Taller de Reflexión artística III Prof. Manuel Carballo Alumna. Ángela Alarcón Figurativismo contemporáneo

Transcripción

1 Figurativismo contemporáneo El arte figurativo intenta representar al mundo de la manera en que lo vemos. Se enfoca en la reproducción naturalista: retratos, naturalezas muertas y paisajes son sus temas principales; en cambio el arte no figurativo, no legitima su representación en la naturaleza, sino que tiende a utilizar un lenguaje visual propio con significados variados, es más indefinido, general y conceptual. Es un componente importante del arte moderno y el resultado de una experimentación continua en la pintura, escultura y otras formas de arte en reacción a las nociones aceptadas del momento. La abstracción es a menudo la versión más reconocible del arte contemporáneo, pero el período moderno comenzó en realidad en el siglo XIX, con artistas como Delacroix y otros representantes del movimiento romántico que comenzaron a usar pinceladas más sueltas y expresivas en sus pinturas. Esto fue seguido por los artistas impresionistas y post-impresionistas como Cézanne, que llevó esos avances más allá. La primera pintura completamente abstracta fue hecha por Kandinsky a principios del siglo XX, una armonía de colores y pinceladas que no representaban a ningún objeto en particular. Con el paso del tiempo esta tendencia fue posicionándose cada vez más y podemos encontrar infinidad de artitas contemporáneos que la siguen aplicando y se refuerzan con conceptos nuevos y acordes a la época que vivimos. Sin embargo son pocos los artistas que apuestan al arte figurativo. Podemos encontrar pintores naturalistas pero con un estilo verosímil y contemporáneo, como Cristian Avilés, artista contemporáneo chileno, que actualmente reside en España. Su pintura es muy honesta, tematiza lo real mediante una técnica exhaustiva. La mayoría de las obras de este autor no tienen títulos. Es evidente que busca que cada espectador esté orientado a darle un sentido que tendería a cerrarse en el nombre. Los pintores del realismo sostenían que sus obras debían inspirarse en su entorno. Tales artistas estaban dispuestos a dibujar a la gente común participando en sus actividades diarias. Las obras de arte representaban los problemas, los usos y las costumbres de las personas, temas descuidados en el pasado. La mayor parte del arte realista se centró en las luchas de la clase obrera durante la Revolución Industrial. 1

2 El arte realista partió de una firme creencia en la ciencia y en su capacidad para resolver los problemas humanos. Los pintores de este movimiento buscaron crear las representaciones más naturalistas de paisajes, rechazando el romanticismo que estaba más centrado en la imaginación y en lo subjetivo. El compromiso con las clases bajas y los movimientos políticos marcó la sensibilidad social e ideológica de este grupo de pintores realistas. Del mismo modo en las pinturas de Avilés podemos observar algo similar a esto, con un acabado perfecto, y el buen dominio de los recursos, atmósferas densas y el encuentro del humanismo existencial (ver imagen I). Ante todo el pintor mantiene la más estrecha unión con la visión de la realidad basada sobre un estudio intensivo de la naturaleza (ver imagen II y III), así como en la decisión de la apreciación de la escala de todos los trabajos, y un decidido y crítico reflejo de lo contemporáneo. Su arte captura la sensualidad de lo cotidiano. Los motivos y temas de estos cuadros: naturaleza muerta, escenas de estudio, interiores, figuras humanas y sobre todo- lo moldeado por el hombre y en general el desierto paisaje urbano. La visión artística sublima lo contemplado, en el color, luz y forma gracias a la fantasía de Avilés concentrada en una nueva realidad. En la historia del arte encontramos el realismo de Courbet, pintor que dio nombre al movimiento. No deseaba la belleza de la naturaleza sino la verdad en cuanto a la sinceridad de lo que pintaba. En primer momento, pintó el paisaje, especialmente los bosques de Fontainebleau, donde podemos ver cierta similitud con la imagen IV del artista chileno (ver imagen IV). Courbet desarrolló un estilo naturalista y representó escenas de la vida cotidiana, retratos, desnudos o paisajes, opuesto frontalmente a la idealización. En definitiva, un empaste a base de vigorosas y tensionadas pinceladas, destinadas a conmover y suscitar certezas ante la enrarecida situación social, se trata por tanto de captar la realidad, pero no una realidad idealizada como la romántica, sino la realidad objetiva que el artista debe reproducir sin embellecerla, representándola tal cual es. 2

3 Podemos comparar una de las más importantes obra de Courbet, Bonjour, Monsieur Courbet (Ver imagen V) con una pintura de Avilés (ver imagen VI), donde claramente no hay una intención de mostrar actitudes elegantes, cosa que para la época de Courbet fue casi ofensivo para sus colegas y seguidores. Se trata de una especie de protesta contra los convencionalismos aceptados en su tiempo; ya que durante la época anterior se afirmaba que los cuadros importantes debían tener grandes temas, personajes de aires graves. El campesinado y el trabajador solo tenían lugar en los llamados cuadros de género, creando una suerte de comedia en una posada por ejemplo. Al inventarse el óleo en pomo, los artistas podían ir al exterior a pintar al natural a hombres y mujeres trabajando el campo. En el pasado, escenas como éstas no tenían razón de ser, no eran objeto en sí mismo de tema pictórico excepto como partícipe secundario de otro tema o supeditado a una idea. En el caso del artista chileno podemos ver sus cuadros sobre ropas colgadas en un cordel donde se observan distintas prendas, entre ellas ropa interior, que aparecen tendidas a los ojos de todos, sin atisbo de vergüenza, en los patios interiores de los edificios de la ciudad española, patios donde conviven y se conocen los vecinos. Es a través de estas pinturas con simples prendas lavadas como se consigue trascender una realidad cotidiana. En cuando a la técnica Cristian Avilés trabaja en telas encoladas a tabla, cuyo proceso de preparación es algo engorroso y utiliza óleos alquídicos. En su obra tiene mucha relevancia la utilización del soporte (lienzo) y el fondo como recurso pictórico, creando una pintura de múltiples capas superpuestas, donde tiene la misma importancia la figura, el fondo y el soporte. Puede observarse en sus trabajos que tiene una pincelada rápida y un dibujo con poco detalle logrando generar que mirando en conjunto se aprecie la intención de cada color, esta misma técnica la encontramos en otro movimiento artístico: el Impresionismo. 3

4 En las obras de Claude Monet, vemos que pinta sin contornos, no utiliza el color negro y las pinceladas son de colores puros, sin mezcla. La acentuación del color y el deseo de transformar la superficie pictórica en una armonía de efectos de luz y color son los que absorben el espacio y disuelven la tectónica de los cuerpos. Pero el impresionismo reduce no sólo la realidad a una superficie bidimensional a un sistema de manchas sin perfil; renuncia, en otras palabras, no sólo a la plasticidad, sino también al dibujo, no sólo a la forma espacial del objeto, sino también a la forma lineal. Durante la época del impresionismo algunos artistas deciden apartarse de la sociedad, es así como surge el nuevo bohemio, y los que se refugian lejos de la civilización occidental en países exóticos. Ambos son producto del mismo sentimiento, del mismo Malestar en la Cultura"; lo único que ocurre es que mientras unos eligen la emigración interior", otros optan por la huida real. Uno de los temas principales que estos representan son los paisajes y es frecuente el tema de la representación del agua, el propósito de esto es reflejar la realidad tal cual es, gracias al impacto de la luz. Así es como Monet utilizó el reflejar a través del agua, creando una impresión visual, una realidad discontinua pero igual de verdadera. Monet observaba que al aire libre y en plena luz del día, las formas voluminosas a veces parecen planas, como simples manchas coloreadas. Este efecto fue el que Monet quiso analizar, y la consecuencia es que cuando nos hallamos ante uno de sus cuadros, inmediatamente nos parece más verídico que cualquiera de los pertenecientes a maestros antiguos. Experimentamos la ilusión de que nos hallamos realmente ante una pintura con profundidad. En la obra Impresión, Sol naciente (ver imagen VII) la cual dio el nombre al movimiento, podemos apreciar la incipiente luz del amanecer y sus aleatorios reflejos sobre el agua, pintada en Le Havre. En poco más de medio metro cuadrado numerosas pinceladas se superponen en un solo color general neutro, captando el instante luminoso del amanecer y los destellantes reflejos del sol rojizo sobre el agua; la rapidez que la fugacidad del tema exigía condicionó el formato, la técnica e incluso el título. 4

5 Comienzan a desdibujar las formas con las pinceladas. Los impresionistas aceptaron el reto de traspasar la figuración para captar una realidad pura y sensorial: las manchas de luz de los rayos del sol a través de las hojas de un árbol, la imprecisión vaporosa de la niebla marina o la confusa luminosidad de la gasa de un tutú de ballet demostraban que había una realidad que no obedecía a la nitidez. Los pintores impresionistas y posimpresionistas le dieron en sus cuadros al agua, un valioso elemento que ratificaba que la realidad no tenía por qué ser realista. Los artistas crearon escenas en lagos, océanos y mares para estudiar la incidencia de la luz sobre el agua, capturar la confusión espumosa del oleaje, jugar con la distorsión de los reflejos de las embarcaciones. Inspirado en las obras de este estos grandes maestros del arte, Cristian Avilés en varias de sus pinturas representa con una técnicas similar el reflejo del agua, después de un intenso estudio de lo mencionado anteriormente (ver imagen IV), en ella podemos apreciar la riqueza de tonalidades, la transparencia de las aguas e incluso percibir su movimiento. Su cielo con sus cálidas nubes terminan de completar la escena. Este gran artista muestra un realismo contemporáneo en cada una de sus obras, con una importante influencia del realismo como una pintura que no ha dejado de desarrollarse y cada vez se va perfeccionando más. El público en general se está cansando del arte que necesita largas explicaciones y justificaciones. Más y más personas quieren reconocer lo que están buscando y responder a esto, preferiblemente, a un nivel humanista y no solo a algo conceptual. Bibliografía - Gombrich, Ernst. (1992). Historia del Arte. Alianza. Madrid. - Hauser, Arnold. (2002). Historia social de la literatura y el arte. Debate. Buenos Aires. - 5

6 Imagen I Cristian Avilés (2006) Imagen II Cristian Avilés (2006) 6

7 Imagen III Cristian Avilés (2006) Imagen IV El chinchón, Cristian Ávilés (2010) 7

8 Imagen V Courbet - Bonjour Msr Courbet (1854) Imagen VI Cristian Avilés (2006) 8

9 Imagen VII Claude Monet - Impresión, sol naciente (1872) 9