serpentinata, dibujando una ascensión helicoidal; obras con un complicado movimiento, con varios puntos de vista, no limitándose a ofrecer una perspectiva principal. - Ya en Miguel Ángel encontramos ejemplos de Manierismo: en la Tumba de Lorenzo de Médici las figuras escapan del marco y del espacio que las contiene, con fuerza

11 11 centrífuga que las hace inestables, de tono grave y tenso, las pro-porciones parecen rotas, etc. - Ejemplos: + El Rapto de las Sabinas de Juan de Bolonia: forma serpentinata trasladada a un grupo de figuras; movimiento y varios puntos de vista; los gestos muestran el olvido de la armonía clasicista. + Perseo con la cabeza de Medusa de Benvenutto Cellini: tensión y desgarramiento en su exagerada musculatura; el pedestal de formas bulbosas anticipa la ornamentación barroca. 3. LA ESCULTURA DEL RENACIMIENTO EN ESPAÑA 3.1. La aparición del Renacimiento en España: cronología y contexto histórico - Las intensas relaciones que España mantenía con Italia, como consecuencia de las múltiples campañas impulsadas por Fernando el Católico por el dominio que la corona de Cataluña-Aragón ejercía sobre Nápoles y Sicilia y por el continuo intercambio de artistas y materiales entre los distintos estados italianos y la monarquía hispánica, permitieron que la esencia del Renacimiento fuera asimilada ya a finales del siglo XV y se extendiera a lo largo del siglo XVI. - Las características sociales de la España del momento distaban bastante de las que se habían observado en Italia en el período de gestación del Renacimiento: mientras en Italia el resurgimiento de la actividad comercial y del mundo urbano marcaron el contexto en que se desarrolló el Renacimiento naciente, en España, en cambió, en los albores del siglo XVI el fenómeno mercantil sólo se daba con fuerza en Cataluña y Valencia; al mismo tiempo, si en Italia la aparición de la burguesía y su enriquecimiento hicieron posible que dicha clase social se convirtiera en uno de los principales clientes de los artistas renacentistas, en España eran la iglesia, la nobleza y la monarquía absolutista las que seguían ostentando el poderío económico; sin embargo las circunstancias políticas del momento, profundamente marcadas por la consecución de la unidad nacional y por el descubrimiento del Nuevo Continente a finales del siglo XV, hacían de España un reino con grandes perspectivas, lo cual también facilitó la penetración de Renacimiento. - Todo esto explica que el Renacimiento en España se mantenga bajo la tutela de la nobleza, la Corte y la Iglesia, quienes establecerán cuáles son las necesidades que debe satisfacer el arte La Escultura del Renacimiento Español - La escultura renacentista llega a España gracias a artistas italianos, como Fancelli y Torrigiano, o a los españoles que viajan a Italia a formarse, como es el caso del gran Alonso Berruguete.

12 12 - La escultura del Renacimiento español es de gran originalidad por el fuerte sentimiento religioso del que está impregnado, siguiendo la línea anterior del gótico. Además de dar mucha importancia de la expresividad. También es original por los materiales empleados: se utiliza mucho la madera policromada con la técnica del estofado, en la que se aplica una fina capa de pan dorado y luego se pinta encima y se raspa para que se vea el dorado. Se siguen construyendo sepulcros, retablos, sillerías de coro y retratos Contexto artístico del siglo XV: permanencia gótica e influencia flamenca en la escultura española - La escultura renacentista de concepción clásica, la inspirada en la imaginería italiana, la que centraba su objetivo en el retorno a las formas clásicas de la Antigüedad y en la búsqueda a ultranza de la belleza formal, no se introdujo en España ni con rapidez ni con facilidad. - Desde mediados del siglo XV España contó con la llegada masiva de artistas borgoñones, flamencos, alemanes y holandeses que destacaron por su abundante producción y que indudablemente ejercieron una influencia notable en el ámbito de las manifestaciones artísticas escultóricas hispanas. - Además, el modus faciendi de los artistas españoles no contemplaba con excesivo interés los temas de carácter mitológico ni la observancia de unas fórmulas teóricas mediante las cuales obtener la belleza formal, aspecto ineludible en los artistas italianos, sino que por el contrario tendían más a la plasmación de los sentimientos y pasiones humanas que a la de los valores puramente estéticos. - Como consecuencia, en España la tradición goticista perduró durante todo el siglo XV, marcado profundamente por la influencia flamenca, y el estilo que se desarrolló se ha denominado estilo hispano-flamenco el primer tercio del siglo XVI: La influencia del renacimiento italiano - Con todo, la introducción del Renacimiento italiano fue posible y se produjo por varios caminos: la importación de piezas italianas, principalmente sepulcros, así como la llegada a España de artistas italianos y los viajes a Italia emprendidos por los españoles, fueron algunos de los aspectos que propiciaron la asimilación del nuevo gusto estético. A) La introducción de las formas escultóricas renacentistas - Domenico Fancelli y Pietro Torrigliano fueron los dos italianos que más contribuyeron a la introducción y difusión del Renacimiento italiano en España.

13 13 - Fancelli, de formación florentina y gusto por el preciosismo detallista: + El Sepulcro del Príncipe Don Juan en Santo Tomás de Ávila: realizado en mármol de Carrara, de decoración tallada de manera muy fina, inicia en España el tipo de sepulcro exento con los lados en talud. + Los Sepulcros de los Reyes Católicos en la Capilla Real de Granada: su obra cumbre, mantiene el tipo exento, de lecho horizontal, ahora más grande para dar cabida a las dos figuras yacientes de los reyes, y lados en talud, revestidos con medallones y hornacinas, con originales grifos en las esquinas y cuatro estatuas sedentes de los Padres de la Iglesia velando en los extremos de la cornisa el sueño de los monarcas. - Torrigiano, que había sido condiscípulo de Miguel Ángel: + San Jerónimo Penitente: su obra maestra en España, magnífico estudio del natural hecho en barro cocido, en el que muestra un profundo conocimiento de la anatomía humana. - A los artistas anteriores cabe añadir tres más, que si bien no son de procedencia italiana resultaron también importantes en esta tarea de difusión de los nuevos criterios estéticos. - Damián Forment, valenciano, por lo que tuvo un contacto más directo con Italia, fiel a los retablos en alabastro: + El Retablo Mayor de la Catedral de Huesca: el basamento es de estilo italiano, con siete escenas de la Pasión en altorrelieve, pero el resto, con la Crucifixión en la calle central, sigue fiel a la tradición gótica.

14 14 - Vasco de la Zarza, que produjo en Castilla esculturas que se alejaban ya de los modelos flamencos: + El Sepulcro de Alonso de Madrigal, el Tostado, en la Catedral de Ávila: su decoración tiene tondo central, entablamento, etc.; el difunto se representa vivo, sentado, leyendo y con los atributos propias de su cargo. - Felipe Bigarny, de origen borgoñón, notable portador también del nuevo estilo: + La Decoración del Trascoro de la Catedral de Burgos: con relieves de la vida de Cristo, en los que aparecen notas claramente borgoñonas, pero en los que los pormenores decorativos son ya italianos. + El Retablo de la Capilla Real de Granada: una de las obras capitales del Renacimiento Español, de arquitectura de líneas sobrias renacentistas, que encuadra figuras sueltas de gran tamaño y fuerte realismo, como por ejemplo la Degollación del Bautista; destacan también por su naturalismo los bajorrelieves del banco. B) Las formas escultóricas plenamente renacentistas - Las escultura hispánica de formas plenamente renacentistas empieza con Bartolomé Ordóñez y con Diego de Siloé, ambos atraídos por el estilo de Miguel Ángel. - Bartolomé Ordóñez, probablemente se formó en el taller del italiano Fancelli; se caracterizó por su purismo, lo que le llevó a trabajar principalmente el mármol y el alabastro, al mismo tiempo que marginó la madera tallada propia del gusto español; su atracción por lo italiano hizo que viajara a Italia e incluso que trasladara su taller a Carrara: + El Trascoro de la catedral de Barcelona: con relieves que narran la vida de Santa Eulalia, realizados en mármol de Carrara, en los que se muestra claramente la influencia de Miguel Ángel. + Los Sepulcros de Juana la Loca y de Felipe el Hermoso: sigue el tipo de túmulo adoptado por Fancelli, pero no en talud, sino vertical como los tradicionales; decorados con tondos, guirnaldas y escudos, en los ángulos aparecen los cuatro evangelistas. - Diego de Siloé, no sólo destacó como arquitecto, sino también como escultor de primera línea. Caracterizado por sus formas refinadas y mucho más clásicas, si bien no se le puede considerar un escultor innovador, pues su producción es fruto de la conjugación de las formas italianas con las de tradición borgoñona:

15 15 + Relieve de San Juan Bautista de la Sillería de San Benito de Valladolid: la interpretación que hizo de San Juan es una de sus mejores creaciones, de correcto desnudo y cabeza con cabellos agitados por el viento. + Sagrada Familia del Museo de Valladolid: sobresale por su calidad y belleza, el grupo, formado por la Virgen, San José, San Juanito y el Niño, está compuesto a la manera de las sagradas conversaciones italianas El Pleno Renacimiento español del segundo tercio del XVI: El Manierismo, la Escuela de Valladolid - No obstante, la plenitud de la escultura renacentista española llegará de la mano de la Escuela de Valladolid, concretamente de Alonso de Berruguete y de Juan de Juni. - Alonso de Berruguete se convertirá en el artista más representativo de esta etapa. Hijo del pintor Pedro Berruguete, su formación artística fue muy completa al permanecer durante diez años en Italia, donde entró en contacto directo con las obras de Donatello, cumbre de la escultura del Quattrocento italiano, y con las de Miguel Ángel. Pero a pesar del estudio directo que realizó de las obras del Renacimiento italiano su obra escultórica no se caracterizará por la plasmación de los valores estéticos de armonía y serenidad, sino que en ella dominarán los rasgos expresivos y dramáticos, debido al ambiente que se respiraba en aquel momento en la Península, donde el deseo de buscar una relación entre el espíritu renacentista y la espiritualidad o religiosidad era una hecho que se prolongaría a lo largo del siglo XVI. Alonso de Berruguete supo canalizar esta búsqueda y lo hizo por medio de esculturas policromadas de volumen alargado que reflejaban gestos muy acentuados y actitudes inestables, en ellas el artista huye voluntariamente de las formas y proporciones consideradas correctas y da primacía a su estilo personal antes que a los parámetros establecidos en Italia. Entre sus obras más significativas figuran las siguientes: + Retablo de San Benito del Museo de Valladolid: el retablo constaba de pinturas, relieves y esculturas exentas, con los martirios de San Sebastián y el Sacrificio de Isaac entre otros; San Sebastián aparece adherido a un tronco sinuoso, al cual se adapta la figura, claro ejemplo de la postura inestable típica de las figuras de Berruguete, también muestra magistralmente la angustia por el martirio y se aprecia un buen estudio del desnudo; en el Sacrificio de Isaac

16 16 destacan la expresividad y el movimiento de la figura de Abrahán y la actitud asustada de Isaac. + La Adoración de los Reyes Magos del Retablo de la Iglesia de Santiago de Valladolid: composición simétrica y con sensación de movimiento. + La Sillería del Coro de la Catedral de Toledo: aquí juega con las posturas de los personajes y las composiciones de plegados en los ropajes en su búsqueda de movimiento y expresionismo, además de que realizará un magnífico estudio psicológico de las emociones humanas. - Juan de Juni, de origen francés, pero de formación también fundamentalmente italiana. Al analizar su obra se observan con claridad sus raíces francesas y la influencia que recibió de Miguel Ángel, aunque ninguno de estos dos aspectos entorpeció su integración en la escuela castellana, por lo que se convirtió en un artista que supo transmitir el fervor religioso de sus contemporáneos. Se caracterizó por sus figuras polícromas de gran tamaño, impregnadas de dramatismo, de gesticulación casi teatral, trabajadas con lentitud y detalle, y composiciones agobiadas por la falta de espacio, que inician ya el Manierismo. + El Grupo del Santo Entierro de la Catedral de Segovia: grupo escultórico en madera policromada, de gran patetismo, mostrando el dolor físico y espiritual a través de los rostros y los gestos de las figuras, que actualmente se halla en el Museo de Escultura de Valladolid; se trata de una composición bien ordenada, con San Juan y la Virgen en el centro y a los lados dos figuras que actúan de paréntesis, Cristo se encuentra yaciente El tercer tercio del siglo XVI: La Escultura del bajo renacimiento español - Se produce una nueva influencia italiana, una nueva época de clasicismo, como reacción al violento apasionamiento que se había apoderado de la escultura renacentista española, alejándola de toda norma clásica. - Los artistas que mejor representan este momento son los broncistas y escultores que Felipe II reunió en su corte, sobre todo en el Escorial, que va a ser en esta época el centro artístico por excelencia, como León y Pompeyo Leoni, que realizan principalmente retratos de la familia real. - León Leoni, escultor manierista italiano que recibió del Emperador Carlos V el encargo de realizar una serie de retratos de la familia imperial:

17 17 + Carlos V dominando el Furor: en bronce dorado, con el emperador vistiendo una armadura a la romana, bajo la figura de Carlos V se encuentra el enemigo sometido; pretende ensalzar el poder del emperador. - Pompeyo Leoni, hijo del anterior, llega a España llamado por Felipe II para trabajar en El Escorial: + Estatuas de Carlos V y Felipe II en la Iglesia del Monasterio de El Escorial: aparecen en posición orante y acompañados de sus esposas. - Juan Bautista Monegro, también trabaja en El Escorial, donde realiza obras de sobria grandiosidad, como los Reyes de Judá del Patio, los Evangelistas del Claustro y el San Lorenzo de la Fachada Principal de El Escorial. 2. LA PINTURA DEL RENACIMIENTO EN ITALIA - En las ciudades italianas la pintura experimenta un extraordinario impulso y una mutación constante. - El número de artistas es tal que nos limitaremos a ver una visión general de su evolución y las figuras principales 2.1. Evolución de la Pintura en el Quattrocento - El precedente fundamental hay que buscarlo en la figura del Giotto, el gran maestro del siglo XIV. - Sigue siendo el fundamental el tema religioso, pero ahora tratado en ocasiones como si fuera profano, tema que también se cultiva, junto con el mitológico, y como reflejo del individualismo de la época se generaliza el retrato. - Las composiciones son complicadas, pero es muy importante el sentido unitario del conjunto. - La luz se maneja cada vez con mayor perfección, sobre todo para captar los volúmenes, pero falta de cohesión entre el color y la forma, típico de la pintura italiana del momento, color no como resultado de la luz, sino superficie coloreada acotada por la línea. El dibujo es el elemento capital, por lo que los contornos son nítidos.

18 18 - El pintor del siglo XV está obsesionado sobre todo por la captación de la profundidad, por la perspectiva, utilizando para conseguirla los paisajes y las arquitecturas. - También se camina hacia la consecución del movimiento. - Se busca la belleza idealizada, evidente sobre todo en los desnudos. - Estudio del hombre en todos los aspectos, sobre todo en la representación de sus sentimientos. A) Fra Angelico - Pintor de la tradición del gótico internacional, representa una continuidad del espíritu religioso medieval que se reviste de las formas nuevas, con un uso sobrio de la perspectiva, de los elementos decorativos y arquitectónicos del repertorio clásico, de la luz, de la anatomía y de una nueva su concepción del volumen. + La Anunciación (del Museo del Prado y otras) - En este tema puede desplegar su dulzura y temperamento tranquilo. - Equilibrio en los paisajes, líneas y colores (dibujo y colorido suaves) y claros ejemplos de arquitecturas pictóricas. B) Tomasso Massaccio - Masaccio es el creador de una sensibilidad poderosa y monumental, totalmente desligada de todo recuerdo de la sensibilidad del gótico y entroncado directamente con la grandiosidad escultórica de Giotto. Masaccio representa la afirmación del nuevo estilo, como Brunelleschi o Donatello lo representan en la arquitectura y en la escultura. + El Tributo al César de la Capilla Brancacci de Florencia - Su obra más representativa son los Frescos de la Capilla Branacci en la Iglesia del Carmen de Florencia, en los que la sensación de espacio y atmósfera se halla absolutamente conseguida, junto a la expresión de las pasiones del alma, como se observa en la tensión expectativa de los apóstoles en torno a Cristo. - Busca la unidad de composición, centralizada, aunando distintas escenas que se suceden en el tiempo, subordinándolas al grupo central, mediante un punto de vista perspectivo monofocal. También preocupado por el volumen en las figuras,

19 19 de tremendas actitudes y grandes proporciones, anticipando la terribilitá miguelangelesca. + El fresco de la Santísima Trinidad de Sta. María Novella de Florencia - Fondo de arquitectura plenamente renacentista. Monumentalidad en las figuras, volumen, perspectiva lineal. C) Paolo Uccello - La dirección fundamentalmente investigadora, que funde arte y ciencia, la geometría y la perspectiva, produce en Florencia su máximo representante con Paolo Ucello. + La Batalla de San Romano - Preocupación por la perspectiva, como la manifestación de la belleza, sobre todo a partir de los paisajes. - También estudio del volumen, de los escorzos y del dinamismo de las figuras. D) Filippo Lippi - Fra Filippo Lippi introduce en su pintura religiosa un elemento de vivacidad y alegría humana, de gracia sonriente y afición a lo anecdótico, que anticipa actitudes de la segunda mitad del siglo. + Virgen con el Niño de la Galería de los Uffizi - Idealismo, limpieza del dibujo, volumen, profundidad del paisaje y búsqueda de los sentimientos humanos. E) Andrea del Castagno - Obsesionado por la fuerza y la expresión, que crea figuras de una monumentalidad dura y escultórica, en contacto evidente con el estilo de Donatello.

20 20 + Varones y mujeres ilustres de Villa Carducci - Multitud de personajes bíblicos, enmarcados por mármoles, de los que se salen gracias a la perspectiva, por ejemplo manos fuera del marco, etc. F) Piero della Francesca - Maestro revolucionario que anticipa los valores del siglo siguiente, es sin duda la cumbre del Quattrocento, consiguiendo armonizar lo científico y la claridad intelectual con la belleza de las formas y del uso de la luz como elemento expresivo y simbólico. + Frescos sobre la Leyenda de la Santa Cruz de S. Francisco de Arezzo - Temática religiosa cargada de dramatismo. - Combina las proporciones y la perspectiva, una de sus mayores preocupaciones de Piero della Francesca, junto con el de las posibilidades de la luz, con el colorido veneciano. + El sueño de Constantino (detalle) - Sobre todo capacidad para el manejo de la luz, por la parte posterior de las formas y con delicados matices, sutiles efectos en los rostros y vestimentas. + La Virgen con el Niño, Santos y Federico de Montefeltro - Escena en un escenario arquitectónico claramente albertiniano. - Apreciamos aquí también su preocupación por la luz y la perspectiva. + Retrato de Federico de Montefeltro - Retrato de perfil típico del Quattrocento (incluso en temas religiosos puede aparecer el donante arrodillado y de perfil, como se puede apreciar en la obra anterior). Sí es original el paisaje como fondo, que da perspectiva. G) Andrea Mantegna - Sus características fundamentales son el interés por los restos arqueológicos, el tratamiento de las figuras como si fueran estatuas, acentuado por el color que les da un

21 21 aspecto pétreo (telas duras y figuras escultóricas), influencia de Donatello y Andrea del Castagno, los escorzos y la gran profundidad de sus composiciones. + Cristo yaciente - Tema principal el escorzo de Cristo, escultura más que pintura. - Punto de vista muy bajo, lo que le da su carácter monumental. + Muerte de la Virgen - Estudio de profundidad de la composición. + Retablo de San Zenón de Verona - Mayor sensación de espacio real al tratar las arquitecturas fingidas como prolongación de la arquitectura real. + San Sebastián - Sintetiza la imagen del héroe antiguo con la del mártir cristiano. - Paisaje de ruinas arqueológicas y edificios medievales. + Óculo de la Cámara de los Esposos del Palacio Ducal de Mantua - Mediante un fresco finge romper la arquitectura para permitir ver el cielo, precedente de las escenografías del Barroco. Las figuras se asoman en fuerte escorzo. H) Sandro Botticelli - Alejandro Botticceli es la personalidad más famosa de la segunda mitad del siglo XV. Dibujante exquisito, refinado y nervioso, es el creador de unas maravillosas composiciones mitológicas de líneas ondulantes y contornos precisos.

22 22 + El Nacimiento de Venus - Es característico su dibujo de trazos nerviosos, el movimiento que agita a sus figuras, las formas ondulantes, la tristeza y melancolía de sus rostros, los paisajes primaverales, la profundidad, la glorificación del cuerpo humano desnudo. - No le interesa el espacio ni la perspectiva, el fondo es sólo un pretexto decorativo. - La apariencia misteriosa e indeterminada de Venus por influencia del neoplatonismo. + Alegoría de la Primavera - El neoplatonismo de Botticelli también lo vemos en su gusto por la alegoría. - Sin perspectiva renacentista, carece de profundidad, lo que acentúa la sensación de irrealidad. + La Calumnia - Fábula pagana pintada por el griego Apeles y que él reconstruye a partir de descripciones que había de ella. Tablas de la historia de Nastagio degli Honesti - Ilustra una historia del Decamerón. I) El Perugino - Su estilo seguro, con figuras insertadas con perfección en el paisaje, de perspectivas muy marcadas debido a su interés por la profundidad de sus composiciones, supone un preludio de lo que se realizará en el Cinquecento. Su fama llegó a tal extremo que fue llamado a Roma en para decorar algunas de las paredes de la Capilla Sixtina. + Entrega de las llaves a San Pedro de la Capilla Sixtina - La que la perspectiva alcanza el grado máximo, las figuras se enmarcan en una gran plaza de perspectiva interminable presidida por un edificio de planta centralizada con una cúpula típicamente renacentista y, a cada lado, un arco de triunfo como referencia a la antigüedad. La plaza está embaldosada creándose diversas líneas de fuga, que subrayan la idea de perspectiva lineal, y poblada de personajes de inferior tamaño, de aspecto elegante, para provocar un mayor efecto de profundidad.

23 23 - Su concepción espacial anticipa las composiciones de Rafael. J) Luca Signorelli - Caracterizado por una forma de representación del cuerpo enérgica, con fuerza expresiva y precisión anatómica y por el dominio de la perspectiva del escorzo, creando un estilo de grandiosidad épica que más tarde dejaría un sello definitivo en la mentalidad de Miguel Angel. + Murales de la Catedral de Orvieto - Temas impresionantes sobre el fin de los tiempos. Estudios de anatomía, figuras épicas y trágicas, movimientos airados y terribles, composición compleja y abigarrada, características que nos acercan a Miguel Ángel Evolución de la Pintura en el Cinquecento - Florencia continúa siendo la capital del arte, pero sus figuras se trasladan a Roma, donde el Papa es ahora el mayor mecenas, o viajan por diversas ciudades. - Mejor manejo del color, perdiendo su imperio el dibujo y el contorno, aunque los pintores florentinos siguen dándoles mayor importancia que otras escuelas. - La luz adquiere una nueva importancia y con ella las sombras, casi ausentes en el siglo anterior. Las formas son ya redondeadas, no con apariencia tan plana como antes, gracias al claroscuro de luces y sombras se consigue el volumen, junto con otros recursos (como poner el brazo en primer plano). - Ya no obsesión por la perspectiva, la profundidad se consigue ahora de una forma más natural, sin esfuerzo. - Los paisajes se enriquecen, son más variados, unos luminosos, otros neblinosos o crepusculares, etc. - La composición es clara, con frecuencia triangular, relacionándose las figuras con las miradas y gestos, con una única escena o destacando claramente la principal. A) Leonardo da Vinci - El tránsito del Quattrocento al Cinquecento lo encarna de modo excepcional Leonardo da Vinci, que ha sido considerado siempre uno el arquetipo de hombre renacentista por su pasión por todas las formas del saber, fue científico, escritor y artista. - Discípulo de Verrochio, duda entre la escultura y la pintura, pero aunque cultiva las dos, se siente especialmente pintor e ingeniero.

24 24 - Como pintor su gran creación es el esfumato, artificio pictórico que consiste en prescindir de los contornos netos y precisos del Quattrocento, y envolverlo todo en una especie de niebla imprecisa, que difumina los perfiles y produce una impresión de inmersión total en la atmósfera. El paisaje adquiere así una misteriosa dimensión, y los personajes un encanto distante y enigmático. - Tuvo muchísimos imitadores, su influencia fue definitiva para artistas de primer orden como Rafael o Correggio. + La Virgen de las Rocas - Se muestra como gran maestro de la composición triangular y de los juegos de luces, las figuras se destacan de la penumbra de la cueva que hay tras ellas, lo que le da un aire de misterio. - Una de sus obras paradigmáticas por la composición equilibrada, la idealización de los modelos y la perspectiva aérea, las figuras no tienen perfil, sus límites se pierden en una neblina conocida como esfumato. + La Gioconda o Monna Lisa - Uno de los retratos más famosos del mundo, busto prolongado con las manos en primer plano. - Dibujo difuminado mediante suaves contrastes de luces y sombras que además prestan volumen y un aire enigmático a las figuras, logra un esfumado perfecto. - La suave y enigmática sonrisa produce esa misma impresión poco precisa, susceptible de interpretaciones diversas. - No menos admirable es el lejano paisaje y sus efectos lumínicos, interponiendo atmósfera y perspectiva aérea entre la dama y su entorno. + Última Cena de Sta. María de las Gracias de Milán - Gran fresco reducido hoy casi a ruinas por las malas condiciones de conservación y por la nueva técnica empleada por Leonardo, mezcla oleosa sobre temple. - Composición muy cuidada, introduce un nuevo sentido de equilibrio, grupos que gesticulan y expresan diferentes sentimientos en sus rostros, sólo Cristo permanece quieto y silencioso, todo ello iluminado por la luz frontal y la del fondo de paisaje, que ayuda a lograr la profunda perspectiva. B) Rafael Sanzio - Su obra es enorme, tratando gran cantidad de temas: religiosos, retratos y grandes composiciones.

25 25 - No es un innovador, sino un artista que lleva a su perfección los descubrimientos de los anteriores, siendo quizá el artista que representa mejor que nadie la perfección del clasicismo. - Destaca sobre todo por el encanto de sus Madonnas. - También destaca por la calidad de sus elementos pictóricos: luces, composición, etc. Pero su gran aportación es la amplitud y profundidad que da a sus composiciones. + Desposorios de la Virgen - Gran profundidad de la perspectiva, cerrada por un templo al fondo. Escalonamiento de tamaños de las figuras. + La Escuela de Atenas - Platón y Aristóteles en medio de un espacioso encuadre arquitectónico, alegoría de la Filosofía. - Considerada la obra maestra de Rafael y el prototipo de la pintura del Pleno Renacimiento por su armonía y perfección: perspectiva, composición de gran número de personajes, fuerza expresiva de los gestos, colorido, etc. + El Incendio del Borgo - Demostración de su dominio del cuerpo humano y de la expresividad de las emociones. + La Madonna del Gran Duque - Influencia de Leonardo en la gradación suave de las luces, en la ligera torsión de los cuerpos y en la expresión melancólica de la Virgen. + La Virgen del jilguero - Ejemplo perfecto de la pintura del siglo XVI. - Composición piramidal de la Virgen San Juan y el Niño enlazados con gestos y miradas.

26 26 - Destacan los volúmenes sobre un fondo paisajístico lejano. + Retrato del Cardenal del Prado - Rafael es también un gran retratista, busca ante todo dar una visión idealizada y complaciente del retratado. C) Miguel Ángel Buonarroti - Fundamentalmente escultor, por lo que sus figuras conservan la importancia del dibujo, el deseo de movimiento y la apariencia más escultórica que pictórica. - Ejercerá una influencia capital en artistas contemporáneos y posteriores, sobre todo del Manierismo. + Frescos de la Bóveda de la Capilla Sixtina - Nueve historias del Génesis flanqueadas por Ignudi, Profetas y Sibilas en la bóveda, en los lunetos los Reyes de Israel, en los medios puntos de los muros los antepasados de Cristo y en las esquinas dramáticos relatos bíblicos. - Sus figuras están cargadas de dinamismo, los colores que emplea son fríos y azulados, muy expresivos, los perfiles consiguen un volumen escultórico, la técnica es suelta y de vigorosas pinceladas, las figuras son grandiosas y de expresión terrible. - Destaca la Creación de Adán, donde el gesto creador de Dios se proyecta a través del contacto eléctrico de los dedos, presentándonos el acto de la creación con una grandeza jamás igualada. + El Juicio Final de la Capilla Sixtina - En esta obra refleja la visión sombría y pesimista del momento en que fue realizada, mediados del siglo XVI: el Dios de la Justicia, totalmente desnudo (cubierto por Volterra), castiga con fuerza a sus detractores, alrededor una riada humana en variadas formas y actitudes en movimiento. - Colosalismo y gran dinamismo, carencia de espacio para las figuras y sensación de angustia, dramatismo, en todos estos rasgos encontramos ya las raíces del Manierismo La Escuela Veneciana - La influencia de Venecia en la pintura es capital. En el siglo XV los Bellini y Carpaccio ponen las bases de la escuela, caracterizada por su culto al color, que siempre prevalece sobre el dibujo. En el siglo XVI los grandes maestros, Giorgione, Tiziano, Veronés y Tintoretto, descubren en la pintura posibilidades que se explotarán en el Barroco.

27 27 - Además de prestar más atención al color (sobre todo colores cálidos) que al dibujo, prefieren la forma a los contornos (influencia de la neblina de la ciudad), dan gran importancia a los temas secundarios y a los paisajes poéticos llenos de luces, influyendo también en sus composiciones el hecho de que sea una república comercial, que a ella lleguen gentes de lejanos países, la alegría de vivir de su sociedad, su gusto por las fiestas, los banquetes y el lujo en general (exaltación de la riqueza en los ambientes que pintan). A) Gentile Bellini - Amante de ricos y abiertos escenarios de edificios góticos, su estilo es narrativo (descriptivo y costumbrista), colorista y con gran cantidad de personajes, como se aprecia en su Procesión en la Plaza de San Marcos. B) Vittore Carpaccio - Dentro del estilo narrativo y costumbrista veneciano, de grandes escenarios cargados de pequeñas figuras. En su serie de la Leyenda de Santa Úrsula aparecen paisajes urbanos llenos de gentes, vestidos, góndolas, etc. C) Giovanni Bellini - El más interesante de los pintores venecianos del Quattrocento, son características suyas fundamentales el naturalismo y el color, siendo el predecesor de Tiziano y de toda la Escuela Veneciana del Cinquecento. + Sagrada Conversación - Gran sentido cromático y espacial. Interpretación del tema muy especial. + Vírgenes con Niño - Tema que pinta en numerosas ocasiones, inconfundibles por la suavidad del color en la carne y los mantos, por lo difuso de sus límites y por sus composiciones. D) Giorgione

28 28 - Sus obras suponen un gran adelanto comparada con la de los pintores "quattrocentistas, la mayoría compuestas por una figura o un grupo de figuras integradas en paisajes amplios. - Sus pinturas, a diferencia de obras anteriores del mismo tipo, utilizan la luz de un modo innovador, produciendo un gran lirismo: se trata de una luz suave y tamizada, más destinada a crear una atmósfera determinada dentro de la composición que a definir los objetos dentro de la escena. - Sus innovaciones en el tratamiento de los temas tuvieron especial importancia en dos áreas: el paisaje y el desnudo femenino. + La Virgen de Castelfranco - En esta obra se muestra ya como un maestro del paisaje, motivo que se transforma en protagonista gracias a la situación elevada de la Virgen en la composición. + Concierto Campestre - Mezcla de paisaje y desnudo femenino que dejará escuela en Venecia. - Colorismo de gran suavidad típicamente veneciano. + La Tempestad - Obra maestra en la que apreciamos sus características generales, vistas más arriba. + Venus dormida - Nuevo tipo iconográfico de gran éxito posterior, es una de las primeras obras modernas dentro del arte en la que un desnudo femenino constituye el tema principal de un cuadro. E) Tiziano - Figura principal de la escuela veneciana del siglo XVI. - Es el retratista de la escuela, en sus retratos los elementos de encuadre (paisajes, cortinas, joyas, etc.) son tan importantes como el propio retratado. - Así mismo es el maestro de las formas blandas y redondas, de los desnudos femeninos e infantiles, sobre todo en composiciones de temática mitológica.