EL ARTE CONTEMPORÁNEO LA AUTONOMÍA DEL ARTE

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1 EL ARTE CONTEMPORÁNEO LA AUTONOMÍA DEL ARTE

2 ARQUITECTURA Y URBANISMO DEL SIGLO XIX TEMA 1. ALTERNATIVAS A LA CIUDAD LIBERAL: EL URBANISMO UTÓPICO Y LAS REFORMAS DE PARÍS Y BARCELONA 1. LAS APORTACIONES DEL SOCIALISMO UTÓPICO La Revolución industrial dio lugar a un crecimiento urbano sin precedentes, como consecuencia del éxodo rural y del espectacular crecimiento de la población europea. Sin embargo, las condiciones de insalubridad y hacinamiento en que vivían amplios sectores de la población en estas ciudades despertaron la conciencia crítica de ciertos sectores políticos, defensores de las nuevas ideas del socialismo utópico, que enfocaron sus planes de mejora social casi en función exclusiva de la ciudad, por lo que el primer urbanismo de nuestra época tuvo un carácter esencialmente sociopolítico, y la preocupación por los aspectos técnicos y estéticos fue posterior. Los llamados socialistas utópicos, como Charles Fourier, y su discípulo, Victor Considérant, fueron los primeros en idear modelos alternativos para el diseño de las nuevas ciudades industriales. A ellos se debe el llamado falansterio, diseñado para alojar de forma ordenada a comunidades ideales, formadas por asociaciones voluntarias de individuos cuyas actividades se complementaban, ya que cada falansterio debía ser económicamente autosuficiente. Aunque la influencia de este modelo, en cuanto a los aspectos puntuales de la organización y diseño de la futura ciudad, ha sido importante en el desarrollo posterior del urbanismo contemporáneo, en realidad se trataba de planteamientos muy utópicos que no prosperaron. 2. LAS REFORMAS DE PARÍS Y BARCELONA La reforma de las ciudades existentes, cuyo crecimiento no era posible absorber dentro de los límites de la ciudad preindustrial, se convirtió en una necesidad urgente y durante la segunda mitad del siglo XIX se llevaron a cabo en las principales ciudades europeas planes de ampliación. Un ejemplo muy significativo, que se convirtió en modelo de referencia, es la reforma de París durante Josefina Sánchez 1

3 el Segundo Imperio de Napoleón III, obra del barón Georges Haussmann ( ). También hay que destacar el ensanche planificado por Ildefonso Cerdá ( ) en la ciudad de Barcelona La obra de Haussmann en París A comienzos del siglo XIX, París seguía siendo una vieja ciudad de algo más de medio millón de habitantes. Sin embargo, a consecuencia de los importantes cambios experimentados con la Revolución industrial tiene lugar un crecimiento espectacular, alcanzando a mediados de siglo el millón de habitantes. Este crecimiento se produce sin planificación alguna y los problemas se hacen especialmente graves en los barrios obreros. Al peligro de las epidemias se suman los cada vez más frecuentes levantamientos populares. Ante esta situación Napoleón III encarga al barón Georges Haussmann la tarea de remodelar el centro de la ciudad y convertir a París en la ciudad más bella del mundo dando lugar a su imagen actual. En primer lugar, se van a abrir 160 km de nuevas vías públicas, sobre todo grandes bulevares arbolados desde el centro de la ciudad a la periferia. Estas vías parten de grandes plazas radiales lo que permitía una comunicación rápida con las zonas periféricas y una mayor fluidez en el tráfico, así como el establecimiento de imponentes perspectivas urbanísticas. También se podrían controlar con más facilidad los disturbios populares, que París había vivido recientemente. La avenida de la Ópera o el bulevar de Sebastopol, constituyen magníficos ejemplos de este nuevo trazado urbano, al igual que la plaza de la Estrella, uno de los mejores ejemplos de plaza radial, de la que parten doce calles que comunican con el resto de la ciudad. La ciudad se divide en veinte barrios ( arrondissements ), con sus funciones y servicios propios. Para garantizar la higiene y salubridad de París se acometerá la construcción de una nueva red de alcantarillado, de 600 km (la mayor del mundo en esos momentos), la instalación de iluminación por gas, la creación de parques y jardines, como el Bois de Boulogne o el de Vincennes Todas estas reformas se llevaron a cabo mediante una serie de leyes expropiatorias y sanitarias rigurosas, que permitieron la demolición de numerosas casas y callejuelas en el casco antiguo y que cambiaron totalmente el aspecto de la ciudad. El viejo París desapareció para siempre bajo la piqueta. Haussmann, sirvió a la perfección a los deseos de Napoleón III de convertir a la ciudad en la imagen representativa de la grandeza del Segundo Imperio y también ejemplo a imitar, como se hizo en las ciudades de Bruselas, Viena... Josefina Sánchez 2

4 2.2. Barcelona y el ensanche de Ildefonso Cerdá Al igual que París y tomando como referencia su reforma, otras ciudades europeas llevaron a cabo importantes cambios. En este sentido, destaca la aportación del ingeniero español Ildefonso Cerdá ( ), responsable del plan de ensanche y reforma de Barcelona emprendido en El enorme crecimiento industrial de la ciudad de Barcelona a lo largo del siglo XIX y el consiguiente crecimiento urbano, consecuencia del éxodo rural, dieron lugar a graves problemas que hacían imprescindible una planificación de su crecimiento. En 1854 el Ayuntamiento consiguió la aprobación del derribo de las murallas y en 1859 convocó un concurso de planos para el ensanche de la ciudad. Después de superar algunos problemas, en 1860 fue aprobado el proyecto de Ildefonso Cerdá. El ensanche respetaba en líneas generales la zona antigua, que sufrirá alguna reforma como la apertura de la vía Layetana y el trazado de la ronda, superpuesto a la anterior muralla medieval, cuyos restos fueron derruidos. El ensanche se extendía desde la montaña de Montjuich hasta el río Besós, al lado del cual se preveía un gran bosque. El plano urbano está formado por una red ortogonal de calles rectas y anchas, con una clara jerarquización viaria (avenidas, bulevares, diagonales, rondas, etc.). Dos avenidas diagonales, la Diagonal y la Meridiana, cruzan la ciudad. El entramado es cerrado, formado por manzanas de viviendas cuadradas que para facilitar la circulación y la visibilidad rematan sus esquinas en chaflanes. Las manzanas debían estar edificadas sólo por dos lados, dejando el resto para zonas verdes, además de la creación de plazas cuadradas en su interior. Posteriormente, con el crecimiento de la ciudad se elevarán las alturas y cerrarán las manzanas, privatizando los interiores y desvirtuándose, de este modo, el plan original de Cerdá. Este ensanche se apoyó en leyes de expropiación forzosa y de saneamiento y mejora de las poblaciones, que dotaron a Barcelona de un sistema de salubridad e higiene ejemplar en la España de esos momentos. Esta reforma urbanística se convirtió en referencia obligada para posteriores proyectos de ensanche, como el de Madrid. Durante la segunda mitad del XIX se llevaron a cabo la mayor parte de las reformas urbanísticas de las ciudades más desarrolladas y se multiplicaron los planes modélicos de urbanismo, como la ciudad-jardín de Ebenezer Howard ( ) o la Ciudad Lineal de Madrid, iniciada en 1882, del español Arturo Soria ( ). Josefina Sánchez 3

5 TEMA 2. ARQUITECTURA NEOCLÁSICA, HISTORICISMO Y ECLECTICISMO La arquitectura del siglo XIX experimenta importantes transformaciones y desarrolla muy variadas tendencias. Por un lado, mira hacia el pasado con el neoclasicismo y los historicismos, pero por otro da grandes pasos hacia la modernidad, rompiendo con la tradición en el uso de nuevas técnicas y materiales y en el concepto mismo de la arquitectura, con la arquitectura del hierro y la Escuela de Chicago. 1. LA ARQUITECTURA NEOCLÁSICA A fines del siglo XVIII surge un nuevo estilo artístico, el Neoclasicismo, unido estrechamente a la Ilustración, corriente de pensamiento que llevará a cabo una crítica de las estructuras del Antiguo Régimen y defenderá la lucha por un mundo nuevo basado en la razón. La obra de arte se convertirá en un instrumento al servicio de estas ideas, adquiriendo valor principalmente por su contenido moral y social. La arquitectura neoclásica encuentra su principal referencia en el arte clásico, interés reforzado por el reciente descubrimiento de las ciudades de Pompeya y Herculano, y también en el arte del Renacimiento. Fue una arquitectura básicamente racional (de ahí que recibiese el nombre de arquitectura de la razón ), en clara oposición a la complejidad y exuberancia decorativa del Barroco. Es una arquitectura basada en volúmenes nítidos, que se corresponden perfectamente con los espacios interiores, buscando la claridad estructural. Utiliza los órdenes clásicos y recupera el uso del módulo para conseguir la proporción y la armonía. También emplea con frecuencia la cúpula. La arquitectura neoclásica se caracteriza por la apariencia solemne y severa, la simplicidad de líneas y la búsqueda de la belleza del conjunto. Tiene una gran sobriedad decorativa frente a la exuberancia del Barroco. Aspira al equilibrio y la estabilidad, por lo que predominan en ella la horizontalidad y la simetría. Adopta con frecuencia la tipología del templo clásico. Durante este periodo se empiezan a construir nuevos tipos de edificios que responden a las necesidades de la sociedad civil como museos, bibliotecas, teatros... Josefina Sánchez 4

6 En Francia fue un estilo al servicio del Estado, muy utilizado en la construcción de bolsas de comercio, bibliotecas, teatros, museos, hospitales... Es también un estilo muy unido a la época napoleónica, ya que en estilo neoclásico se levantaron arcos de triunfo y columnas conmemorativas que narraban las hazañas napoleónicas y glorificaban al emperador, además de eternizar artísticamente su fama. Entre los arquitectos más destacados encontramos a Soufflot, cuya obra más importante es el Panteón de los Hombres Ilustres, Vignon que realiza la iglesia de Santa Magdalena, como un templo períptero sustentado por columnas corintias y rematado con frontón, y Chalgrin, a quien se debe el famoso Arco de triunfo de l'etoile, el arco de un solo vano más grande del mundo (50 metros de altura), erigido para celebrar las victorias de Napoleón, y decorado con dos grandes grupos escultóricos. También en Inglaterra tuvo importancia la arquitectura neoclásica, tomando como referencia la arquitectura griega y romana, pero también la obra de Palladio. Algunos nombres destacados fueron sir John Soane, que realiza las obras de ampliación del Banco de Inglaterra, John Nash a quien se debe la ordenación de la zona conocida como Regent's Park. Dentro del clasicismo en su vertiente griega destaca la obra de Robert Smirke, autor del Museo Británico, rodeado por una gran columnata jónica. En Alemania la corriente neoclásica encuentra sus mejores representantes en Langhans, autor de la puerta de Brandeburgo en Berlín, conjunto de seis poderosas columnas de estilo dórico con ático coronado por la diosa de la Victoria conduciendo una cuadriga, o Leo von Klenze que en Munich levanta la célebre Gliptoteca, cuya fachada se compone de un frontispicio jónico octástilo a cuyos lados el edificio se decora con nichos que acogen esculturas. En su obra los Propileos rememora la entrada de la Acrópolis griega. Estados Unidos adopta el Neoclasicismo para sus construcciones, bajo el impulso de Thomas Jefferson, quien veía en Francia el símbolo de los valores republicanos. Numerosos edificios civiles como el Capitolio se inspiran en la arquitectura romana. Finalmente, en España el Neoclasicismo tuvo que superar el fuerte arraigo del Barroco. La Academia de San Fernando, fundada en 1752, desempeñó un importante papel en la difusión de este nuevo estilo. Nombres destacados son Ventura Rodríguez, muy unido todavía al Barroco, pero que evoluciona hacia el Neoclasicismo con la fachada de la catedral de Pamplona y Francesco Sabatini, formado también en el Barroco y autor de la puerta de Alcalá, fruto de la nueva ordenación Josefina Sánchez 5

7 urbanística de Madrid. Pero el arquitecto auténticamente neoclásico fue Juan de Villanueva ( ), cuyas obras más importantes son el Museo del Prado y el Observatorio astronómico en Madrid. 2. LA ARQUITECTURA HISTORICISTA La arquitectura historicista es una de las grandes corrientes de la arquitectura del siglo XIX, la más utilizada en el nuevo paisaje urbano, resultado del espectacular crecimiento de las ciudades. El rasgo que mejor la define es el uso de fórmulas pertenecientes al pasado artístico, por lo que ha sido una arquitectura poco valorada. Está muy unida al Romanticismo, pues aunque este movimiento artístico no desarrolló una arquitectura propia, su revalorización del pasado encuentra reflejo en los historicismos. Aunque presentará numerosas modalidades (neorrománico, neorrenacimiento, neobarroco ), la corriente más difundida dentro del historicismo es el neo-gótico, que alcanzó un notable éxito durante la época romántica, al evocar una Edad Media que entonces estaba siendo reivindicada, y también al ser el soporte preferido para el establecimiento de las señas de identidad locales, en un momento de fuerte nacionalismo. La tradición gótica estaba fuertemente arraigada en Europa y no había llegado a desaparecer. En muchas zonas, entre ellas nuestro país, permaneció casi hasta fines del siglo XVI, retomándose su espíritu en muchos aspectos durante el Barroco. Algo parecido ocurrió en Francia y, aún más, en el Reino Unido, país que está considerado como el principal impulsor del neo-gótico en arquitectura, artes plásticas y literatura. Es un tipo de arquitectura que se preocupa esencialmente del aspecto exterior de los edificios sin que haya siempre una verdadera correspondencia con el interior. Entre sus mejores ejemplos hay que destacar el monumental conjunto del Parlamento británico, de Londres, que Charles Barry y A. W. Pugin iniciaron en 1836, y entre los teóricos e investigadores de esta tendencia se encuentra el polémico arquitecto francés Eugene Viollet-le-Duc ( ), especializado en la restauración de edificios. Fue el más ferviente propagador del gótico y a él se debe la restauración de las principales catedrales góticas francesas como Notre Dame, Chartres o Reims. Otra corriente curiosa dentro de los historicismos estará representada por la influencia de la arquitectura oriental como consecuencia del imperialismo del siglo XIX. Buen ejemplo es el Pabellón Real de Brighton de John Nash. Josefina Sánchez 6

8 3. LA ARQUITECTURA ECLÉCTICA El eclecticismo se convirtió en la gran corriente constructiva de la segunda mitad del siglo XIX, aunque posteriormente será un estilo despreciado. Se caracterizará por tomar de cada estilo los elementos que mejor se adapten a las necesidades planteadas en cada edificio, logrando así una verdadera síntesis arquitectónica. En esta arquitectura se mezclan con absoluta libertad elementos inspirados en el arte egipcio, clásico o medieval. Mientras la arquitectura del hierro suponía una fuerte ruptura con el pasado, el eclecticismo se apoyaba fuertemente en él. La Ópera de París, obra de Charles Garnier, comenzada en 1861, es el edificio más representativo de esta arquitectura y la referencia de muchos edificios construidos en el resto de Europa. Se trata de una construcción espléndida por su exuberancia decorativa, la variedad de referencias formales, la espectacularidad de su cúpula y la riqueza de los materiales empleados. Es además el edificio más emblemático de la importante transformación urbanística llevada a cabo en París por el barón Haussmann, bajo el Segundo Imperio de Napoleón III. Josefina Sánchez 7

9 TEMA 3. LA ARQUITECTURA DE INGENIEROS: INTRODUCCIÓN DE NUEVOS MATERIALES 1. LA ARQUITECTURA DE INGENIEROS Durante el siglo XIX la arquitectura experimentará importantes transformaciones, paralelas a la existencia de corrientes como el historicismo o el eclecticismo que se apoyan en estilos del pasado. El espectacular desarrollo urbano, del que ya hemos hablado, está unido a la aparición de nuevas tipologías que responden a las necesidades de la nueva sociedad: grandes fábricas, estaciones de ferrocarril, edificios para las exposiciones universales, puentes (cada vez más audaces), mercados y miles de viviendas. La arquitectura deberá conciliar a partir de ahora lo funcional y lo estético. Además, la industria proporcionará nuevos materiales que van a cambiar por completo el concepto tradicional de la arquitectura. Entre estos nuevos materiales el hierro tendrá un papel fundamental. A lo largo de la historia, el hierro se había utilizado en arquitectura como material auxiliar. La Revolución industrial permitió producir hierro fundido industrialmente, en grandes cantidades y abaratando sus costes. Los grandes cambios en los medios de transporte, en los que se produjo una verdadera revolución, permitían además su fácil y rápido envío a zonas alejadas. En principio fueron los ingenieros (en Inglaterra) los que supieron apreciar sus ventajas y comenzaron a utilizarlo sobre todo en la construcción de puentes. En 1779 se terminaba el mítico puente de Coalbrookdale, obra de T. F. Pritchard, en el que se prescinde totalmente de la mampostería. Otros puentes seguirán su ejemplo. En las décadas siguientes se generaliza el uso del hierro en las obras de ingeniería y posteriormente se llevarán a cabo los primeros intentos de su utilización en la arquitectura propiamente dicha. El primer gran edificio que utilizó, sin enmascararla, una estructura de hierro y cristal fue el Crystal Palace, inaugurado en 1851 y obra de sir Joseph Paxton, que sería la sede de la primera Exposición Universal que se celebró en Londres. Era una especie de monumental invernadero (600 m de largo) de hierro y cristal. Además de poseer unas condiciones ideales de amplitud y luminosidad, el revolucionario edificio era desmontable y estaba hecho con piezas prefabricadas. Se erigió en un tiempo récord y con un costo impensable hasta entonces. Siguiendo este ejemplo muchos arquitectos comenzaron a utilizar el hierro en sus construcciones. De ellas merece destacarse la Biblioteca Nacional de París, obra de Henri Labrouste, cuya sala de lectura está cubierta por una inmensa vidriera sostenida por finas columnas de hierro. Josefina Sánchez 8

10 Hacia mediados del siglo XIX esta nueva técnica constructiva se encontraba muy consolidada. Sin embargo, pronto surgió la polémica en cuanto al valor de estos nuevos materiales, puesto que aunque se reconocían sus valores funcionales y sus especiales cualidades constructivas (ductilidad, resistencia, economía, carácter ignífugo ) se discutían sus valores estéticos. Muchos arquitectos rechazaban el desarrollo industrial y eran reacios a aceptar nuevas técnicas o nuevos materiales. La mejor expresión de esta nueva arquitectura del hierro la encontramos en las Exposiciones Universales, símbolo de la expansión de la burguesía capitalista en el siglo XIX, símbolo también del progreso y de la riqueza del país que las organizaba. En realidad, fue un tipo de arquitectura que quedó relegada a este tipo de acontecimientos. Estos edificios se construían con materiales prefabricados, se montaban en un tiempo récord y con un coste mínimo, se desmontaban fácilmente, y sus piezas se podían refundir o reutilizar de nuevo. Entre 1867 y 1889 la arquitectura del hierro alcanza su esplendor con la obra de Gustavo Eiffel, la Torre Eiffel que se levantó en 1889 para la Exposición Universal de París que conmemoraba el primer aniversario de la Revolución francesa. Para esta misma exposición se realizó también una de las mayores proezas de la ingeniería del siglo XIX: la Galería de las máquinas, obra de Durtert y Contamin. Una enorme nave de más de cien metros de ancha y casi medio kilómetro de larga que gracias a inmensos arcos de tres articulaciones (en las bases y el vértice) conseguía cubrir una extensión de más de metros cuadrados sin apoyos intermedios. Además, los autores, lejos de ocultar su estructura, la dejan al descubierto como ejemplo de la estética de los nuevos tiempos. La utilización masiva del hierro supuso una auténtica revolución en el concepto tradicional de la arquitectura, tanto desde el punto de vista estético como estructural. 2. LA ESCUELA DE CHICAGO En el último tercio del siglo XIX surge en Chicago (EEUU) un innovador movimiento arquitectónico que podemos considerar como el punto de partida de la arquitectura contemporánea. Chicago había sufrido en 1871 y 1874 dos pavorosos incendios que asolaron tres cuartas partes de la ciudad. Era, por tanto, urgente su reconstrucción. A ello se sumó el deseo de prevenir posibles catástrofes, dotando a los edificios de estructuras metálicas, que además permitían alcanzar elevadas alturas. El nuevo Chicago significó el triunfo total de los nuevos materiales, la nueva tecnología y una nueva tipología de edificios, los rascacielos, que se convertirían en el emblema de la gran ciudad industrial de los países desarrollados. Éstas serán las principales características de la llamada Escuela de Chicago. Los más destacados representantes de esta escuela serán Henry H. Richardson ( ) y Louis Sullivan ( ). Entre los proyectos de Sullivan tiene gran interés el edificio Josefina Sánchez 9

11 Wainwright, en San Luis (Missouri) que puede considerarse el primer rascacielos totalmente moderno, cuya estructura de acero se refleja sin complejos al exterior. Son también obra de Sullivan los grandes almacenes Carson, Pirie, Scott y Compañía, realizados, entre 1899 y 1904, en Chicago. La idea que define su arquitectura es que la forma sigue a la función, planteamiento que tendrá una importante influencia en la arquitectura posterior, especialmente en el racionalismo. Josefina Sánchez 10

12 TEMA 4. EL MODERNISMO 1. CARACTERÍSTICAS GENERALES El Modernismo es una importante corriente artística que se desarrolla, aproximadamente, entre 1880 y 1920, aunque su momento culminante será la década de En España se conoce como Modernismo, pero en Francia recibe el nombre de Art Nouveau, en los países germánicos Jugendstil, en Austria Secesión y en Italia Liberty. Todos estos movimientos tenían en común el rechazo, cada vez más generalizado, hacia la arquitectura de los historicismos, lo que explica que las diferentes denominaciones aludan a lo moderno, lo nuevo, lo joven o lo libre. La próspera burguesía buscaba una arte de mayor refinamiento que el ofrecido por la arquitectura historicista y la arquitectura del hierro. Es un arte que persigue la integración de todas las manifestaciones artísticas, aunque su campo de acción más específico será el de las artes aplicadas o industriales, encontrando en el diseño decorativo de interiores (muebles, lámparas, alfombras ) y la ilustración gráfica su mejor vehículo de expresión. En la arquitectura será fundamental la ornamentación del edificio. El modernismo defiende la libertad creativa potenciando la imaginación y la fantasía del artista. Es un arte que trata de imitar los procesos y formas de la Naturaleza. De ahí el uso dominante de la línea curva y ondulante y la frecuente representación en las artes figurativas de determinadas flores, como los lirios o las amapolas, y también de algunos animales: libélulas, pavos reales, cisnes, mariposas Tres son los grandes arquitectos que mejor ejemplifican el estilo modernista: el escocés Charles Rennie Mackintosh ( ), el belga Henri van de Velde ( ) y el español Antonio Gaudí ( ). Mackintosh representa dentro del modernismo una tendencia más geometrizante al utilizar un estilo ortogonal de líneas rectas y planos perfectamente definidos. Su obra más importante es el edificio de la Escuela de Arte de Glasgow. Se trata de una prodigiosa mezcla entre el espíritu funcional, muy próximo a la obra de Sullivan (Escuela de Chicago) y aspectos modernistas, como la nave central que parece esculpida. Van der Velde fue un relevante teórico y divulgador y un artista muy dotado, pues ejerció su actividad como pintor, ilustrador, diseñador de muebles, orfebre, vidriero y arquitecto. Su nombre está asociado a la creación de la Escuela de Artes y Oficios de Weimar, embrión de la mítica Escuela de la Bauhaus, la institución de enseñanza y experimentación del arte moderno más relevante en todo Josefina Sánchez 11

13 el siglo XX de la que hablaremos más adelante. 2. ANTONIO GAUDÍ ( ) Nacido en Reus, pertenecía a una familia de forjadores de hierro, lo que configuró su sensibilidad y le dio una capacitación técnico-artesana que ninguno de sus colegas poseía. Aunque obtuvo su título oficial de arquitecto, se apartó de inmediato de cualquier sombra de academicismo, trabajando de una forma muy libre y creativa. La mayor parte de su actividad artística la lleva a cabo en Barcelona, ciudad que vivía en esos momentos una importante actividad cultural. Su principal fuente de inspiración se encuentra en la Naturaleza, una constante en sus creaciones. Introduce como elementos arquitectónicos formas inspiradas en ella (animales y vegetales) e incluso en el cuerpo humano. Dota de esta manera a sus edificios de una fuerte expresividad y sentido dinámico a través de superficies rugosas, líneas ondulantes...la última parte de su vida, entre 1883 y 1926, la dedicó a la construcción de su obra más emblemática y audaz: el formidable templo de la Sagrada Familia. SU OBRA. Sus primeras obras reflejan una fuerte influencia mudéjar en la utilización del ladrillo, los azulejos y artesonados. Es una arquitectura llena de color y decorativismo. Ya aparecen algunos elementos nuevos como los arcos parabólicos, característicos de su estilo. El mejor ejemplo de este neomudejarismo es la Casa Vicens en Barcelona. Para el industrial y el mecenas de muchos artistas del momento realiza el parque Güell, un verdadero prodigio de imaginación y fantasía creativas. En el Palacio Episcopal de Astorga, en la Casa de los Botines en León o en el Colegio de las Teresianas en Barcelona hay claras referencias al arte gótico, en la utilización de elevadas torres con agujas y pináculos y en el tipo de ventanas. En el ensanche de Barcelona se encuentran dos de sus obras más emblemáticas: la Casa Batlló y la Casa Milá, conocida como la Pedrera, obras que constituyen la perfecta expresión de la fuerte inspiración organicista de la arquitectura de Gaudí. En los últimos años de su vida su religiosidad aumentó y evolucionó hacia un auténtico misticismo que queda reflejado en su obra cumbre: el Templo de la Sagrada Familia, al que dedicó gran parte de su vida, llegando incluso a vivir en el propio taller. Gaudí partió de un proyecto neogótico en el que fue introduciendo sucesivas modificaciones. El templo está lleno de un profundo simbolismo. En el año 1936 los planos y maquetas quedaron destruidos, por lo que nunca podremos llegar a conocer el plan general definitivo, sino a través de diversas hipótesis elaboradas a partir de fragmentos hallados. Josefina Sánchez 12

14 La variedad de materiales utilizados: cemento, piedra, hierro y cerámica, se corresponde con una extraordinaria riqueza estructural. El proyecto, por lo que queda construido (sólo la fachada del Nacimiento, de uno de los brazos del crucero), era colosal. Una inmensa iglesia con planta de cruz latina de cinco naves. El edificio tendría tres inmensas fachadas con cuatro torres cada una: la de la Gloria sería la principal, a los pies de la iglesia; las laterales estarían dedicadas a la Pasión y el Nacimiento. La gigantesca torre del cimborrio, con una altura de 170 m, sería el símbolo de Cristo, y las torres representarían a los doce apóstoles. Los remates superiores, dorados y esmaltados con brillantes colores dispondrían de agujeros con reflectores cuyas luces simbolizarían la fe. La inspiración naturalista se advierte tanto en la decoración de la fachada como en los propios sistemas estructurales para los que Gaudí toma como modelo la propia Naturaleza. Josefina Sánchez 13

15 ARTES PLÁSTICAS EN EL SIGLO XIX TEMA 5. NEOCLASICISMO, ROMANTICISMO Y REALISMO A lo largo del siglo XIX encontraremos en las artes plásticas, al igual que en la arquitectura, muy diversas tendencias: Neoclasicismo, Romanticismo y Realismo. A fines del siglo XIX surgirá un importante movimiento, el Impresionismo que supone el punto de partida de la pintura contemporánea. 1. EL NEOCLASICISMO A fines del siglo XVIII surge un nuevo estilo artístico, el Neoclasicismo, unido estrechamente a la Ilustración, corriente de pensamiento que llevará a cabo una crítica de las estructuras del Antiguo Régimen y defenderá la lucha por un mundo nuevo basado en la razón. La obra de arte se convertirá en un instrumento al servicio de estas ideas, adquiriendo su valor principalmente por su contenido moral y social La escultura neoclásica La escultura neoclásica se caracteriza, al igual que la arquitectura o la pintura, por la vuelta a la Antigüedad clásica. El hallazgo en las excavaciones arqueológicas, que se llevaron a cabo durante el siglo XVIII, de numerosas piezas escultóricas proporcionó a los artistas una magnífica fuente de inspiración. La escultura neoclásica se va a caracterizar por la pureza de contornos y la claridad de los volúmenes. El material preferentemente utilizado será el mármol blanco, con superficies muy pulimentadas y brillantes. El influjo del arte clásico es evidente en la elección de los temas, entre los que destacan los mitológicos, así como en la búsqueda de la Belleza ideal, la armonía y el equilibrio. En la representación de la figura humana hay un enorme interés por el desnudo, un desnudo idealizado que de esta manera trata de reflejar el valor atemporal del arte y el deseo de autenticidad. En cuanto a las tipologías más utilizadas se encuentran los monumentos públicos (arcos de triunfo, columnas o retratos ecuestres), los monumentos funerarios, que partirán de disposiciones Josefina Sánchez 14

16 formales utilizadas en el Barroco, y los retratos, que adquieren gran importancia. Los escultores que mejor representan el logro de estos ideales son Bertel Thorvaldsen y Antonio Canova. La obra del escultor danés Bertel Thorvaldsen ( ), profundo conocedor de la estatuaria clásica, y sobre todo del mundo griego, transmite una gran serenidad y equilibrio, pero también un cierto distanciamiento y frialdad. El escultor italiano Antonio Canova ( ), es uno de los más importantes escultores neoclásicos. En sus esculturas, de gran perfección técnica, alcanza una extraordinaria maestría en la sublimación de la Naturaleza, plasmando la Belleza ideal. Destacan en su obra los temas mitológicos y los retratos, especialmente los de Napoleón o su hermana Paulina Borghese. Levará a cabo también importantes monumentos funerarios, como los de Clemente XIII y Clemente XIV o el de María Cristina de Austria. En estos monumentos, parte del modelo establecido por Bernini, pero renunciando a la policromía y al sentido dramático y teatral La pintura neoclásica También en la pintura la renovación artística se funda en el retorno al mundo clásico, aunque no existían fuentes directas para su conocimiento. El artista debe inspirarse en la Naturaleza, corrigiendo sus imperfecciones, con el fin de representar la Belleza ideal. El dibujo adquiere especial importancia y es la línea la que nos proporciona el conocimiento de la forma, a través de contornos firmes y seguros, reflejando el carácter racional del arte neoclásico. La luz, fría y cortante, define volúmenes muy precisos, que se destacan con nitidez sobre fondos de gran sobriedad, en los que se suprime cualquier decoración superflua. La función didáctica asignada al arte explica la elección de los temas, preferentemente episodios de la Antigüedad, utilizados como ejemplos a seguir a través de los cuales puedan regenerarse las costumbres, pero también se representan acontecimientos contemporáneos. Debido a esta función didáctica del arte, adquieren importancia los temas de la vida cotidiana, pero siempre con una intención moralizante. Otro género cultivado por muchos pintores neoclásicos será el retrato. El artista que mejor ejemplifica los nuevos ideales de la pintura neoclásica es Jacques Louis David ( ). Con él nace la conciencia política del artista, por lo que su obra no puede ser comprendida sin conocer los acontecimientos de la Francia contemporánea. Estuvo comprometido con los ideales de la Revolución francesa, dedicándose a la política como diputado en la Convención Nacional (fue uno de los signatarios de la condena a muerte de Luis XVI), miembro del Comité de Salud Pública, y vinculado a Robespierre durante los años del Terror. Tras la caída de Robespierre corrió el riesgo de ser guillotinado, pero sólo fue encarcelado durante algunos meses. Posteriormente Josefina Sánchez 15

17 se convierte en el pintor oficial de Napoleón y su pintura será verdadero instrumento de propaganda política. Con la Restauración elige el exilio y marcha a Bruselas. Su obra da testimonio, por tanto, de los principales acontecimientos de su tiempo. En su formación artística es fundamental la estancia de cinco años en Italia donde estudia a fondo la pintura de Rafael y la escultura grecorromana. De los clásicos extrae un auténtico código ético buscando en el pasado episodios ejemplares para sus contemporáneos, pues para él la función del artista es educar al público a través del arte, y transmitir una serie de valores como el patriotismo, el valor, la conciencia del deber y del sacrificio. Su pintura lleva a la perfección estos ideales, así como la estética neoclásica de un arte racional en el que dominan el equilibrio y la mesura, la claridad compositiva, el valor del dibujo, que a través de la línea y de una sobria utilización de la luz define nítidos volúmenes, la austeridad de los fondos Entre sus obras más importantes destacan El juramento de los Horacios, que constituye un verdadero manifiesto de la pintura neoclásica, Marat asesinado, El rapto de las sabinas o La coronación de Napoleón. También serán destacados intérpretes del neoclasicismo el francés Ingres, que sigue fielmente la estética neoclásica, alcanzando gran maestría en el dibujo con sus magníficos desnudos femeninos y sus retratos, y el alemán Mengs, que trabajó sobre todo en Roma y Madrid. 2. EL ROMANTICISMO Durante la primera mitad del siglo XIX el panorama artístico en Europa está dominado por una corriente compleja que afecta a todas las manifestaciones artísticas: el Romanticismo. Hay que destacar en primer lugar su carácter revolucionario, que plantea una ruptura con la tradición y el orden establecido en nombre de la libertad, libertad que supone la afirmación de la subjetividad por encima de cualquier norma y del sentimiento por encima de la razón. No existe una Belleza universal e ideal, ya que el juicio estético debe apoyarse en un principio totalmente subjetivo. El Romanticismo indaga en todos aquellos aspectos de la vida humana que escapan a las leyes de la razón: el sueño, la imaginación, la locura, la enfermedad, el sufrimiento, la violencia, el deseo, el amor y la muerte. A través de la obra de arte el artista puede dar rienda suelta a la expresión de sus sentimientos y a su imaginación, sin ningún tipo de cortapisa. El Romanticismo se convierte también en el principal vehículo de expresión del nacionalismo, al representar una serie de temas a través de los cuales cada pueblo trataba de afirmar su identidad nacional: gloriosos acontecimientos históricos del pasado o del presente, personajes célebres... Además de esta mirada hacia su pasado, también los románticos miran hacia otros pueblos y culturas, desarrollando un gran interés por lo exótico y por los ambientes sensuales y fastuosos. Josefina Sánchez 16

18 2.1. La escultura romántica Aunque para muchos críticos de la época la escultura debía seguir siendo clásica, sin embargo, también podemos encontrar en la obra de los artistas de este periodo una nueva sensibilidad, próxima a los postulados románticos que se traduce en mayor complejidad compositiva, grandes contrastes de luces y sombras, expresividad en los gestos, que reflejan intensas emociones y profundos sentimientos Una de las obras más representativas de esta nueva sensibilidad será La Marsellesa de François Rude La pintura romántica Dentro de las diferentes manifestaciones artísticas, es en la pintura donde aparece verdaderamente la esencia del romanticismo. Podemos aplicar a su estudio las características expuestas en la introducción. En cuanto a los géneros, habría que destacar la importancia concedida al paisaje, debido a la posibilidad de proyectar en él nuestras emociones, o al retrato que permite al artista explorar en la naturaleza humana. Respecto a los valores formales de la pintura romántica podemos señalar como rasgos característicos la preferencia por el color frente al dibujo, el dinamismo de las composiciones En Francia y a pesar del arraigo de la estética neoclásica, el romanticismo se manifestará con enorme fuerza a través de la obra de Géricault y Delacroix. Théodore Géricault ( ) es el prototipo de artista romántico, por su carácter apasionado y sensible, por su rebeldía y la intensidad de la que dota a toda su obra. Miguel Ángel, Caravaggio y Goya son sus grandes maestros. En su obra más célebre, La balsa de la Medusa, representa con extraordinaria intensidad dramática un acontecimiento contemporáneo que había conmocionado a la opinión pública: la terrible peripecia vivida por un grupo de náufragos frente a las costas de África, que debieron permanecer durante días en medio del océano hasta ser finalmente rescatados. En esta obra manifiesta su predilección por los temas trágicos en los que la muerte o la violencia sitúan al ser humano en situaciones límite. También hay que destacar sus trabajos como animalista, principalmente la importancia del caballo en su obra como símbolo de fuerza y energía vital. Son extraordinarios los retratos que hizo de enfermos mentales, cuya profundidad psicológica es insuperable. Josefina Sánchez 17

19 Pero será Eugène Delacroix ( ) el artista que exprese a la perfección los ideales del Romanticismo. En su formación artística fue decisiva su estancia en Inglaterra y su largo viaje por el norte de África, por Marruecos y Argelia, donde se sentirá impactado por la plenitud de la luz y del color. También hará una corta visita al sur de España. No estuvo en Italia, pero frecuentó el Museo del Louvre donde copió a los grandes maestros del pasado. Artista muy culto, se relacionó con los mejores intelectuales de la época como Stendhal, Chopin, Víctor Hugo o Baudelaire. Se dio a conocer con la obra La barca de Dante, en la que representa un episodio extraído de la Divina Comedia, en el que Dante y Virgilio atraviesan las aguas del Infierno en medio de cuerpos convulsos. La importancia de los temas históricos de carácter épico o elegíaco la muestra con gran perfección en Las matanzas de Quíos, uno de los episodios más atroces de la guerra de independencia griega, o en La libertad guiando al pueblo, donde se exalta la revolución liberal de Los temas exóticos, llenos de sensualidad, están magníficamente representados en La muerte de Sardanápalo o Las mujeres de Argel. Su obra presenta un colorido extraordinario y un gran dinamismo compositivo, así como una magnífica representación de los sentimientos y de las emociones más intensas. En Inglaterra destaca la obra de William Turner ( ), que capta magistralmente los efectos atmosféricos y la luz, llegando casi a la abstracción de la forma, como en su célebre Lluvia, vapor y velocidad, y de John Constable ( ), que expresa a través de sus espléndidos paisajes el profundo interés del Romanticismo por la Naturaleza como reflejo de los estados del alma. En este mismo sentido hemos de mencionar la obra del alemán Caspar David Friedrich ( ), cuyos cuadros reflejan a la perfección la impotencia e insignificancia del ser humano frente a la Naturaleza. 3. EL REALISMO 3.1. La escultura realista La escultura que se realiza durante este periodo asume algunos rasgos que pueden considerarse como realistas (el gusto por los detalles, la representación de acciones cotidianas, la naturalidad en los gestos ) sin renunciar a rasgos de etapas anteriores. El escultor más claramente realista es Constantin Meunier ( ) muy comprometido socialmente, al representar en su obra el mundo de los trabajadores, dignificándolos. Josefina Sánchez 18

20 3.2. La pintura realista En realidad es en la pintura donde podemos verdaderamente estudiar el Realismo como nueva corriente artística que se desarrolla entre 1840 y Supone una reacción contra la pintura romántica, a la que los pintores realistas rechazarán, por considerarla demasiado emotiva y por alejarse de la realidad. Su principal aspiración es, por tanto, la representación objetiva de la realidad, incluso en sus aspectos más cotidianos. Esta realidad es la realidad que nos rodea, por lo que los únicos temas válidos son los del mundo contemporáneo, temas ignorados hasta esos momentos, en los que el pueblo adquiere un protagonismo que nunca había tenido. La vida cotidiana de los trabajadores, campesinos o proletarios, es representada con toda su dureza y sin idealización alguna. El Realismo es un arte fuertemente comprometido con lo social que se hace eco de los nuevos movimientos sociales, como la lucha obrera, que aspiran a un orden social más justo, y políticos. También se abordarán temas relacionados con la vida familiar o doméstica. En esta exigencia de veracidad tendrá gran influencia la filosofía positivista de Augusto Comte, así como el desarrollo de la fotografía, procedimiento capaz de reflejar la realidad a la perfección. Los mejores ejemplos de esta corriente los encontramos en la obra de Courbet, Millet y Daumier. Gustave Courbet ( ) es el mejor representante del realismo pictórico. Su formación artística no siguió los cauces convencionales de asistencia a las academias. Tras un breve aprendizaje en su localidad natal, se dedicó en París a copiar a los grandes maestros, sobre todo a pintores del siglo XVII, como Caravaggio y Velázquez. Fue un hombre comprometido con la sociedad en la que vivía y con los movimientos sociales que intentaban transformarla, como el socialismo. Participó en la revolución del 48 y durante La Comuna de París en 1870, aceptó el cargo de Comisario artístico del Gobierno revolucionario. A consecuencia de ello murió en el exilio pues tuvo que abandonar su país tras el fracaso de su experiencia política. Su obra, en la que destacamos El entierro en Ornans, tiene como principal objetivo reflejar en toda su verdad la realidad de nuestro entorno, sobre todo la vida rural, que él conocía muy bien, y de los oficios humildes. A este mismo deseo corresponde la obra de Jean François Millet ( ). Pintor de origen campesino, nacido en un pueblecito de Normandía, abandonó éste a los veinte años para aprender a pintar, primero en Cherburgo y después en París. En 1849 se trasladó a Barbizon, a vivir en el campo, en una cabaña en la que desde entonces habitó muy humildemente, mientras la burguesía parisina rechazaba su pintura. Allí en Barbizon se dedicó Millet a pintar cuadros como El Ángelus, en los que plasmó la dureza de la vida campesina, en imágenes llenas de dignidad y respeto. Josefina Sánchez 19

21 Finalmente no podemos dejar de mencionar la obra de Honoré Daumier ( ), muy crítico con la sociedad de su tiempo, de la que nos ofrece una crónica mordaz mostrando la miseria de los sectores sociales más desfavorecidos. Josefina Sánchez 20

22 TEMA 6. IMPRESIONISMO Y POSTIMPRESIONISMO RODIN 1. EL IMPRESIONISMO En el año 1874 tiene lugar la primera exposición de los impresionistas, un grupo de artistas que, cansados de verse excluidos sistemáticamente del Salón parisino oficial, deciden organizar una muestra pública en la casa del fotógrafo Nadar. Entre estos artistas se encontraban Monet, Renoir, Degas, Sisley, Pissarro...La exposición causó escándalo. El título de uno de los cuadros, Impresión, sol naciente de Monet inspiró al crítico Leroy el calificativo irónico de impresionistas. Las exposiciones se repetirían en años sucesivos. Todos los artistas que formaban parte del grupo tenían en común su desprecio por el arte oficial y las reglas académicas imperantes en estos momentos. Desde el Renacimiento el arte había considerado la Naturaleza como el modelo a imitar, pero desde un enfoque conceptual. El impresionismo utiliza un enfoque perceptivo, basado en la experiencia visual, en la inmediatez de la visión. A una realidad, supuestamente estable, se opone una realidad transitoria, en perpetuo cambio. No se trata de pintar lo que sabemos de las cosas, sino lo que vemos, y el artista debe reflejar el carácter provisional de las apariencias, diferentes de un instante a otro, la impresión de fugacidad que se experimenta en el contacto directo con la Naturaleza. Es una nueva manera de ver y representar el mundo, un cambio de sensibilidad artística que supondrá una verdadera ruptura en el arte occidental, convirtiéndose en el punto de partida del arte moderno. Los impresionistas plantan sus caballetes en plena naturaleza, lo que se conoce como pintura à plein air, y salen del estudio en el que hasta entonces habían estado recluidos. Es conocida la respuesta de Monet a un periodista cuando se interesó por conocer su estudio, Monet le contestó: Mi estudio!, pero si nunca he tenido un estudio y no comprendo cómo alguien pueda encerrarse en un cuarto, y enseñándole el paisaje de Vétheuil exclamó: Este es mi estudio!. El objetivo central de los impresionistas es la captación de la luz como elemento cambiante y dinámico y su efecto sobre la apariencia de las cosas. En este sentido tendrán una influencia decisiva los avances de las ciencias físicas y las investigaciones sobre el fenómeno luminoso. Fundamental también para ellos será la teoría de los colores de Chevreul en la que se establecen tres colores primarios (azul, rojo y amarillo) y tres colores secundarios o complementarios, formados por la mezcla de dos primarios: verde (azul y amarillo), violeta (azul y rojo) y naranja (rojo y amarillo). Cada uno de los colores secundarios es el complementario del color primario que no está en su Josefina Sánchez 21

23 composición. Todo color tiende a rellenar con su complementario el espacio que le rodea. La ley de contrastes simultáneos establece que los colores se anulan cuando se mezclan y aumentan su intensidad cuando se yuxtaponen. Para plasmar todo ello llevan también a cabo una auténtica renovación en la técnica pictórica. Los impresionistas yuxtaponen las pinceladas de colores puros directamente sobre la tela dejando que la retina del observador lleve a cabo la fusión y combinación de tonos. Su factura se caracteriza por la llamada mancha impresionista, a base de pinceladas cortas y perceptibles. Se abandona el dibujo preciso, suavizando los contornos al fundirlos con el fondo. Las sombras no aparecen totalmente privadas de color, ni de luz, sino que incluyen el complementario del color del objeto que la proyecta. La paleta es clara, brillante, luminosa... Desaparecen los negros, los grises y los marrones, a favor de los azules, verdes, amarillos, naranjas, rojos y violetas. En cuanto a la temática dominante entre los impresionistas hay que señalar la importancia concedida al paisaje (paisajes normandos, orillas del Sena ), los temas populares, escenas de la vida ciudadana y de la vida nocturna: cafés, teatros, cabarets... Experimentan una auténtica fascinación por el agua, que será uno de sus temas preferidos, aguas en calma o agitadas, bajo cielos cambiantes, sembrados de nubes que se reflejan en ellas. Los impresionistas recibirán diversas influencias. En primer lugar, habría que destacar la de los pintores de la Escuela de Barbizon, lugar cercano a París donde trabajaban un grupo de paisajistas, cuyo principal objetivo era el estudio de las condiciones atmosféricas. Por otro lado, también se sentirán fascinados por el arte japonés que se conoció en Occidente tras la apertura del mercado japonés en 1854 y la Exposición Universal de 1867 en la que hubo un pabellón dedicado al arte del Extremo Oriente. En sus pinturas se representaban escenas de gran simplicidad y fácil comprensión, pero extraordinariamente poéticas y con un gran valor decorativo. El dibujo realizado con líneas marcadas de color negro y el uso de colores planos sobre fondos generalmente blancos, son dos características de estas imágenes. A estos artistas no les preocupaba la perspectiva y utilizaban composiciones novedosas con puntos de vista desacostumbrados... Finalmente habría que señalar que la fotografía, inventada en el año 1839, aparece como un instrumento científico de conocimiento, otra posibilidad de representar la realidad deteniendo el movimiento, lo que hacía que la pintura ya no tuviera que limitarse a la imitación de la realidad, pudiendo avanzar por otros cauces de expresión. Entre los artistas que mejor representarán los postulados del impresionismo destacamos las figuras de Monet, Renoir y Degas. Josefina Sánchez 22

24 Monet ( ). En su obra se resumen perfectamente todas las características del impresionismo ya analizadas en la introducción, por lo que podemos decir, sin duda, que es el pintor impresionista por excelencia. Características de su obra son la pintura al aire libre, la técnica de manchas yuxtapuestas y la utilización de colores puros, su obsesión por captar la luz y transmitir la impresión momentánea, la importancia del agua... y sobre todo el carácter provisional de las apariencias, diferentes de un instante a otro. Este carácter provisional de las apariencias lo plasmará magistralmente en sus famosas series, donde no es el tema lo que interesa, sino su aspecto cambiante. A través de estas series quiso captar los efectos de la luz en diferentes horas del día y en diversas condiciones atmosféricas. Podemos destacar la serie dedicada a la estación de Saint Lazare, la de los álamos a orillas del río Epte, y sobre todo la serie dedicada a la catedral de Rouen, en la que estudia las variaciones de la luz sobre la fachada, a pleno sol, al amanecer, en el crepúsculo, entre la bruma... Los últimos veinte años de su vida los dedicó al tema de las ninfeas, inspirándose en el jardín acuático de su casa de Giverny. Realizó una docena de versiones de estas ninfeas, con una profunda originalidad en el encuadre: no hay cielo, ni horizonte, ni primer ni segundo plano. Sólo manchas de color, los reflejos de la luz en el agua, el cielo que se refleja en ella, las ninfeas que oscilan... De este artista estudiaremos Impresión, sol naciente. Renoir ( ). Su pintura refleja una auténtica alegría de vivir, un inmenso amor por la vida. Hay en sus cuadros una enorme riqueza cromática y una armonía magistral de colores cálidos y fríos, con la que transmite un frescor sorprendente. Capta a la perfección la relación de la figura con la atmósfera que la rodea: sus sombras coloreadas por los reflejos de los árboles fueron realmente novedosas. Sus temas son imágenes de la vida cotidiana, sobre todo al aire libre, con todo su encanto y sencillez. Degas ( ). Aunque mantuvo estrechas relaciones con los impresionistas y participó en sus exposiciones, posteriormente se alejó del grupo y algunos rasgos de su obra la diferencian de los postulados impresionistas. Uno de los objetivos de su pintura fue la plasmación del movimiento, que le lleva a interesarse por determinados temas como las carreras de caballos, las bailarinas de la Ópera, las mujeres en su aseo, las escenas de café-concierto... Reflejó perfectamente el mundo del ballet, pero no tanto el esplendor del espectáculo, como los largos momentos que lo preceden: los ensayos, la espera, e incluso el hastío de las bailarinas. También se interesa por el mundo femenino mostrando con una extraordinaria capacidad de observación la dura realidad del trabajo o momentos más triviales como las mujeres en su aseo. Otro capítulo importante en su producción lo constituyen sus obras dedicadas a las carreras de caballos que le permiten estudiar el movimiento. Habría que destacar sus novedosas composiciones, muy audaces, en las que se libera del Josefina Sánchez 23